L'interpretazione del nostro complesso mondo visibile richiede ben più di un semplice sguardo innocente; necessita di un approccio ponderato e mirato che vada oltre la mera imitazione. Un giudizio estetico su un oggetto che non sarebbe considerato bello nel senso tradizionale del termine, richiede allo spettatore di contemplare una combinazione di qualità, tra cui forma, colore e volume. È con la sensibilità estetica di un artista che inseguo gli oggetti che mi affascinano. Considero ogni dettaglio mentre pedino il mio soggetto come una preda, alla ricerca del minimo accenno di colore o di eleganza materica che possa suggerire un tema degno di essere rappresentato. La luce con cui questi oggetti vengono esposti può fare la differenza tra un esame più approfondito e un'indagine più approfondita, oppure una semplice occhiata.
Una volta che il mio sguardo si posa su un tema degno di essere approfondito, dedicherò da 5 minuti a 2 anni a scoprirne il potenziale. Gran parte del mio materiale è lì, in bella vista, ignorato, trascurato, condannato e, cosa più importante per me, invisibile ai passanti. Camminiamo per le strade guardando ma non vedendo, visibile ma invisibile, se ne sta lì in silenzio, passivamente ignorato.
“Locked & Loaded II”
“Crisi globale”
Questi momenti di scoperta sono rari e la loro rivelazione è paragonabile al ritrovamento dell'Arca dell'Alleanza, ma non ogni scoperta può diventare oggetto di studio. Può capitare che, durante un'esibizione sul posto, il pieno potenziale di un'idea si riveli, oppure che venga scartata come un pensiero fugace. L'atto creativo è per me un lungo processo che inizia con alcuni schizzi molto rapidi, i quali a loro volta possono trasformarsi in un'ossessione che può richiedere molti mesi per essere risolta.
L'idea della bellezza nel banale non è un concetto nuovo, ma mi spinge a far conoscere a chi non ha mai considerato il piacere che si può trovare in una vecchia porta con la sua vernice scrostata e sbiadita. È legno scheggiato o una superficie arrugginita che si erode lentamente con il tempo e gli agenti atmosferici. La pietra o l'intonaco che ora assomigliano alla superficie lunare con le loro texture craterizzate e butterate e il colore sbiadito. Avete mai notato le macchie di ruggine di una grata di ferro che circonda un'antica finestra come un angelo piangente? È un bellissimo pigmento di ossido di ferro che macchia la superficie sottostante senza che nessuno se ne accorga o se ne curi.
Il mio processo pittorico è vario e a volte piuttosto lungo, ma cerco, quando possibile, di renderlo interessante e non ripetitivo, perché non c'è niente di peggio della routine o della noia per uccidere l'ispirazione. I miei soggetti sono molto vari e possono spaziare da un camion all'angolo di una strada, a un pedone che passa accanto a un bel muro, fino a una vecchia porta consumata dal tempo e sbiadita. La maggior parte delle mie immagini e delle mie idee provengono dai miei viaggi e, per me, ciò che mi emoziona davvero è l'emozione che provo nel vedere luoghi nuovi e interessanti, nell'esplorare strade sconosciute, incontrare volti nuovi e la sorpresa che si prova quando si gira un angolo e ci si trova di fronte a un'immagine particolare.
“Selezione naturale”
Di solito porto sempre con me un quaderno da disegno, piccoli acquerelli, un paio di pennelli e matite (colorate e a grafite) e una macchina fotografica. Tutto dipende dal tempo e dalla situazione. Se ho fretta, potrei limitarmi a scattare qualche foto con la macchina fotografica. Se ho tempo, realizzo un disegno veloce, ma se il soggetto è sicuramente qualcosa che riutilizzerò in seguito, allora investo un po' di tempo e realizzo un piccolo dipinto sul posto. Dipende davvero da cosa cerco nell'immagine. Si tratta solo di un rapido studio compositivo o, come può accadere abbastanza spesso, vengo immediatamente colpito da un flusso di idee e potenziali composizioni su come affrontare un determinato soggetto? Se l'immagine mi piace particolarmente, ci torno spesso in diversi momenti della giornata per vedere come la luce del sole influenza il soggetto, poiché ombre e colori possono cambiare drasticamente a seconda degli elementi. Se colgo l'occasione di lavorare su un soggetto interessante, mi accorgo di dover lavorare molto velocemente perché le forme di luce e ombra cambiano rapidamente. Quell'iniziale eccitazione che si prova quando si vede un'ombra per la prima volta, proiettata dal sole, può svanire in modo rapido e drastico, quindi di solito fotografo il soggetto continuamente mentre lavoro. In questo modo, avrò una serie di immagini in diverse fasi che mi aiuteranno a capire cosa sto facendo.
“Piego di forma”
Quando finalmente ritorno in studio, raccolgo i miei disegni, dipinti e fotografie e li porto nello spazio di lavoro, insieme a oggetti trovati; tutto ciò mi aiuta a sviluppare i miei acquerelli.. Spesso un dipinto è la somma di diversi elementi assemblati per produrre un'immagine finale che potrebbe essere esistita o meno. L'intento è quello di non riprodurre fedelmente una superficie, una fotografia o un oggetto, ma di reinterpretarli in modo da creare un'opera finale di forte impatto e, auspicabilmente, unica.
Nel corso degli anni tendo ad essere attratto da soggetti molto simili, sebbene cerchi di essere aperto mentalmente riguardo a ciò che dipingo. Non cerco certo nulla di particolare, ma certi temi ricorrono indubbiamente. Tutto ciò che ha carattere, che sembra un po' insolito ma non artificioso, cattura la mia attenzione. La composizione è un elemento molto importante per me e tutto viene valutato attentamente prima di essere accantonato; cerco di non avere preconcetti su come le cose dovrebbero apparire o su come le vorrei. Mi affido invece all'istinto per quanto riguarda la composizione, sono abbastanza abile nel riconoscere come l'occhio si muove all'interno di un quadro o di una superficie e di solito riesco a gestire questa parte del processo compositivo come un direttore d'orchestra. Da giovane ero molto ossessionato dall'uso della sezione aurea, che predeterminava la composizione dei miei dipinti e delle mie immagini; se non funzionava o non si adattava senza dover apportare modifiche sostanziali, passavo ad altro e scartavo quel soggetto. Ora sono molto meno rigido e mi lascio guidare dall'intuizione e dall'esperienza.
“L’essenziale”
La maggior parte dei miei dipinti esposti vengono realizzati in studio, mentre la maggior parte degli schizzi e dei disegni eseguiti sul posto sono da me considerati esclusivamente materiale di supporto e non destinati al pubblico. Spesso lavoro con un quaderno da disegno aperto su un tavolo in studio, dove posso annotare idee, pensieri, studi di composizione e persino colori mentre lavoro a un dipinto. Questo di solito significa che i miei quaderni da disegno sono un insieme disordinato di immagini e appunti senza un'apparente struttura, ma va bene così, dato che sono destinati solo a me, a risolvere problemi visivi e a catturare idee.
“Il colore del tempo”
Quando sono in studio utilizzo principalmente colori DANIEL SMITH. La mia esperienza con i loro colori mi suggerisce che hanno un'elevata pigmentazione e una buona resistenza alla luce, oltre a una vasta gamma di colori ineguagliabile da altri produttori. La mia tavolozza può essere piuttosto ampia e variegata, ma c'è una selezione di colori di base che utilizzo spesso. Il Blu di Prussia e il Marrone Van Dyck per creare il nero, il Blu Ceruleo chiaro e l'Arancio Pirrolo Trasparente sono spesso usati all'inizio di ogni dipinto mentre definisco le forme. Utilizzo anche diverse tonalità di blu e marrone, il Verde Oliva e il Blu Cobalto Turchese, il Vermiglio Organico, le terre di Siena e il Giallo Indiano sono tra i miei colori più popolari e, naturalmente, il Bianco di Cina per ottenere una varietà di tinte.
Le mie cartelle di colori ad acquerello DANIEL SMITH contengono una piccola selezione di colori indispensabili della mia tavolozza. Contengono colori di cui non potrei fare a meno e di solito comprendono colori difficili da riprodurre da una gamma di colori di base a causa della loro intensità e forza del pigmento. L'ultimo colore della gamma DANIEL SMITH è Lavanda Ed è un colore che utilizzo sicuramente nella maggior parte, se non in tutti, i miei dipinti. Blu cobalto turchese E Tonalità blu manganese sono anche colori indispensabili e quasi sempre utilizzati.
Ho usato anche di recente Pastelli per acquerelli Daniel Smith, Questi strumenti si sono rivelati indispensabili, soprattutto quando si lavora sul campo, poiché permettono di applicare colori solidi e intensi sopra velature di acquerello più scure. Uso i pastelli acquerellabili quando ne ho bisogno, ma prendono vita quando si lavora su una superficie umida o si aggiunge acqua a una linea disegnata. Mi piace particolarmente usare il Arancio di pirrolo, Vermiglio biologico, Luce verde permanente E Blu cobalto turchese quando sono “asciutti” perché hanno una bellissima intensità. Blu cobalto, Rosso pirrolo E Vanadato di bismuto giallo sono molto forti quando si aggiunge acqua e mi piace il fatto che posso usare il Bianco titanio E Titanio smerigliato sopra colori scuri. Tutto ciò contribuisce ad ampliare la gamma di tecniche di acquerello e favorisce lo sviluppo dell'esperienza artistica.
Utilizzo anche le matite colorate e, sebbene ora non le usi molto, in passato le ho impiegate sopra le velature di acquerello per intensificare i colori e facilitare il disegno. Questo è uno dei tanti motivi per cui mi piace lavorare con l'acquerello: è pulito, non ha odore, si asciuga molto velocemente, è leggero e facile da trasportare e posso modificarlo facilmente disegnandoci sopra, sfumando e lavando via, ma tutto ciò si basa su una buona base solida.
Come per la pittura, ho sperimentato diverse superfici su cui lavorare. Questo mi ha portato persino a sperimentare con il collage, utilizzando carte fatte a mano per creare diverse texture superficiali che verranno poi elaborate con l'acquerello. Ho trovato questo metodo di lavoro molto interessante, ma presenta anche dei problemi, soprattutto perché carte di diverso spessore assorbono più o meno colore rispetto a quelle adiacenti, e quindi alcune aree del dipinto possono impiegare più tempo ad asciugarsi rispetto ad altre.
Il supporto per l'acquerello è tradizionalmente la carta, ma la speciale carta per acquerello 100%, realizzata in cotone e specificamente priva di acidi, garantisce ora un'elevata durata nel tempo. Se i colori ad acquerello sono di buona qualità e conservati in condizioni di luce piuttosto scarsa, intorno ai 50 lux o meno, i dipinti dureranno per secoli, come si può vedere negli acquerelli di Albrecht Dürer.
Personalmente, utilizzo prevalentemente carte fatte a mano per diverse ragioni: trovo che ogni foglio sia unico, e la manualità e l'abilità del produttore sono fondamentali per la realizzazione di un foglio di carta per acquerello, un'opera d'arte in sé. Pertanto, alcuni pezzi possono avere una forma irregolare, presentare un bordo sfrangiato che apprezzo molto e possono essere più piccoli o più grandi del previsto; tutto ciò contribuisce a creare un'esperienza unica, e l'abilità del pittore sta nel gestire tutte queste irregolarità e produrre un'opera d'arte degna della carta.
“Pausa tè”
“Angolo trafficato”
Utilizzo carta per acquerello di alta qualità da oltre 30 anni, ma è un fenomeno relativamente recente per me lavorare sulla carta fatta a mano prodotta nel museo della carta e della filigrana di Fabriano. Preferisco usare la carta "ruvida", termine che indica una superficie irregolare e rugosa, piuttosto che la "non ruvida", liscia, che si può comunque ottenere a seconda del feltro di lana su cui la carta viene inizialmente posata. Mi piace la superficie più ruvida perché mi aiuta a creare diverse texture nei miei dipinti. Ho anche usato carta indiana fatta a mano, che può essere leggermente più giallastra rispetto alla carta italiana e dall'aspetto più ondulato, ma la sua superficie è comunque molto piacevole da lavorare. Esistono ovviamente molte aziende diverse, e quindi molte varianti e tipologie di carta, e di solito la scelta si riduce a una questione di gusto personale; queste si adattano semplicemente ai soggetti che tratto e al mio modo di lavorare.
Per me un buon pennello è prezioso, ma ne uso di diversi tipi e varietà a seconda di ciò che voglio fare: alcuni sono molto costosi, altri sono pennelli economici per hobbisti. Per le ampie superfici di colore, compresi i cieli, utilizzo pennelli di grandi dimensioni da 2,5 a 5 cm, mentre per i segni più calligrafici uso pennelli a punta piatta. Per le aree più piccole e ampie, come le zone scure, utilizzo anche piccoli pennelli sintetici da 6 mm a tratto singolo. Quando questi pennelli sono sufficientemente consumati o allargati, li riutilizzo per la puntinatura, il pennello asciutto e gli schizzi. Uso pennelli rotondi per disegnare e applicare il colore, sia con la punta che con i lati, e pennelli a punta fine per le linee sottili; pennelli sintetici perché resistenti, ma anche pennelli in pelo di zibellino perché trattengono molta acqua. Trovo particolarmente facili da usare i pennelli con manico piccolo, perché mi permettono un maggiore controllo. I pennelli da modellismo offrono questa possibilità di controllo, ma le setole non raggiungono la qualità che mi aspetterei normalmente. Utilizzo anche diversi strumenti per creare segni che mi aiutano nei miei dipinti. Spugne, carta accartocciata, carta velina, pellicola di plastica, sale, spray per piante e occasionalmente aerografo sono tutti a mia disposizione e li utilizzo quando necessario.
Cerco di maneggiare e domare i miei acquerelli e i miei pennelli per descrivere, senza le obbligatorie mille parole, lo splendore che trovo nell'ordinario. Ho trovato molti modi per piegare la pittura al mio volere, in modo che onori degnamente il soggetto, e con il tempo sono diventato più abile nel trovare soggetti che mi mettano alla prova al massimo. Spero che, dopo aver ammirato le mie opere, vi soffermerete un attimo, mentre passeggiate per una strada familiare, a riflettere e ad apprezzare la magnificenza di tutto ciò che vi circonda, un mondo straordinario "nascosto in bella vista".
