Die kalifornische Aquarelltätigkeit von den 1920er bis 1950er Jahren stellt einen lebendigen und innovativen regionalen Beitrag zum nationalen Bild dar. Die sogenannte Aquarellbewegung im kalifornischen Stil war eine informelle, aber eng verbundene Gruppe von Künstlern, die hauptsächlich in Südkalifornien ansässig waren. Der bekannteste unter ihnen war Millard Sheets, dessen in den späten 1920er Jahren entstandene Aquarelle der lokalen Szene andere junge Künstler, von denen viele der Chouinard Art School angehörten, ermutigten, seinem Beispiel zu folgen. Unter ihnen waren Phil Dike, Rex Brandt, Barse Miller, Emil Kosa, Jr., Phil Paradise und Paul Sample. Fast alle wurden in der 1921 gegründeten California Watercolour Society aktiv und organisierten lokale und Wanderausstellungen, die das Profil der Gruppe landesweit stärkten. Der frühreife Millard Sheets, immer noch einer der bekanntesten Namen in der Geschichte der kalifornischen Kunst, war der erste der Gruppe, der einen bedeutenden nationalen Ruf genoss, und seine frühe Bekanntheit trug dazu bei, die Aufmerksamkeit auf seine Mitarbeiter und ihr gewähltes Medium zu lenken.

Das Aquarellmedium passte ideal zu den Zielen und dem Lebensstil von Sheets und seinem Kreis. Wie mehrere Generationen vor ihnen erkannt hatten, waren Wasserfarben kostengünstig und leicht tragbar – perfekt für junge Künstler, die es liebten zu reisen und im Freien zu malen. Darüber hinaus war das Medium, wie am Beispiel von Modernisten wie John Marin deutlich wurde, gut an reduzierte und gestische Herangehensweisen an das Thema angepasst. In den Händen der kalifornischen Szenemaler ermöglichte das Aquarell einen direkten, scheinbar mühelosen Stil, der den strahlenden Sonnenschein und die ungezwungene Atmosphäre Südkaliforniens einfing. Gleichzeitig kündigte der große Maßstab dieser Aquarelle – im Allgemeinen mehr als zwei Fuß breit ohne Rahmen – an, dass ihre Hersteller sie als ernsthafte Werke beabsichtigten, die es wert waren, ausgestellt und verkauft zu werden. Diese Künstler nahmen das Medium sehr ernst.

Die Qualitäten der Aquarelle der kalifornischen Künstler spiegelten auch nationale Stil- und Kulturströmungen wider. Dazu gehörte die Vorliebe für Realismus und lokale Inhalte, ein Markenzeichen der amerikanischen Szenemaler und der Regionalisten des Mittleren Westens, insbesondere Grant Wood und Thomas Hart Benton. Dieser Versuch, Wurzeln im lokalen Kunstboden zu schlagen, wurde auch von einigen Modernisten geteilt – darunter Georgia O'Keeffe, John Marin und Marsden Hartley. Die Freude der Maler des kalifornischen Stils, flüchtige Momente des Alltags festzuhalten, verdankt sich in hohem Maße auch den urbanen Realisten des frühen 20. Jahrhunderts wie Robert Henri, George Bellows und dem späteren Reginald Marsh. Und während die Aquarellisten die reine Abstraktion vermieden, nahmen sie dennoch stilisiertere und energischere Ansätze an, die ihren Zwecken entsprachen. Die Anpassung verschiedener modernistischer Merkmale blieb jedoch größtenteils buchstäblich an der Oberfläche und ging selten tiefer. Die Künstler fühlten sich vor allem von neuen technischen und stilistischen Mitteln angezogen, um kühne, lebendige und direkte visuelle Effekte zu erzielen.

Die kalifornischen Aquarellmaler entwickelten sich aus der langen und reichen Landschaftstradition des Staates, die von den zahlreichen malerischen Aussichten und dem idealen Klima der Region zum Malen im Freien profitierte. Zu den kalifornischen Aquarellmalern des frühen 20. Jahrhunderts, die in dieser Pleinair-Tradition arbeiteten, gehörte Francis McComas, der Anfang des 20. Jahrhunderts nach Südkalifornien kam. Er brachte eine Vereinfachung in seine Arbeit ein, die raffinierte, formale Beziehungen schuf, die ein Gefühl für die abstrakten Qualitäten in Wüstenlandschaften suggerierten. Seine grundsätzliche Herangehensweise an Aquarellfarben folgte jedoch langjährigen englischen Aquarelltraditionen, bei denen Formen oft mit Bleistift skizziert und dann innerhalb von Umrissen gemalt wurden. Diese Methode war auch die übliche Aquarelltechnik in Südkalifornien von früheren Praktizierenden, wie die vergleichsweise blassen, kontrollierten Lavierungen belegen, die von F. Tolles Chamberlin verwendet wurden, der als Lehrer an der Chouinard Art School (später Chouinard Art Institute, dem Vorläufer von Cal Arts ), ermutigte Sheets und andere Studenten, das Aquarellmedium zu erkunden. Viele der kalifornischen Aquarellisten zeigten auch ein Bewusstsein für die verehrten Aquarelltraditionen Asiens. Eine kleine, aber prominente Gruppe asiatisch-amerikanischer Künstler war sowohl in Süd- als auch in Nordkalifornien tätig und schöpfte in unterschiedlichem Maße direkt aus ihrem asiatischen Erbe.

Zwei der führenden Persönlichkeiten Südkaliforniens waren Hideo Date und Tyrus Wong, die beide im Kreis von Stanton MacDonald Wright tätig waren. In Nordkalifornien erlangte Chiura Obata einen großen Ruf für seine Aquarelle und großformatigen Ölgemälde, die zu einer Position an der Kunstfakultät der UC Berkeley führten. Der in San Francisco geborene chinesisch-amerikanische Aquarellmaler Dong Kingman verbrachte einen Großteil seiner Jugend in Hongkong, wo er die Kalligrafie und eine ausdrucksstarke, scheinbar spontane Herangehensweise an die Aquarellmalerei beherrschte – eine, die oft mit asiatischer Tuschemalerei in Verbindung gebracht wird –, die er in seinen eigenen phantasievollen Stil einfließen ließ . Kingman war für seine Tour-de-Force-Aquarelle von Stadtszenen bekannt und war der prominenteste Aquarellmaler Nordkaliforniens, der mit dem im Süden ansässigen California Style in Verbindung gebracht wurde. Als die nördliche Gruppe noch stärker von der Moderne beeinflusst wurde, überschneiden sich die beiden regionalen Bewegungen stilistisch und sozial noch weniger.

Aquarellmaler des kalifornischen Stils und der Berkeley School waren unterschiedlich und hatten tatsächlich sehr wenig miteinander zu tun. Die nordkalifornische Bewegung mit Sitz an der UC Berkeley wurde stark von dem Gastkünstler Hans Hoffmann, einem proto-abstrakten Expressionisten, beeinflusst. Dieser von der Universität hervorgebrachte, quasi modernistische Stil nahm den Charakter einer etwas vorsichtigen akademischen Antwort auf Hoffmanns Lehren an: insbesondere den Wert der Linie an sich, nicht nur als definierende Form und Kontur, und von der Kontur unabhängige Farbflächen. Worth Ryder, John Haley, Karl Kasten und Erle Loran waren die führenden Praktiker, und als Künstler der Universitätsfakultät übte ihr Stil einen erheblichen Einfluss auf die Aquarellmalerei in der San Francisco Bay Area aus. Laut Kasten führten die unterschiedlichen Herangehensweisen an Aquarellfarben zu einer „Schisma“ zwischen Nord und Süd. Die Berkeley School bevorzugte „offene“ Farben und eigenständige Linien. Die Künstler im kalifornischen Stil verwendeten einen „geschlossenen“ Ansatz, bei dem Motive aus der südlichen Landschaft und der städtischen Szene mit natürlichen lokalen Farben wiedergegeben wurden. Die eher modernistisch orientierte Arbeit des Nordens mit ihren Bezügen zu Europa etablierte die University of California als eine wichtige Kunstpräsenz weit über die Berkeley-Hügel hinaus. Aber einige nördliche Aquarellmaler ärgerten sich über das, was sie als akademische Dominanz ihres Fachs betrachteten.

Diese beiden Richtungen dominierten mehrere Jahrzehnte lang die kalifornische Aquarellmalerei. Und die vielen Praktiker, die an der aktiven zeitgenössischen Welt der National Watercolour Society und verwandter Berufsgruppen teilnehmen, stützen sich auf diese Traditionen, sowohl im Norden als auch im Süden. Viele von ihnen haben herausragende Karrieren gemacht, die auf einem allgemein konservativen und leicht zugänglichen narrativen Ansatz basieren, der hochentwickelte Illustrationsfähigkeiten einsetzt. Aquarell bleibt jedoch ein herausforderndes und lohnendes Medium für Künstler mit sehr unterschiedlichen Interessen. Wir können die technische Virtuosität der kalifornischen Regionalisten und ihrer Erben bewundern, aber wir erkennen auch, dass diese bewundernswerte Einrichtung auch in den Dienst anderer zeitgenössischer Künstler gestellt wird, wie etwa des Fotorealisten Robert Bechtle, dessen Motive die gleiche Anziehungskraft auf eine evokative zeigen Ortsspezifität trotz sehr unterschiedlicher künstlerischer Ziele.

Aber bei all diesen Künstlern gibt es einen unterschwelligen Respekt vor der Schwierigkeit und den einzigartigen Ausdrucksqualitäten des Mediums. Auch in Zukunft wird dieser besondere Ort für das Aquarellieren erhalten bleiben. Einige Künstler werden die amerikanische Tradition fortsetzen, die von den größten historischen Praktikern – Winslow Homer, Thomas Eakins und John Singer Sargent – begründet wurde. Dabei geht es aber weder um Fortschritt noch um Wettkampfeifer. Sheets, Marin, Kosa und viele andere Aquarellstars des 20. Jahrhunderts wollten diese anerkannten Meister nicht übertreffen. Aber es ist schließlich ein tiefer Respekt vor dem Medium und seinen früheren Vorbildern, der das Aquarell zu einer Art künstlerischer Gemeinschaft macht, die von anderen stilistischen Überlegungen losgelöst ist. Vielleicht ist es wie ein Club, eine fast geheime Gesellschaft, in der die Eingeweihten – darunter sowohl Traditionalisten als auch zeitgenössische Experimentatoren – erkennen, dass das Aquarell eine einzigartige Geschichte und eine unmöglich zu duplizierende ästhetisch-expressive Identität hat. Es gibt einen Grund, warum sie es wählen.

Dr. Paul J. Karlstrom, ehemaliger Regionaldirektor der Westküste der Archives of American Art, Smithsonian Institute, schrieb diesen Artikel 2009 zu seinem Essay für die Ausstellung „Coastline to Skyline“ im Hood Museum of Art. 

Skyline-Muster – Aquarell über Kohle (22,5 x 30″) von Emil Kosa Jr., 1959