L'interprétation de notre monde visible complexe implique bien plus qu'un simple regard innocent ; elle requiert une approche réfléchie et ciblée qui exclut toute simple copie. Le jugement esthétique d'un objet qui ne serait pas considéré comme beau au sens traditionnel du terme exige du spectateur qu'il considère une combinaison de qualités, notamment sa forme, sa couleur et son volume. C'est avec la sensibilité esthétique d'un artiste que j'aborde les objets qui me fascinent. Je les observe attentivement, tel un traqueur, à l'affût du moindre détail de couleur ou d'élégance de texture qui suggérerait un sujet digne d'être représenté. La lumière qui les éclaire peut faire toute la différence entre un examen approfondi et une simple observation.
Une fois que mon regard s'est posé sur un thème qui mérite qu'on s'y attarde, je peux y consacrer entre 5 minutes et 2 ans pour en explorer le potentiel. L'essentiel de mon sujet est là, à la vue de tous, ignoré, négligé, condamné et, surtout pour moi, invisible aux passants. Nous arpentons les rues, regardant sans voir, visible sans être vus ; il demeure, silencieux, passif, indifférent.
“ Prêt à tirer II ”
“ Crise mondiale ”
Ces moments de découverte sont rares et leur révélation est comparable à la découverte de l'Arche d'Alliance, mais toutes les découvertes ne peuvent pas devenir un sujet d'étude. C’est parfois en esquissant sur le vif que le plein potentiel d’une idée se révèle ou qu’elle est reléguée au rang de simple pensée passagère. Pour moi, la création est un long processus qui débute par quelques croquis rapides, lesquels peuvent se transformer en une véritable obsession, nécessitant parfois des mois de réflexion.
L'idée de beauté dans le quotidien n'est pas un concept nouveau, mais elle me pousse à aider à éclairer ceux qui n'ont pas envisagé le plaisir que l'on peut trouver dans une vieille porte à la peinture écaillée et délavée. Sa surface en bois ébréchée ou rouillée s'érode lentement sous l'effet du temps et des intempéries. La pierre ou le plâtre, avec ses textures cratérisées et ses couleurs délavées, évoquent désormais la surface de la lune. Avez-vous déjà remarqué les taches de rouille d'une grille en fer entourant une vieille fenêtre, telles les larmes d'un ange ? C'est un magnifique pigment d'oxyde de fer qui colore la surface en dessous, sans que personne ne s'en soucie, ni même ne le remarque.
Mon processus de peinture est varié et parfois assez long, mais j'essaie autant que possible de le rendre intéressant et non répétitif, car il n'y a rien de pire que la routine ou l'ennui pour tuer l'inspiration. Mes sujets sont très variés : un camion à un coin de rue, un piéton passant devant un beau mur, une vieille porte patinée par le temps. La plupart de mes images et de mes idées me viennent de mes voyages. Ce qui me passionne, c’est l’excitation de découvrir des lieux nouveaux et intéressants, d’explorer des rues inconnues, de rencontrer de nouveaux visages, et la surprise qui vous saisit au détour d’une rue, lorsqu’une image saisissante vous saisit.
“ Sélection naturelle ”
Normalement, j'emporte avec moi un carnet de croquis, des petites aquarelles, quelques pinceaux et crayons (de couleur et graphite) et un appareil photo. Tout dépend du temps et des circonstances. Si je suis pressé, je prends simplement quelques photos. Si j'ai le temps, je fais un croquis rapide. Mais si le sujet est destiné à être réutilisé plus tard, je prends le temps de réaliser une petite peinture sur le motif. Cela dépend vraiment de ce que je recherche dans l'image. S'agit-il d'une simple étude de composition ou, comme c'est souvent le cas, d'une avalanche d'idées et de compositions potentielles pour aborder un sujet donné ? Si l'image me plaît vraiment, j'y reviens régulièrement à différents moments de la journée pour observer l'influence de la lumière du soleil, car les ombres et les couleurs peuvent être radicalement modifiées par les éléments. Lorsque je travaille sur un sujet intéressant, je dois être très rapide, car les formes de la lumière et des ombres changent très vite. L'excitation initiale ressentie en découvrant une ombre projetée par le soleil peut s'estomper rapidement et de façon spectaculaire. C'est pourquoi je photographie généralement le sujet en continu pendant que je travaille. J'ai ainsi une sélection d'images à différentes étapes, qui m'aident à guider mon travail.
“ Déformé ”
Lorsque je retourne enfin à l'atelier, je rassemble mes dessins, peintures et photographies et les apporte dans mon espace de travail, ainsi que des objets trouvés ; ensemble, ils m'aident à développer mes aquarelles.. Bien souvent, une peinture est la somme de plusieurs éléments différents réunis pour former une image finale qui peut avoir existé ou non. Il s'agit d'une volonté délibérée non pas de reproduire fidèlement une surface, une photographie ou un objet, mais de le réinterpréter afin de créer une œuvre finale forte et, idéalement, unique.
Au fil des années, j'ai tendance à être attirée par des sujets très similaires, même si j'essaie de rester ouverte d'esprit quant à ce que je peins. Je ne cherche certainement pas à créer quelque chose de précis, mais certains thèmes reviennent sans cesse. Tout ce qui a du caractère, un aspect un peu inhabituel mais naturel, attire mon attention. La composition est primordiale pour moi et chaque élément est mûrement réfléchi avant d'être mis de côté. J'essaie de ne pas avoir d'idée préconçue sur l'apparence des choses. Je me fie plutôt à mon intuition quant à la composition. Je suis assez douée pour reconnaître le parcours du regard sur une image ou une surface, et je maîtrise généralement cette étape du processus de composition comme un chef d'orchestre. Dans ma jeunesse, j'étais obsédée par le nombre d'or, qui déterminait la composition de mes tableaux et de mes images. Si le résultat ne convenait pas ou nécessitait de nombreuses modifications, je passais à autre chose et rejetais le sujet. Aujourd'hui, je suis beaucoup moins rigide et je me laisse guider par mon intuition et mon expérience.
“ À l’état brut ”
La plupart de mes tableaux exposés sont réalisés en atelier, car la plupart de mes croquis et dessins, effectués sur place, sont considérés par moi comme du matériel de support et non comme des œuvres destinées au public. Je travaille souvent avec un carnet de croquis ouvert sur une table de l'atelier, où je peux noter des idées, des réflexions, des études de composition et même des couleurs pendant que je peins. Mes carnets sont donc généralement un assemblage d'images et d'écritures sans structure apparente, mais cela me convient parfaitement, car ils ne sont destinés qu'à moi-même ; ils m'aident à résoudre des problèmes visuels et à saisir des idées.
“ La couleur du temps ”
En atelier, j'utilise principalement les peintures DANIEL SMITH. Mon expérience avec ces peintures confirme leur forte pigmentation, leur excellente résistance à la lumière et leur vaste palette de couleurs, inégalée par les autres fabricants. Ma palette est souvent riche et variée, mais je privilégie une sélection de couleurs essentielles. Le bleu de Prusse et le brun Van Dyck me permettent d'obtenir du noir, tandis que le bleu céruléen pâle et l'orange pyrrole transparent sont fréquemment utilisés en début de tableau pour définir les formes. J'emploie également diverses nuances de bleus et de bruns, le vert olive, le bleu cobalt, le vermillon organique, les terres de Sienne et le jaune indien figurent parmi mes couleurs de prédilection, sans oublier le blanc de Chine qui me permet de créer une gamme de teintes.
Mes cartes à points aquarelle DANIEL SMITH présentent une petite sélection de peintures incontournables de ma palette. Elles contiennent des couleurs dont je ne saurais me passer et qui sont généralement difficiles à reproduire à partir d'une gamme de couleurs de base en raison de leur intensité et de la concentration de leurs pigments. La dernière couleur de la gamme DANIEL SMITH est Lavande et c'est une couleur que j'utilise certainement dans la plupart, sinon la totalité, de mes tableaux. Bleu sarcelle cobalt et Teinte bleue manganèse Ce sont également des couleurs indispensables, et presque toujours utilisées.
J'ai également récemment utilisé Bâtonnets d'aquarelle DANIEL SMITH, Ces outils se sont révélés indispensables, notamment pour le travail sur le terrain, car ils permettent d'appliquer des couleurs vives et intenses par-dessus des lavis d'aquarelle plus foncés. J'utilise les bâtonnets d'aquarelle au besoin, mais ils révèlent tout leur potentiel lorsqu'on travaille sur une surface humide ou qu'on ajoute de l'eau à un trait. J'aime particulièrement les utiliser… Orange pyrrol, Vermillon biologique, Feu vert permanent et Bleu sarcelle cobalt lorsqu'elles sont “ sèches ”, car elles dégagent une magnifique intensité. Bleu cobalt, Rouge pyrrole et Jaune de vanadate de bismuth sont très concentrées lorsqu'on y ajoute de l'eau, et j'apprécie le fait de pouvoir les utiliser Blanc titane et Titane poli par-dessus des couleurs foncées. Tout cela contribue à un plus large éventail de techniques d'aquarelle et participe au développement de l'expérience artistique.
J'utilise aussi des crayons de couleur et, même si je ne les utilise plus beaucoup maintenant, je les ai utilisés par le passé par-dessus des lavis d'aquarelle pour intensifier les couleurs et faciliter le dessin. C'est l'une des nombreuses raisons pour lesquelles j'aime travailler avec l'aquarelle : c'est propre, sans odeur, ça sèche très vite, c'est léger et facile à transporter, et je peux facilement les modifier en dessinant par-dessus, en frottant et en lavant, mais tout cela repose sur une bonne base solide.
Comme pour ma peinture, j'ai expérimenté avec différentes surfaces sur lesquelles travailler. Cela m'a même amenée à expérimenter le collage avec des papiers artisanaux pour créer différentes textures de surface, que je travaille ensuite à l'aquarelle. Je trouve cette technique très intéressante, mais elle présente aussi des inconvénients, notamment le fait que les papiers de grammages différents absorbent plus ou moins l'eau que leurs voisins ; certaines zones de la peinture peuvent donc mettre plus de temps à sécher que d'autres.
Le support pour l'aquarelle est traditionnellement le papier, et plus particulièrement le papier aquarelle spécial en coton 100%, qui est spécifiquement sans acide, ce qui augmente considérablement ses chances de longévité. Pourvu que les aquarelles soient de bonne qualité et conservées dans une faible luminosité, d'environ 50 lux ou moins, les tableaux dureront des siècles, comme on peut le constater dans les aquarelles d'Albrecht Dürer.
Personnellement, j'utilise principalement du papier fait main pour plusieurs raisons : je trouve chaque feuille unique, le savoir-faire et la maîtrise du papetier sont fondamentaux dans la fabrication d'une feuille de papier aquarelle, une œuvre d'art en soi. Ainsi, certaines pièces peuvent avoir une forme irrégulière, des bords frangés que j'adore, et être plus petites ou plus grandes que la normale ; tout cela contribue à une expérience unique, et le talent du peintre consiste à gérer toutes ces irrégularités et à produire une œuvre d'art digne du papier.
“ Pause thé ”
“ Coin animé ”
J'utilise du papier aquarelle de haute qualité depuis plus de 30 ans, mais travailler sur du papier fait main produit au musée de la fabrication du papier de Fabriano (Museo della Carta e della Filigrana) est un phénomène relativement récent pour moi. Je préfère utiliser du papier “ rugu ”, terme désignant une surface irrégulière et bosselée, plutôt que du papier ” non rugueux ”, lisse, même si ce dernier peut varier selon le feutre de laine utilisé pour la pose initiale. J'apprécie la surface plus rugueuse car elle me permet de créer des textures variées dans mes peintures. J'ai également utilisé du papier indien fait main, parfois légèrement plus jaune que le papier italien et d'aspect plus gondolé, mais dont la surface est elle aussi très agréable à travailler. Bien sûr, il existe de nombreuses marques et donc de nombreuses variantes et types de papier ; le choix se résume généralement à une question de préférence personnelle, ces papiers convenant simplement aux sujets que j'aborde et à ma façon de travailler.
Pour moi, un bon pinceau est inestimable, mais j'utilise de nombreux types et variétés de pinceaux différents selon ce que je veux faire ; certains sont très chers, et d'autres sont des pinceaux de loisir bon marché. J'utilise de gros pinceaux à lavis de 2,5 à 5 cm pour les grandes surfaces, notamment les ciels, et des pinceaux à tête de brosse pour des traits plus calligraphiques. J'utilise également de petits pinceaux synthétiques de 6 mm pour peindre de larges aplats, comme les zones sombres. Lorsqu'ils sont suffisamment usés, je les utilise pour le pointillisme, le brossage à sec et les projections. J'utilise des pinceaux ronds pour dessiner et appliquer la peinture, en utilisant la pointe et les côtés, et des pinceaux à pointe fine pour les traits précis. Je privilégie les pinceaux synthétiques pour leur résistance, mais aussi les pinceaux en martre pour leur capacité d'absorption d'eau. Je trouve les pinceaux à petit manche particulièrement faciles à utiliser car ils offrent un meilleur contrôle. Les pinceaux pour loisirs créatifs offrent cette même maniabilité, mais la qualité de leurs poils n'est pas à la hauteur de mes attentes. J'utilise également divers outils pour créer des marques qui m'aident dans mes peintures. Éponges, papier froissé, papier de soie, film plastique, sel, sprays pour plantes et, occasionnellement, aérographes : tout cela est à ma disposition et je l'utilise si nécessaire.
J'essaie de malmener et de brutaliser mes aquarelles et mes pinceaux pour décrire, sans les mille mots habituels, la splendeur que je trouve dans l'ordinaire. J'ai exploré de nombreuses techniques pour modeler la peinture et la mettre au service du sujet, et avec le temps, je suis devenue plus habile à trouver des thèmes qui me mettent au défi. J'espère qu'après avoir contemplé mon travail, vous prendrez un instant, en flânant dans une rue familière, pour apprécier la magnificence de tout ce qui vous entoure, un monde merveilleux “ caché à la vue de tous ”.
