La interpretación de nuestro complejo mundo visible implica algo más que simples ojos inocentes; requiere un enfoque reflexivo y dirigido que va más allá de la mera copia. Un juicio estético sobre un objeto que no se consideraría bello en el sentido tradicional, exige que el espectador contemple una combinación de cualidades, como la forma, el color y la textura. Con la sensibilidad estética de un artista, persigo los objetos que me fascinan. Lo analizo todo mientras acecho mi tema como una presa, buscando el más mínimo atisbo de color o elegancia textural que sugiera un tema digno de ser representado. La luz con la que se exhiben estos objetos puede marcar la diferencia entre un examen más profundo y una simple mirada.
Una vez que mi mirada se posa en un tema que merece la pena explorar, dedicaré entre 5 minutos y 2 años a descubrir su potencial. La mayor parte de mi temática está ahí, a la vista de todos, ignorada, descuidada, condenada y, lo más importante para mí, invisible para los transeúntes. Caminamos por las calles mirando pero sin ver, visible pero invisible, permanece allí en silencio, pasivamente, sin ser considerada.
“Listos para la acción II”
“Crisis global”
Estos momentos de descubrimiento son raros y su revelación es como encontrar el Arca de la Alianza, pero no todos los descubrimientos pueden convertirse en tema de estudio. Es precisamente al esbozar in situ cuando el potencial de una idea puede revelarse por completo o, por el contrario, descartarse como un pensamiento fugaz. Para mí, el acto creativo es un proceso largo que comienza con bocetos rápidos que, a su vez, pueden convertirse en una obsesión que puede tardar muchos meses en resolverse.
La idea de la belleza en lo cotidiano no es un concepto nuevo, pero me impulsa a ayudar a aquellos que no han considerado el placer que se puede encontrar en una puerta vieja con su pintura descascarada y descolorida. Es madera desconchada o superficie oxidada que se erosiona lentamente con el tiempo y la intemperie. La piedra o el yeso ahora se asemejan a la superficie de la luna con sus texturas craterizadas y picadas y su color descolorido. ¿Alguna vez has notado las manchas de óxido de una reja de hierro que rodea una ventana antigua como un ángel llorón? Es un hermoso pigmento de óxido de hierro que tiñe la superficie inferior sin que a nadie le importe ni siquiera lo note.
Mi proceso pictórico es variado y a veces bastante largo, pero intento, en la medida de lo posible, que sea interesante y no repetitivo, ya que no hay nada peor que la rutina o el aburrimiento para matar la inspiración. Mis temas son muy variados: desde un camión en una esquina hasta un peatón que pasa junto a un hermoso muro, pasando por una vieja puerta desgastada y descolorida. La mayoría de mis imágenes e ideas provienen de mis viajes. Para mí, lo que realmente me emociona es la adrenalina que siento al descubrir lugares nuevos e interesantes, explorar calles desconocidas, conocer gente nueva y la sorpresa que me llevo al doblar una esquina y encontrarme con una imagen que realmente me entusiasma.
“Selección natural”
Normalmente llevo conmigo un cuaderno de bocetos, acuarelas pequeñas, un par de pinceles y lápices (de colores y de grafito) y una cámara. Todo depende del tiempo y la situación. Si tengo prisa, simplemente tomo algunas fotos con mi cámara. Si tengo tiempo, hago un dibujo rápido, pero si el tema es uno que definitivamente reutilizaré más adelante, entonces invierto algo de tiempo y hago una pequeña pintura en el lugar. Realmente depende de lo que busco en la imagen. ¿Es solo un estudio rápido de composición o, como suele suceder, me inunda de inmediato un flujo de ideas y posibles composiciones sobre cómo abordar cualquier tema? Si la imagen me gusta mucho, vuelvo con frecuencia en diferentes momentos del día para ver cómo la luz del sol afecta al sujeto, ya que las sombras y los colores pueden cambiar drásticamente con los elementos. Si aprovecho la oportunidad de trabajar en un tema interesante, me doy cuenta de que necesito trabajar muy rápido, ya que las formas de luz y sombra cambian muy rápidamente. Esa emoción inicial al ver una sombra por primera vez, proyectada por el sol, puede cambiar muy rápida y drásticamente, así que normalmente fotografío al sujeto continuamente mientras trabajo. Por lo tanto, tendré una selección de imágenes en diferentes etapas que me ayudan a comprender lo que estoy haciendo.
“Deformado”
Cuando finalmente regreso al estudio, recojo mis dibujos, pinturas y fotografías y los llevo al espacio de trabajo, junto con objetos encontrados; todo esto me ayuda a desarrollar mis acuarelas.. Con frecuencia, una pintura es la suma de diversos elementos que se combinan para producir una imagen final que puede o no haber existido. Existe un intento deliberado no solo de reproducir fielmente una superficie, una fotografía o un objeto, sino de reinterpretarlo de manera que dé como resultado una obra final impactante y, con suerte, muy singular.
Con el paso de los años, me he sentido atraído por temas muy similares, aunque intento tener una mentalidad abierta en cuanto a lo que pinto. Ciertamente no busco nada en particular, pero ciertos temas se repiten constantemente. Todo lo que tenga carácter, que parezca un poco inusual pero no forzado, me llama la atención. La composición es un elemento muy importante para mí y todo se considera antes de descartarlo. Intento no tener ideas preconcebidas sobre cómo deberían verse las cosas o cómo quiero que sean. En cambio, me guío por mi intuición sobre la composición. Soy bastante hábil para reconocer cómo la vista recorre una imagen o superficie, y suelo dominar esa parte del proceso compositivo como un director de orquesta. En mi juventud, estaba muy obsesionado con la proporción áurea, que predeterminaba cómo iba a organizar mis pinturas e imágenes. Si no encajaba o no funcionaba sin hacer grandes cambios, simplemente pasaba a otra cosa y la descartaba como tema. Ahora soy mucho menos restrictivo y me guío por mi intuición y experiencia.
“Esqueletos”
La mayoría de mis pinturas expuestas se elaboran en el estudio, al igual que la mayoría de mis bocetos y dibujos realizados in situ, que considero exclusivamente material de apoyo y no destinados al disfrute del espectador. Suelo trabajar con un cuaderno de bocetos abierto sobre una mesa en el estudio, donde puedo plasmar ideas, pensamientos, estudios de composición e incluso colores mientras pinto. Esto suele significar que mis cuadernos son un conglomerado de imágenes y anotaciones sin una estructura definida, pero no me importa, ya que, al fin y al cabo, solo los uso yo para resolver problemas visuales y plasmar ideas.
“El color del tiempo”
En el estudio utilizo principalmente pinturas de DANIEL SMITH. Mi experiencia con sus pinturas indica que tienen una alta pigmentación y buena resistencia a la luz, además de una amplia gama de colores inigualable por otros fabricantes. Mi paleta puede ser bastante extensa y variada, pero hay una selección básica de colores que uso con frecuencia. El azul de Prusia y el marrón Van Dyck para crear el negro, el azul cerúleo pálido y el naranja pirrol transparente se utilizan a menudo al inicio de cada cuadro mientras defino la forma. También utilizo una variedad de azules y marrones diferentes, el verde oliva y el azul cobalto, el bermellón orgánico, las sienas y el amarillo indio se encuentran entre mis colores más populares y, por supuesto, el blanco chino para producir una selección de tonalidades.
Mis tarjetas de acuarela DANIEL SMITH contienen una pequeña selección de pinturas imprescindibles de mi paleta. Contienen colores sin los que no podría vivir y suelen estar compuestos de colores difíciles de reproducir a partir de una gama de colores básica debido a su intensidad y fuerza de pigmento. El último color de la gama DANIEL SMITH es Lavanda Y es un color que sin duda utilizo en la mayoría, si no en todas, mis pinturas. Azul verdoso cobalto y Tonalidad azul manganeso También son colores imprescindibles y casi siempre utilizados.
También he usado recientemente Barras de acuarela de Daniel Smith, Estas herramientas han demostrado ser indispensables, especialmente al trabajar sobre el terreno, ya que permiten aplicar colores sólidos e intensos sobre lavados de acuarela más oscuros. Utilizo las barras de acuarela cuando las necesito, pero cobran vida cuando se trabaja sobre una superficie húmeda o se añade agua a una línea dibujada. Me gusta especialmente usar las Naranja de pirrol, Bermellón orgánico, Luz verde permanente y Azul verdoso cobalto cuando están "secas" tienen una hermosa intensidad. Azul de cobalto, Rojo de pirrol y Amarillo de vanadato de bismuto son muy fuertes cuando se les añade agua, y me gusta el hecho de que puedo usar el Blanco titanio y Titanio pulido sobre colores oscuros. Todo ello contribuye a una gama más amplia de técnicas de acuarela y ayuda al desarrollo de la experiencia artística.
También utilizo lápices de colores y, aunque ahora no los uso mucho, en el pasado los usaba sobre aguadas de acuarela para realzar los colores y para ayudarme con el dibujo. Esta es una de las muchas razones por las que disfruto trabajando con acuarelas: son limpias, no huelen, se secan muy rápido, son ligeras y fáciles de transportar, y puedo modificarlas fácilmente dibujando encima, frotando y lavando, pero todo esto depende de una buena base sólida.
Al igual que con mi pintura, he experimentado con diferentes superficies sobre las que trabajar. Esto me ha llevado incluso a experimentar con el collage, utilizando papeles hechos a mano para crear diferentes texturas superficiales que luego trabajaré con acuarela. Me ha parecido una forma de trabajar muy interesante, pero tiene sus inconvenientes, sobre todo cuando los distintos gramajes de papel absorben más o menos que los adyacentes, por lo que algunas zonas de la pintura pueden tardar más en secarse que otras.
El soporte para la acuarela es tradicionalmente el papel, y el papel especial para acuarela fabricado con algodón 100%, que es específicamente libre de ácido, significa que las posibilidades de una mayor durabilidad son ahora muy altas. Siempre que las acuarelas sean de buena calidad y se conserven con niveles de luz bastante bajos, de alrededor de 50 lux o menos, las pinturas durarán siglos, como puede verse en las acuarelas de Albrecht Dürer.
Personalmente, utilizo principalmente papeles hechos a mano por varias razones: considero que cada hoja es única, y la destreza del artesano es fundamental en el proceso de elaboración de una hoja de papel para acuarela, una obra de arte en sí misma. Por ello, algunas piezas pueden tener formas irregulares, presentar bordes dentados, algo que me encanta, y ser de tamaño inferior o superior al deseado. Todo esto contribuye a una experiencia única, y la habilidad del pintor reside en gestionar todas estas inconsistencias y producir una obra de arte digna del papel.
“Pausa para el té”
“Rincón concurrido”
Llevo más de 30 años utilizando papel de acuarela de alta calidad para trabajar, pero para mí ha sido un fenómeno relativamente reciente trabajar con el papel hecho a mano producido en el museo de la fabricación de papel de Fabriano: el Museo della Carta e della Filigrana. Prefiero usar el término "rugoso", que se refiere a una superficie irregular y con protuberancias, en lugar del término "no rugoso", que también puede resultar en una superficie lisa dependiendo del fieltro de lana sobre el que se coloca el papel. Me gusta la superficie rugosa porque me ayuda a crear texturas diversas en mis pinturas. También he usado papel indio hecho a mano, que puede ser ligeramente más amarillento que el papel italiano y tener una apariencia más ondulada, pero su superficie también es muy agradable para trabajar. Por supuesto, existen muchas empresas diferentes y, por lo tanto, muchas variaciones y tipos de papel, y generalmente todo se reduce a una preferencia personal; simplemente, estos papeles se adaptan al tema que utilizo y a mi forma de trabajar.
Para mí, un buen pincel es invaluable, pero uso muchos tipos y variedades diferentes de pinceles dependiendo de lo que quiera hacer; algunos son muy caros y otros son pinceles baratos para aficionados. Usaré pinceles grandes de 2,5 a 5 cm para grandes áreas de aguadas planas, incluyendo cielos, y pinceles de cabeza de mopa para trazos más caligráficos. También uso pinceles sintéticos pequeños de 6 mm para pintar áreas planas más pequeñas y amplias, como zonas oscuras. Cuando estos se desgastan o se abren lo suficiente, los recupero para usarlos en punteado, pincel seco y salpicaduras. Uso pinceles redondos para dibujar y aplicar pintura usando la punta y los lados, pinceles de precisión para líneas finas; pinceles sintéticos porque son resistentes, pero de pelo de marta porque retienen mucha agua. En particular, encuentro que los pinceles de mango pequeño son más fáciles de usar, ya que puedo controlarlos mejor; los pinceles de modelismo ofrecen ese control, pero las cerdas no alcanzan la calidad que normalmente esperaría. También empleo varias herramientas diferentes para crear marcas que me ayudan en mis pinturas. Tengo a mi disposición esponjas, papel arrugado, papel de seda, film plástico, sal, aerosoles para plantas y, ocasionalmente, aerógrafos, y los usaré si es apropiado.
Intento dominar y maltratar mis acuarelas y pinceles para describir, sin las obligatorias mil palabras, el esplendor que encuentro en lo ordinario. He encontrado muchas maneras de moldear la pintura a mi antojo para que honre el tema de forma apropiada y, con el tiempo, me he vuelto más hábil para encontrar temas que me desafíen al máximo. Espero que, después de ver mi obra, al caminar por una calle conocida, se tomen un momento para contemplar y apreciar la magnificencia de todo lo que les rodea, un mundo asombroso “oculto a plena vista”.
