Die Interpretation unserer komplexen sichtbaren Welt erfordert mehr als nur unschuldige Augen; es erfordert einen durchdachten und zielgerichteten Ansatz, der über bloßes Kopieren hinwegtäuscht. Eine ästhetische Beurteilung eines Objekts, das im traditionellen Sinne nicht als schön angesehen würde, erfordert vom Betrachter, eine Kombination von Qualitäten, einschließlich Form, Farbe und Form, in Betracht zu ziehen. Mit der ästhetischen Sensibilität eines Künstlers gehe ich den Objekten meiner Faszination nach. Ich betrachte alles, während ich mich an mein Motiv heranpirsche, als Beute, auf der Suche nach dem geringsten Hauch von Farbe oder struktureller Eleganz, die ein würdiges Thema zum Rendern nahelegen würde. Das Licht, das diese Untersuchungsgegenstände zeigen, kann den Unterschied zwischen weiteren Untersuchungen und Befragungen oder den eines bloßen Blicks ausmachen.

Sobald mein Blick auf ein Thema gestoßen ist, für das es sich lohnt, Zeit zu verbringen, werde ich alles zwischen 5 Minuten und 2 Jahren damit verbringen, sein Potenzial zu entdecken. Die meisten meiner Motive liegen dort vor aller Augen, ignoriert, vernachlässigt, verurteilt und, was für mich am wichtigsten ist, von Passanten nicht gesehen. Wir gehen durch die Straßen, schauend, aber nicht sehend, sichtbar, aber unsichtbar, es sitzt still, passiv unberücksichtigt.

„Gesperrt & geladen II“

"Globale Krise"

Diese Entdeckungsmomente sind selten und ihre Offenbarung wie das Finden der Bundeslade, aber nicht jede Entdeckung kann zum Gegenstand werden. Beim Skizzieren vor Ort kann sich das volle Potenzial einer Idee offenbaren oder als flüchtiger Gedanke verworfen werden. Der Schöpfungsakt ist für mich ein langer Prozess, der seinen Ausgangspunkt in einigen sehr schnellen Zeichnungen hat, die wiederum zu einer Obsession werden können, deren Lösung viele Monate dauern kann.

Die Idee der Schönheit im Alltäglichen ist kein neues Konzept, aber sie treibt mich an, dabei zu helfen, diejenigen aufzuklären, die nicht an das Vergnügen gedacht haben, das in einer alten Tür mit ihrer abblätternden, verblassten Farbe zu finden ist. Es ist eine abgesplitterte Holz- oder Rostoberfläche, die durch Zeit und Wetter langsam erodiert. Der Stein oder Putz, der jetzt mit seinen kraterartigen, pockennarbigen Texturen und seiner verblassten Farbe der Oberfläche des Mondes ähnelt. Haben Sie jemals die Rostflecken eines Eisengitters bemerkt, das ein altes Fenster wie ein weinender Engel umgibt? Es ist ein wunderschönes Eisenoxid-Pigment, das die Oberfläche darunter färbt, ohne dass sich jemand darum kümmert oder es überhaupt bemerkt.

Mein Malprozess ist abwechslungsreich und manchmal ziemlich langwierig, aber ich versuche, ihn möglichst interessant und ohne Wiederholungen zu gestalten, da es nichts Schlimmeres gibt als Routine oder Langeweile, um die Inspiration zu töten. Mein Motiv ist auch sehr vielfältig und kann ein Lastwagen an einer Straßenecke sein, ein Fußgänger, der an einer schönen Mauer vorbeigeht, oder eine alte verwitterte und verblassende Tür. Die meisten meiner Bilder und Ideen stammen von meinen Reisen, und für mich ist es die Begeisterung, die ich bekomme, wenn ich neue und interessante Orte sehe, die Erkundung unbekannter Straßen, neue Gesichter und die Überraschung, die Sie erleben, wenn Sie um eine Ecke biegen und begrüßt werden ein Bild, das Sie wirklich begeistert.

"Natürliche Selektion"

Normalerweise trage ich ein Skizzenbuch, kleine Wasserfarben, ein paar Pinsel und Stifte (farbig und Graphit) und eine Kamera mit mir herum. Alles hängt von Zeit und Situation ab, wenn ich es eilig habe, mache ich vielleicht einfach ein paar Bilder mit meiner Kamera. Wenn ich Zeit habe, mache ich eine schnelle Zeichnung, aber wenn das Motiv definitiv eines ist, das ich später wiederverwenden werde, dann investiere ich ein bisschen Zeit und mache ein kleines Gemälde vor Ort. Es hängt wirklich davon ab, was ich in dem Bild suche. Ist es nur eine kurze kompositorische Studie oder, was ziemlich oft passieren kann, bin ich sofort von einem Fluss von Ideen und möglichen Kompositionen überwältigt, wie ich ein bestimmtes Thema angehen kann. Wenn mir das Bild wirklich gefällt, kehre ich häufig zu verschiedenen Zeitpunkten des Tages zurück, um zu sehen, wie das Sonnenlicht das Motiv beeinflusst, da Schatten und Farben mit den Elementen ziemlich dramatisch verändert werden können. Wenn ich die Gelegenheit nutze, an einem interessanten Thema zu arbeiten, muss ich sehr schnell arbeiten, da sich die Licht- und Schattenformen sehr schnell ändern. Diese anfängliche Aufregung, wenn man zum ersten Mal einen Schatten sieht, der von der Sonne aufgeworfen wird, kann sich sehr schnell und dramatisch ändern, daher fotografiere ich das Motiv normalerweise kontinuierlich, während ich arbeite. Ich habe daher eine Auswahl an Bildern in verschiedenen Stadien, die mir helfen, mich darüber zu informieren, was ich tue.

„Krümmung der Form“

Wenn ich schließlich ins Atelier zurückkehre, sammle ich meine Zeichnungen, Gemälde und Fotografien und bringe sie zusammen mit gefundenen Objekten in den Arbeitsbereich. Zusammen helfen mir diese, meine Aquarelle zu entwickeln. Ziemlich oft ist ein Gemälde eine Summe verschiedener Elemente, die zusammengebracht werden, um ein endgültiges Bild zu erzeugen, das existiert haben kann oder nicht. Es wird bewusst versucht, eine Oberfläche, ein Foto oder ein Objekt nicht nur originalgetreu zu reproduzieren, sondern es so neu zu interpretieren, dass ein starkes Endstück entsteht, das hoffentlich sehr einzigartig ist.

Im Laufe der Jahre neige ich dazu, mich zu sehr ähnlichen Themen hingezogen zu fühlen, obwohl ich versuche, offen zu sein für das, was ich male. Ich mache mir sicher nicht die Mühe, nach etwas Bestimmtem zu suchen, aber bestimmte Themen tauchen zweifellos immer wieder auf. Alles, was Charakter hat, etwas ungewöhnlich aussieht, aber nicht gekünstelt ist, fällt mir auf. Die Komposition ist für mich ein sehr wichtiges Element, und alles wird bedacht, bevor es beiseite gelegt wird. Auch hier versuche ich, keine vorgefertigten Gedanken darüber zu haben, wie die Dinge aussehen sollten oder wie ich sie haben möchte. Stattdessen nutze ich mein Bauchgefühl dafür, wie ich über das Komponieren denke, ich bin ziemlich geschickt darin, zu erkennen, wie das Auge über ein Bild oder eine Oberfläche wandert, und ich kann diesen Teil des Kompositionsprozesses normalerweise wie ein Dirigent mit einem Orchester beherrschen . In meiner Jugend war ich sehr damit beschäftigt, den Goldenen Schnitt zu verwenden, und er würde vorgeben, wie ich meine Bilder und Bilder aufbauen würde, und wenn es nicht passte oder funktionierte, ohne dass ich sehr viel ändern musste, dann ging ich weiter und lehnte es ab das als Thema. Jetzt bin ich viel weniger restriktiv und werde mich von meiner Intuition und Erfahrung leiten lassen.

"Blanke Knochen"

Die meisten meiner ausgestellten Gemälde werden im Atelier bearbeitet, da die meisten meiner vor Ort angefertigten Skizzen und Zeichnungen von mir ausschließlich als Trägermaterial und nicht für den Konsum durch den Betrachter betrachtet werden. Ich arbeite oft mit einem aufgeschlagenen Skizzenbuch auf einem Tisch im Atelier, wo ich Ideen, Gedanken, Kompositionsstudien und sogar Farben austauschen kann, während ich an einem Gemälde arbeite. Das bedeutet normalerweise, dass meine Skizzenbücher ein Konglomerat aus Bildern und Schriften ohne offensichtlichen Sinn für Struktur sind, aber das ist in Ordnung, da sie wiederum nicht für irgendjemanden außer mir selbst sind, um mir zu helfen, visuelle Probleme zu lösen und Ideen festzuhalten.

„Farbe der Zeit“

Im Studio verwende ich hauptsächlich Farben von DANIEL SMITH. Meine Erfahrung mit ihren Farben deutet darauf hin, dass sie eine hohe Pigmentierung und gute Lichtechtheit haben und viele Farben haben, die von anderen Herstellern nicht erreicht werden. Meine Palette kann ziemlich groß und vielfältig sein, aber es gibt eine Kernauswahl an Farben, die ich oft verwende. Preußischblau und Van-Dyck-Braun, um Schwarz zu erzeugen, blasses Cerulean-Blau und transparentes Pyrrol-Orange werden oft am Anfang jedes Gemäldes verwendet, während ich die Form festlege. Ich verwende auch eine Vielzahl verschiedener Blau- und Brauntöne, Olivgrün und Kobaltgrünblau, Bio-Zinnoberrot, Sienna und Indischgelb gehören ebenfalls zu meinen beliebtesten Farben und natürlich Chinesisches Weiß, um eine Auswahl an Tönungen herzustellen.

Meine DANIEL SMITH Aquarell-Punktkarten enthalten eine kleine Auswahl an Must-Have-Farben aus meiner Palette. Sie enthalten Farben, auf die ich nicht verzichten könnte und bestehen in der Regel aus Farben, die aufgrund ihrer Intensität und Pigmentstärke aus einer Grundfarbpalette schwer zu reproduzieren sind. Die neueste Farbe im DANIEL SMITH-Sortiment ist Lavendel und es ist eine Farbe, die ich sicherlich in den meisten, wenn nicht allen meinen Gemälden verwende. Kobaltblaugrün und Manganblauer Farbton sind ebenfalls unverzichtbare und fast immer verwendete Farben.

habe ich auch vor kurzem benutzt DANIEL SMITH Aquarellstifte, Diese haben sich als unverzichtbar erwiesen, besonders beim Training im Feld, da sie solide, kräftige Farben über dunkleren Aquarellfarben auftragen können. Ich verwende die Aquarellstifte nach Bedarf, aber sie werden lebendig, wenn Sie auf einer feuchten Oberfläche arbeiten oder einer gezeichneten Linie Wasser hinzufügen. Ich nutze besonders gerne die Pyrrol-Orange, Organisches Zinnoberrot, Dauergrünes Licht und Kobaltblaugrün wenn sie „trocken“ sind, da sie eine schöne Intensität haben. Kobaltblau, Pyrrol Rot und Wismutvanadat Gelb sind sehr stark, wenn Wasser hinzugefügt wird, und ich mag die Tatsache, dass ich die verwenden kann Titanweiß und Poliertes Titan über den dunklen Farben. All dies trägt zu einer breiteren Palette von Aquarelltechniken bei und hilft bei der Entwicklung der künstlerischen Erfahrung.

Ich benutze auch Farbstifte, und obwohl ich sie jetzt nicht mehr oft verwende, habe ich sie in der Vergangenheit über Aquarellfarben verwendet, um die Farben zu verstärken und beim Zeichnen zu helfen. Das ist einer der vielen Gründe, warum ich gerne mit Aquarellfarben arbeite; es ist sauber, riecht nicht, trocknet sehr schnell, ist leicht und einfach zu tragen, und ich kann es leicht modifizieren, indem ich darauf zeichne, zurückreibe und wegspüle, aber das alles hängt von einer guten, starken Grundlage ab.

Wie bei meiner Farbe habe ich mit verschiedenen Oberflächen experimentiert, auf denen ich arbeiten kann. Dies hat mich dazu veranlasst, sogar mit Collagen zu experimentieren, indem ich mit handgeschöpften Papieren verschiedene Oberflächenstrukturen erschaffe, die dann mit Wasserfarben bearbeitet werden. Ich fand das eine sehr interessante Arbeitsweise, aber es hat seine Probleme, besonders wenn verschiedene Papiergewichte mehr oder weniger absorbieren als das Nachbarpapier und so einige Bereiche des Gemäldes länger zum Trocknen brauchen als andere.

Der Träger für Aquarellfarben ist traditionell Papier und spezielles Aquarellpapier mit 100%-Baumwolle, das speziell säurefrei ist, bedeutet, dass die Chancen auf Langlebigkeit jetzt sehr hoch sind. Solange die Aquarellfarben von guter Qualität sind und bei relativ niedrigen Lichtverhältnissen von etwa 50 Lux oder weniger gehalten werden, halten die Gemälde Jahrhunderte, wie die Aquarelle von Albrecht Dürer zeigen.

Ich persönlich verwende aus mehreren Gründen überwiegend handgeschöpfte Papiere; Ich finde jedes Stück Papier einzigartig, die Hand und das Können des Papiermachers sind grundlegend für den Prozess der Herstellung eines Blattes Aquarellpapier, ein Kunstwerk für sich. Daher können einige Stücke eine unregelmäßige Form haben, einen Büttenrand haben, den ich liebe, und sie können unter- oder überdimensioniert sein. All dies trägt zu einem einzigartigen Erlebnis bei, und die Kunst des Malers besteht darin, alle Inkonsistenzen zu bewältigen und ein Kunstwerk zu produzieren des Papiers würdig.

"Teepause"

„Belebte Ecke“

Ich arbeite seit über 30 Jahren mit hochwertigem Aquarellpapier, aber es ist ein relativ neues Phänomen für mich, mit handgeschöpftem Papier zu arbeiten, das im Papierherstellungsmuseum in Fabriano – Museo della Carta e della Filigrana – hergestellt wird. Ich verwende lieber „Rough“, was eine Bezeichnung für eine unregelmäßige, holprige Oberfläche ist, als das glatte „Not“ (rau), das Sie immer noch bekommen können, je nachdem, auf welchen Wollfilz das Papier ursprünglich gelegt wurde. Ich mag die rauere Oberfläche, weil sie mir bei der Schaffung vielfältiger Texturen in meinen Bildern hilft. Ich habe auch indisches handgeschöpftes Papier verwendet, das etwas gelber sein kann als italienisches Papier und mehr gewölbt aussieht, aber die Oberfläche ist auch sehr schön zu bearbeiten. Natürlich gibt es viele verschiedene Unternehmen und damit viele Variationen und Papierarten, und es kommt normalerweise auf individuelle Vorlieben an, die zufällig zu den von mir verwendeten Themen und meiner Arbeitsweise passen.

Für mich ist ein guter Pinsel von unschätzbarem Wert, aber ich verwende viele verschiedene Arten und Sorten von Pinseln, je nachdem, was ich tun möchte – einige sind sehr teuer, andere sind billige Hobbypinsel. Ich verwende große 1- bis 2-Zoll-Waschbürsten für große Flächen mit flachen Waschungen, einschließlich Himmel, ich werde Wischkopfbürsten für kalligrafischere Markierungen verwenden. Ich verwende auch kleine ¼-Zoll-Synthetikpinsel mit einem Strich, um kleinere, breite Bereiche flacher Malerei wie dunkle Bereiche zu malen. Wenn diese ausreichend abgenutzt oder gespreizt sind, werden sie dann eingezogen, um zum Tupfen, Trockenbürsten und Spritzen verwendet zu werden. Ich verwende „Rundungen“, um mit der Spitze und den Seiten zu zeichnen und Farbe aufzutragen, Rigger für feine Linien; synthetische Bürsten, weil sie strapazierfähig sind, aber Zobel, weil sie viel Wasser halten. Ich finde besonders Pinsel mit kleinen Griffen einfacher zu verwenden, da ich sie besser kontrollieren kann, Hobbypinsel bieten diese Kontrollierbarkeit, aber die Haare entsprechen nicht ganz der Qualität, die ich normalerweise erwarten würde. Ich verwende auch eine Reihe verschiedener Werkzeuge, um Markierungen zu erstellen, die mir bei meinen Bildern helfen. Schwämme, zerknülltes Papier, Seidenpapier, Plastikfolie, Salz, Pflanzensprays und gelegentlich Luftpinsel stehen mir zur Verfügung und ich werde sie verwenden, wenn es angebracht ist.

Ich versuche, meine Wasserfarben und Pinsel zu handhaben und zu schikanieren, um ohne die obligatorischen tausend Worte die Pracht zu beschreiben, die ich im Gewöhnlichen finde. Ich habe viele Möglichkeiten gefunden, die Farbe nach meinem Willen zu biegen, damit sie das Thema angemessen würdigt, und mit der Zeit bin ich geschickter darin geworden, Motive zu finden, die mich voll und ganz testen. Ich hoffe, dass Sie sich nach dem Betrachten meiner Arbeit einen Moment Zeit nehmen, während Sie eine vertraute Straße entlanggehen, um die Pracht von allem um Sie herum zu betrachten und zu schätzen, eine erstaunliche Welt, die „in Plain Sight verborgen“ ist.