複雑な目に見える世界を解釈するには、ただ無邪気な目で見るだけでは不十分であり、単なる模倣ではなく、思慮深く、方向性を持ったアプローチが必要となる。. 伝統的な意味では美しいとはみなされない対象物に対する美的判断は、形、色、形態といった様々な要素を総合的に考察することを必要とする。私は芸術家ならではの美的感覚で、魅了される対象物を追い求める。獲物を追うように対象物を追い詰め、表現に値する題材を示唆するわずかな色彩や質感の優美さを探し求めながら、あらゆるものを吟味する。対象物が照らされる光は、さらなる考察や探求へと繋がるか、あるいは単なる一瞥で終わるかの分かれ目となる。.
時間をかけて取り組む価値のあるテーマを見つけたら、その可能性を探るために5分から2年もの時間を費やすだろう。. 私の作品の題材のほとんどは、人目につく場所にありながら、無視され、軽視され、非難され、そして何よりも私にとって重要なのは、通行人の目に留まらないということです。私たちは街を歩きながら、見ているようで見ていない。見えるようで見えない。それは静かに、受動的に、誰にも顧みられることなく存在しているのです。.
“「ロックド＆ローデッドII」”
“「世界的な危機」”
こうした発見の瞬間は稀であり、その啓示は契約の箱の発見に匹敵するほどのものだが、すべての発見が研究対象になり得るわけではない。. 現場でスケッチをしている最中に、アイデアの真の可能性が明らかになることもあれば、一過性の思いつきとして捨て去られることもある。私にとって創造とは長いプロセスであり、それはごく短時間のスケッチから始まり、やがて何ヶ月もかけて解決するほどの執着へと発展することもある。.
日常の中に美しさを見出すという考え方は新しい概念ではないが、剥がれかけた色褪せたペンキの古い扉の中に潜む喜びを、これまで考えたこともなかった人々に知ってもらいたいという思いが、私の原動力となっている。. 欠けたり錆びたりした木の表面は、時間と風雨によってゆっくりと侵食されていきます。石や漆喰は、クレーターや窪みのある質感と色褪せた色合いで、まるで月の表面のようです。古い窓を囲む鉄格子から流れ出る錆びの染みが、まるで嘆き悲しむ天使のように見えることに気づいたことはありますか？誰も気に留めず、あるいは気づかないうちに、美しい酸化鉄の顔料が下の表面を染めているのです。.
私の絵画制作過程は多様で、時にはかなり時間がかかりますが、可能な限り面白く、単調にならないように心がけています。なぜなら、ルーティンや退屈ほどインスピレーションを奪うものはないからです。. 私の被写体も非常に多岐にわたり、街角のトラックから、美しい壁の前を通り過ぎる歩行者、古びて色褪せた扉まで様々です。私のイメージやアイデアのほとんどは旅から生まれており、私にとってそれは、新しく興味深い場所を見たり、未知の街を探検したり、新しい人々と出会ったりすることから得られる興奮、そして角を曲がった時に目の前に広がる光景に心を躍らせる驚きなのです。.
“「自然淘汰」”
普段はスケッチブック、小さな水彩絵の具、数本の筆と鉛筆（色鉛筆と黒鉛鉛筆）、そしてカメラを持ち歩いています。. すべては時間と状況によります。急いでいるときは、カメラで写真を撮るだけです。時間があれば、さっとスケッチをしますが、後で必ず再利用する被写体の場合は、少し時間をかけてその場で小さな絵を描きます。それは、私がその画像に何を求めているかによって大きく変わります。単なる構図の簡単な研究なのか、それともよくあることですが、与えられた被写体に取り組むためのアイデアや構図の可能性がすぐに湧き上がってくるのか。もしその画像が本当に気に入ったら、太陽光が被写体にどのような影響を与えるかを見るために、一日のさまざまな時間帯に何度も戻ってきます。影や色は、要素によって劇的に変化するからです。興味深い被写体に取り組む機会を得たときは、光と影の形が非常に速く変化するため、非常に速く作業する必要があることに気づきます。太陽によって生み出された影を初めて見たときの最初の興奮は、非常に速く劇的に変化する可能性があるため、私は通常、作業中は被写体を継続的に撮影します。そのため、さまざまな段階の画像のセレクションがあり、それが私が何をしているのかを知るのに役立ちます。.
“「形が歪んでいる」”
最終的にスタジオに戻ると、私は自分の描いた絵や写真を集め、拾ってきた物と一緒に作業場に持ち込みます。これらが合わさって、水彩画の制作を進めるのに役立ちます。. 絵画は多くの場合、様々な要素を組み合わせ、最終的に実在したかどうかに関わらず、あるイメージを生み出す総体である。表面、写真、あるいは物体を単に忠実に再現するのではなく、それを再解釈することで、力強く、そして願わくば非常にユニークな最終作品を生み出すという意図的な試みがなされている。.
長年にわたり、私は非常に似た題材に惹かれる傾向がありますが、描くものに関しては常に柔軟な考え方を心がけています。. 私は特に何かを探し求めているわけではありませんが、特定のテーマが繰り返し登場するのは確かです。個性があり、少し変わっているけれど作為的ではないものなら何でも私の目を引きます。構図は私にとって非常に重要な要素であり、あらゆることを検討してから脇に置きます。ここでも、物事がどのように見えるべきか、どうあるべきかについて、あらかじめ決められた考えを持たないように努めています。代わりに、構図について自分がどう感じるかについての直感を使います。私は絵や表面を視線がどのように移動するかを認識することにかなり長けており、通常はオーケストラの指揮者のように構図のプロセスをコントロールできます。若い頃は、黄金比を使うことに非常にこだわっており、それが絵画やイメージの配置をあらかじめ決定していました。もしそれが合わなかったり、大幅に変更しないとうまくいかなかったりする場合は、その題材を却下して次に進んでいました。今ははるかに制約が少なくなり、自分の直感と経験に従って進んでいます。.
“「最低限の条件」”
展示される私の絵画のほとんどはスタジオで制作されたものであり、現場で完成させたスケッチやデッサンは、私にとってはあくまで補助的な資料であり、鑑賞者のためのものではありません。. 私はよくスタジオのテーブルにスケッチブックを開いて作業します。そこでは、絵を描きながらアイデアや考え、構図の習作、さらには色彩までを自由に書き出すことができます。そのため、私のスケッチブックはたいてい、明確な構成のないイメージと文章の寄せ集めになっていますが、それはそれで構いません。なぜなら、それらはあくまで私自身のためであり、視覚的な問題を解決し、アイデアを捉えるためのものだからです。.
“「カラー・オブ・タイム」”
スタジオでは主にDANIEL SMITHの絵具を使用しています。彼らの絵具は顔料濃度が高く、耐光性にも優れ、他のメーカーにはない豊富な色揃えが魅力です。パレットはかなり広く、色も多岐にわたりますが、よく使う定番の色があります。プルシアンブルーとヴァンダイクブラウンで黒を作り、淡いセルリアンブルーとトランスペアレントピロールオレンジは、絵の具の形を整える最初の段階でよく使います。また、様々な青や茶色、オリーブグリーン、コバルトティールブルー、オーガニックバーミリオン、シエナ、インディアンイエローなどもよく使う色で、もちろん、様々な色合いを作るためにチャイニーズホワイトも欠かせません。.
私のDANIEL SMITH水彩ドットカードには、私のパレットから厳選した、欠かせない絵の具が少しだけ使われています。. それらには、私が欠かせない色が含まれており、通常は顔料の強度と強さから、基本色の範囲から再現するのが難しい色で構成されています。DANIEL SMITH シリーズの最新色は ラベンダー そしてそれは、私の絵画のほとんど、いや、おそらくすべてにおいて私が使用している色です。. コバルトティールブルー そして マンガンブルーの色合い それらは必須の色であり、ほぼ必ず使用される色でもあります。.
私も最近使用しました ダニエル・スミス 水彩スティック, これらは、特に野外での作業において不可欠な道具であることが証明されており、濃い水彩絵の具のウォッシュの上に、しっかりとした鮮やかな色を塗ることができる。. 水彩スティックは必要な時に使いますが、湿った表面に描いたり、描いた線に水を加えたりすると、生き生きとした表現ができます。特に気に入っているのは ピロールオレンジ, オーガニックバーミリオン, 永久グリーンライト そして コバルトティールブルー それらは「ドライ」な状態にあるとき、美しいほどの力強さを帯びる。. コバルトブルー, ピロールレッド そして ビスマスバナデートイエロー 水を加えると非常に強力になり、 チタンホワイト そして バフチタン 暗い色の上に重ねて描く。これらすべてが水彩画の技法の幅を広げ、芸術的な経験の発展に役立つ。.
私も色鉛筆を使いますが、今はあまり使っていません。以前は水彩絵の具の上から重ねて、色味を強めたり、描画を補助したりするために使っていました。. 私が水彩画を描くのが好きな理由の一つは、清潔で、臭いがなく、非常に速く乾き、軽くて持ち運びやすく、上から描き加えたり、こすったり、洗い流したりすることで簡単に修正できるからです。しかし、これらはすべてしっかりとした下地があってこそ成り立つものです。.
絵画制作と同様に、私も様々な素材を使って制作を試みました。. このことから、手漉き紙を使ったコラージュにも挑戦し、様々な表面の質感を作り出し、そこに水彩絵の具で色を重ねていくようになりました。これは非常に興味深い制作方法だと感じていますが、紙の厚さによって吸水性が異なるため、絵の一部が乾くのに時間がかかるなど、いくつかの問題点もあります。.
水彩画の支持体としては伝統的に紙が用いられてきましたが、100%コットンを使用した特殊な水彩紙は特に無酸性であるため、耐久性が非常に高いと言えます。. 水彩絵具の質が良く、50ルクス以下の比較的暗い場所に保管されていれば、アルブレヒト・デューラーの水彩画に見られるように、絵画は何世紀にもわたって保存される。.
私自身は、いくつかの理由から主に手漉き紙を使用しています。まず、紙一枚一枚が唯一無二のものであると感じるからです。また、水彩紙を作る過程において、紙職人の手と技術は不可欠であり、それ自体が芸術作品と言えるでしょう。. そのため、作品によっては形が不規則だったり、私が気に入っているギザギザの縁がついていたり、サイズが小さかったり大きかったりすることがあります。これらすべてが独特の体験を生み出し、画家の技量は、こうしたあらゆる不均一さをうまく処理し、紙にふさわしい作品を生み出すことにあります。.
“「ティーブレイク」”
“「賑やかな角」”
私は30年以上もの間、高品質の水彩紙を使って制作してきましたが、ファブリアーノの製紙博物館（Museo della Carta e della Filigrana）で生産されている手漉き紙を使うようになったのは、比較的最近のことです。. 私は、滑らかな「粗い」紙ではなく、凹凸のある不規則な表面の「粗い」紙を使うことを好みます。滑らかな「粗い」紙も、紙を最初に敷くウールフェルトの種類によっては入手できます。粗い表面の方が、絵画の中で多様な質感を生み出すのに役立つので気に入っています。また、イタリア製の紙よりもやや黄色みが強く、波打ったような見た目のインド製の手漉き紙も使ったことがありますが、こちらも非常に描きやすい表面です。もちろん、多くの会社があり、紙の種類やバリエーションも豊富で、最終的には個人の好みの問題になります。たまたま、私が扱う題材や制作方法に合う紙を選んでいるだけです。.
私にとって良い筆はかけがえのないものですが、何を描くかによって様々な種類やタイプの筆を使い分けています。中には非常に高価なものもあれば、安価な趣味用の筆もあります。. 空などの広い面を平塗りするには、1～2インチの大きなウォッシュブラシを使用し、カリグラフィーのような線を描くにはモップヘッドブラシを使用します。また、暗い部分などの小さな広い面を平塗りするには、1/4インチの小さなワンストローク合成ブラシを使用します。これらのブラシが十分に摩耗したり広がったりしたら、点描、ドライブラシ、スプラッターに使用します。描画と絵具の塗布には、先端と側面を使用する「ラウンド」ブラシを使用し、細い線にはリガーブラシを使用します。合成ブラシは耐久性があるため、セーブルブラシは多くの水を保持できるため使用します。特に、小さな柄のブラシはコントロールしやすいので使いやすいと感じています。ホビーブラシはコントロールしやすいですが、毛質は私が通常期待する品質には及びません。また、絵を描く際に役立つさまざまなツールも使用します。スポンジ、くしゃくしゃにした紙、ティッシュペーパー、プラスチックフィルム、塩、植物用スプレー、そして時折エアブラシなど、すべて手元にあり、必要に応じて使用します。.
私は水彩絵の具と筆を力ずくで操り、何千語もの言葉を使わずに、日常の中に見出す素晴らしさを表現しようと試みる。. 私は絵の具を自在に操り、題材にふさわしい表現を生み出す様々な方法を見出してきました。そして時を経るにつれ、自分を最大限に試す題材を見つける術を磨いてきました。私の作品をご覧になった後、見慣れた道を歩きながら、周囲のあらゆるものの素晴らしさをじっくりと味わい、その「目の前に隠された」驚くべき世界を堪能していただければ幸いです。.
