Die Interpretation unserer komplexen sichtbaren Welt erfordert mehr als nur unschuldige Augen; sie verlangt eine durchdachte und zielgerichtete Herangehensweise, die weit über bloßes Kopieren hinausgeht. Die ästhetische Beurteilung eines Objekts, das im herkömmlichen Sinne nicht als schön gilt, erfordert vom Betrachter die Betrachtung einer Kombination von Eigenschaften, darunter Form, Farbe und Gestalt. Mit dem ästhetischen Empfinden eines Künstlers gehe ich den Objekten meiner Faszination nach. Ich betrachte alles, während ich mein Sujet wie ein Beutetier anpirsche und nach dem kleinsten Hauch von Farbe oder texturierter Eleganz suche, der ein würdiges Motiv für die Darstellung nahelegt. Das Licht, in dem diese Objekte erscheinen, kann den Unterschied zwischen eingehender Untersuchung und Befragung oder einem bloßen flüchtigen Blick ausmachen.
Sobald ich auf ein Thema gestoßen bin, das es wert ist, dass ich mir Zeit dafür nehme, widme ich mich zwischen 5 Minuten und 2 Jahren der Erforschung seines Potenzials. Der Großteil meines Themas liegt offen da, ignoriert, vernachlässigt, verurteilt und – was für mich am wichtigsten ist – von Passanten übersehen. Wir gehen durch die Straßen, schauen, aber sehen nicht, sichtbar und doch unsichtbar; es liegt still da, passiv unbeachtet.
“Locked & Loaded II”
“Globale Krise”
Diese Momente der Entdeckung sind selten und ihre Offenbarung vergleichbar mit dem Auffinden der Bundeslade, aber nicht jede Entdeckung kann zum Gegenstand einer Veröffentlichung werden. Beim Skizzieren vor Ort kann sich das volle Potenzial einer Idee offenbaren oder sie wird als flüchtiger Gedanke verworfen. Der Schöpfungsprozess ist für mich ein langer Vorgang, der mit einigen sehr schnellen Skizzen beginnt, die wiederum zu einer Obsession werden können, deren Auflösung viele Monate in Anspruch nehmen kann.
Die Idee, Schönheit im Alltäglichen zu entdecken, ist kein neues Konzept, aber sie treibt mich an, diejenigen aufzuklären, die noch nicht erkannt haben, welch ein Vergnügen eine alte Tür mit abblätternder, verblasster Farbe bereithält. Es ist abgeplatztes Holz oder eine rostige Oberfläche, die langsam durch Zeit und Witterungseinflüsse zerfällt. Das Stein- oder Putzwerk, das mit seinen Kratern, Poren und verblassten Farben nun an die Mondoberfläche erinnert. Haben Sie jemals die Rostflecken eines Eisengitters bemerkt, das ein altes Fenster wie einen weinenden Engel umgibt? Es ist wunderschönes Eisenoxidpigment, das die darunterliegende Oberfläche färbt, ohne dass es jemand bemerkt oder sich darum kümmert.
Mein Malprozess ist abwechslungsreich und manchmal recht langwierig, aber ich versuche, ihn so oft wie möglich interessant und abwechslungsreich zu gestalten, denn nichts ist schlimmer als Routine oder Langeweile, um die Inspiration zu ersticken. Meine Motive sind sehr vielfältig und reichen von einem LKW an einer Straßenecke über einen Fußgänger vor einer schönen Mauer bis hin zu einer alten, verwitterten Tür. Die meisten meiner Bilder und Ideen stammen von meinen Reisen. Mich fasziniert der Nervenkitzel, neue und interessante Orte zu entdecken, unbekannte Straßen und neue Gesichter zu erkunden und die Überraschung zu erleben, wenn man um eine Ecke biegt und ein Anblick vor sich hat, der einen wirklich begeistert.
“Natürliche Auslese”
Normalerweise habe ich einen Skizzenblock, kleine Wasserfarben, ein paar Pinsel und Stifte (Farb- und Graphitstifte) und eine Kamera dabei. Alles hängt von Zeit und Situation ab. Wenn ich es eilig habe, mache ich vielleicht nur ein paar Fotos mit meiner Kamera. Habe ich Zeit, fertige ich eine schnelle Skizze an. Ist das Motiv aber definitiv eines, das ich später wiederverwenden werde, investiere ich etwas Zeit und male vor Ort ein kleines Bild. Es kommt ganz darauf an, was ich von dem Bild erwarte. Geht es mir nur um eine schnelle Kompositionsstudie oder – wie es oft vorkommt – sprudeln die Ideen und möglichen Kompositionen nur so aus mir heraus, wie ich das jeweilige Motiv angehen kann? Gefällt mir das Bild besonders gut, kehre ich im Laufe des Tages immer wieder zurück, um zu sehen, wie das Sonnenlicht das Motiv beeinflusst, da sich Schatten und Farben durch die Elemente stark verändern können. Wenn ich die Gelegenheit nutze, an einem interessanten Motiv zu arbeiten, muss ich sehr schnell arbeiten, da sich Licht und Schatten sehr schnell verändern. Die anfängliche Begeisterung, wenn man zum ersten Mal einen Schatten sieht, der von der Sonne geworfen wird, kann sich sehr schnell und dramatisch verändern. Deshalb fotografiere ich das Motiv normalerweise kontinuierlich, während ich arbeite. So habe ich eine Auswahl an Bildern in verschiedenen Stadien, die mir helfen, meine Vorgehensweise zu dokumentieren.
“Gebogen oder von der Form”
Wenn ich schließlich ins Atelier zurückkehre, sammle ich meine Zeichnungen, Gemälde und Fotografien und bringe sie zusammen mit Fundstücken in den Arbeitsbereich; gemeinsam helfen sie mir, meine Aquarelle weiterzuentwickeln.. Oftmals ist ein Gemälde die Summe verschiedener Elemente, die zusammen ein endgültiges Bild ergeben, das möglicherweise nie existiert hat. Es wird bewusst versucht, eine Oberfläche, ein Foto oder ein Objekt nicht einfach nur getreu wiederzugeben, sondern es so neu zu interpretieren, dass ein ausdrucksstarkes und idealerweise einzigartiges Werk entsteht.
Über die Jahre hinweg fühle ich mich tendenziell zu sehr ähnlichen Themen hingezogen, obwohl ich versuche, bei dem, was ich male, aufgeschlossen zu sein. Ich suche zwar nicht gezielt nach etwas Bestimmtem, aber gewisse Themen tauchen immer wieder auf. Alles, was Charakter hat, etwas Ungewöhnliches, aber nicht Gekünsteltes an sich hat, zieht meine Aufmerksamkeit auf sich. Komposition ist mir sehr wichtig, und alles wird sorgfältig abgewogen, bevor ich es verwerfe. Ich versuche, keine vorgefassten Meinungen darüber zu haben, wie die Dinge aussehen sollen oder wie ich sie haben möchte. Stattdessen verlasse ich mich auf mein Bauchgefühl, was die Komposition betrifft. Ich bin recht gut darin, zu erkennen, wie der Blick über ein Bild oder eine Oberfläche wandert, und kann diesen Teil des Kompositionsprozesses meist wie ein Dirigent sein Orchester steuern. In meiner Jugend habe ich mich sehr stark mit dem Goldenen Schnitt beschäftigt. Er bestimmte maßgeblich, wie ich meine Gemälde und Bildmotive anordnete. Wenn etwas nicht passte oder ohne größere Änderungen nicht funktionierte, verwarf ich es als Thema. Heute bin ich viel weniger restriktiv und lasse mich von meiner Intuition und Erfahrung leiten.
“Das Nötigste”
Die meisten meiner ausgestellten Gemälde entstehen im Atelier, da die meisten meiner vor Ort angefertigten Skizzen und Zeichnungen von mir ausschließlich als Begleitmaterial und nicht für den Konsum durch den Betrachter betrachtet werden. Ich arbeite oft mit einem Skizzenbuch auf dem Tisch im Atelier, wo ich Ideen, Gedanken, Kompositionsstudien und sogar Farben festhalten kann, während ich an einem Gemälde arbeite. Das bedeutet meist, dass meine Skizzenbücher ein Sammelsurium von Bildern und Notizen ohne erkennbare Struktur sind, aber das ist in Ordnung, da sie ja nur für mich selbst bestimmt sind und mir helfen sollen, visuelle Probleme zu lösen und Ideen zu visualisieren.
“Farbe der Zeit”
Im Atelier verwende ich hauptsächlich Farben von DANIEL SMITH. Meine Erfahrung mit ihren Farben zeigt, dass sie hochpigmentiert und lichtecht sind und eine Farbvielfalt bieten, die von anderen Herstellern nicht erreicht wird. Meine Palette ist oft sehr groß und vielfältig, aber es gibt eine Grundauswahl an Farben, die ich häufig verwende. Preußischblau und Van-Dyck-Braun für Schwarz, helles Ceruleanblau und transparentes Pyrrolorange kommen oft zu Beginn jedes Gemäldes zum Einsatz, um die Form festzulegen. Ich verwende auch verschiedene Blau- und Brauntöne, Olivgrün und Kobaltblaugrün, organisches Zinnoberrot, Siena und Indischgelb gehören ebenfalls zu meinen beliebtesten Farben, und natürlich Chinesischweiß für verschiedene Farbtöne.
Meine DANIEL SMITH Watercolor Dot Cards enthalten eine kleine Auswahl an unverzichtbaren Farben aus meiner Palette. Sie enthalten Farben, auf die ich nicht verzichten könnte, und bestehen in der Regel aus Farben, die aufgrund ihrer Intensität und Pigmentstärke mit einer Basisfarbpalette nur schwer zu reproduzieren sind. Die neueste Farbe der DANIEL SMITH-Reihe ist Lavendel Und es ist eine Farbe, die ich in den meisten, wenn nicht sogar allen meinen Gemälden verwende. Kobaltblau Und Manganblauer Farbton sind ebenfalls unverzichtbar und werden fast immer verwendet.
Ich habe kürzlich auch verwendet DANIEL SMITH Aquarellstifte, Diese haben sich insbesondere bei Arbeiten im Freien als unverzichtbar erwiesen, da sie solide, kräftige Farben über dunklere Aquarelllasuren auftragen können. Ich benutze die Aquarellstifte nach Bedarf, aber sie entfalten ihre volle Wirkung erst richtig, wenn man auf einer feuchten Oberfläche arbeitet oder Wasser auf eine gezeichnete Linie gibt. Besonders gerne verwende ich die Pyrrolorange, Bio-Zinnober, Dauerhaftes grünes Licht Und Kobaltblau Wenn sie “trocken” sind, besitzen sie eine wunderschöne Intensität. Kobaltblau, Pyrrolrot Und Bismutvanadatgelb Sie sind sehr stark, wenn Wasser hinzugefügt wird, und mir gefällt die Tatsache, dass ich sie verwenden kann. Titanweiß Und Poliertes Titan über dunklen Farben. All das trägt zu einem breiteren Spektrum an Aquarelltechniken bei und fördert die Entwicklung der künstlerischen Erfahrung.
Ich benutze auch Farbstifte, und obwohl ich sie jetzt nicht mehr so oft verwende, habe ich sie in der Vergangenheit über Aquarellfarben aufgetragen, um die Farben zu verstärken und das Zeichnen zu erleichtern. Dies ist einer der vielen Gründe, warum ich so gerne mit Aquarellfarben arbeite; sie sind sauber, riechen nicht, trocknen sehr schnell, sind leicht und einfach zu transportieren und ich kann sie leicht verändern, indem ich darüber zeichne, wieder abreibe und abwasche, aber all das setzt eine gute, solide Grundlage voraus.
Wie auch bei meinen Gemälden habe ich mit verschiedenen Oberflächen experimentiert, auf denen ich arbeiten kann. Dies hat mich sogar dazu angeregt, mit Collagen auf handgeschöpftem Papier zu experimentieren, um unterschiedliche Oberflächenstrukturen zu erzeugen, die anschließend mit Aquarellfarben bearbeitet werden. Ich finde diese Arbeitsweise sehr interessant, sie birgt aber auch ihre Tücken, insbesondere wenn Papiere unterschiedlicher Stärke mehr oder weniger Wasser aufnehmen als benachbarte Papiere, sodass manche Bereiche des Bildes länger zum Trocknen brauchen als andere.
Als Malgrund für Aquarelle dient traditionell Papier, und spezielles Aquarellpapier aus 100%-Baumwolle, das ausdrücklich säurefrei ist, sorgt heutzutage für eine sehr hohe Langlebigkeit. Sofern die Aquarellfarben von guter Qualität sind und bei relativ schwachem Licht von etwa 50 Lux oder weniger gelagert werden, halten die Gemälde Jahrhunderte, wie man an den Aquarellen von Albrecht Dürer sehen kann.
Ich persönlich verwende aus verschiedenen Gründen überwiegend handgeschöpftes Papier; ich finde jedes Stück Papier einzigartig, die Hand und das Geschick des Papiermachers sind grundlegend für den Prozess der Herstellung eines Blattes Aquarellpapier, das an sich schon ein Kunstwerk ist. Daher können manche Stücke eine unregelmäßige Form haben, einen Büttenrand aufweisen, den ich liebe, und unter- oder übergroß sein; all dies trägt zu einem einzigartigen Erlebnis bei, und die Kunst des Malers besteht darin, mit all diesen Unregelmäßigkeiten umzugehen und ein Kunstwerk zu schaffen, das des Papiers würdig ist.
“Teepause”
“Belebte Ecke”
Ich arbeite seit über 30 Jahren mit hochwertigem Aquarellpapier, aber es ist ein relativ neues Phänomen für mich, auf dem handgeschöpften Papier zu arbeiten, das im Papiermuseum in Fabriano - Museo della Carta e della Filigrana - hergestellt wird. Ich bevorzuge “raues” Papier, das eine unregelmäßige, unebene Oberfläche beschreibt, gegenüber dem glatten ”nicht rauen”, das je nach dem Wollfilz, auf dem das Papier ursprünglich aufgezogen ist, ebenfalls vorkommen kann. Mir gefällt die rauere Oberfläche, weil sie mir hilft, vielfältige Texturen in meinen Gemälden zu erzeugen. Ich habe auch indisches handgeschöpftes Papier verwendet, das etwas gelblicher und welliger als italienisches Papier sein kann, sich aber ebenfalls sehr gut bearbeiten lässt. Natürlich gibt es viele verschiedene Hersteller und somit auch viele Varianten und Arten von Papier, und letztendlich ist es meist eine Frage des persönlichen Geschmacks. Diese Papiere passen einfach am besten zu meinen Motiven und meiner Arbeitsweise.
Für mich ist ein guter Pinsel unschätzbar wertvoll, aber ich verwende viele verschiedene Arten und Varianten von Pinseln, je nachdem, was ich machen möchte – manche sind sehr teuer, andere sind billige Hobbypinsel. Für großflächige, flächige Farbaufträge, wie zum Beispiel für den Himmel, verwende ich große, 2,5 bis 5 cm breite Waschpinsel. Für kalligrafische Striche greife ich zu Mop-Head-Pinseln. Kleine, 6 mm breite Synthetikpinsel verwende ich für kleinere, flächige Farbaufträge, etwa für dunkle Bereiche. Sind diese Pinsel abgenutzt oder ausgefranst, kommen sie zum Einsatz für Tupfen, Trockenmalen und Spritzen. Rundpinsel verwende ich zum Zeichnen und Auftragen der Farbe mit Spitze und Seiten, Riggerpinsel für feine Linien. Synthetikpinsel sind strapazierfähig, Zobelhaarpinsel hingegen speichern viel Wasser. Besonders gut lassen sich Pinsel mit kleinem Griff handhaben, da sie sich besser kontrollieren lassen. Hobbypinsel bieten zwar auch diese Kontrolle, aber die Borstenqualität entspricht nicht ganz meinen Erwartungen. Zusätzlich verwende ich verschiedene Werkzeuge, um Striche zu erzeugen, die mir beim Malen helfen. Schwämme, zerknülltes Papier, Seidenpapier, Plastikfolie, Salz, Pflanzensprays und gelegentlich auch Airbrush-Pistolen stehen mir alle zur Verfügung und ich werde sie einsetzen, wenn es angebracht ist.
Ich versuche, meine Wasserfarben und Pinsel grob anzufassen und zu zähmen, um ohne die obligatorischen tausend Worte die Pracht zu beschreiben, die ich im Alltäglichen finde. Ich habe viele Wege gefunden, die Farbe nach meinem Willen zu formen, um dem jeweiligen Sujet gerecht zu werden, und mit der Zeit bin ich immer geschickter darin geworden, Motive zu finden, die mich vollends herausfordern. Ich hoffe, dass Sie nach dem Betrachten meiner Werke einen Moment innehalten, während Sie durch eine Ihnen vertraute Straße gehen, um die Pracht Ihrer Umgebung zu bewundern – eine erstaunliche Welt, die “direkt vor unseren Augen verborgen” ist.
