Mein Aquarellstil lässt sich am besten als raffiniertes Chaos beschreiben, in dem eine präzise Zeichnung einem ausdrucksstarken Gemälde weicht und so ein wunderschönes Durcheinander entsteht. Seit Kurzem male ich großformatige Werke in meinem Atelier, was mir erlaubt, meinen Stil auf ein ganz neues Niveau zu heben – ein wahres Mammut-Chaos. Ich kann alle Aspekte meiner Arbeit ausreizen: mehr Gestaltung, Zeichnung, Malerei, Farbe und Effekte. In dieser Schritt-für-Schritt-Anleitung möchte ich den Entstehungsprozess eines großformatigen Werkes vorstellen, das von einem weitläufigen Ort inspiriert ist. Ich konzentriere mich auf Gestaltung, Zeichnung und Malerei – unabhängig vom Format des Bildes. Innerhalb der klaren Struktur von Entwurf und Zeichnung bietet sich mir die große Freiheit, die Farbe ausdrucksstark und in großen Mengen aufzutragen.
Schritt 1: Design
Mein Prozess beginnt mit dem Entwurf. Ich habe zahlreiche Skizzen vor Ort und Dutzende von Fotografien verwendet für GAF über Ponca, Ein 36 x 72 Zoll großes Gemälde, das auf einer riesigen Industrieanlage in Baltimore, Maryland, basiert. Mich fasziniert dieser Ort aufgrund seiner interessanten Formen, seiner komplexen Struktur und seiner schieren Größe. Die Herausforderung besteht darin, die Atmosphäre einzufangen, ohne von dem Chaos erdrückt zu werden. Es geht dabei ebenso sehr um die Auswahl der Elemente wie um die der Details. In Photoshop kombiniere, verzerre, schneide, füge ein und verschiebe ich Elemente, sodass das Design letztendlich sowohl meine eigene Kreation als auch die des ursprünglichen Ausgangsmaterials ist.
Schritt 2: Zeichnen
Ich verwende 140# Aquarellpapier (kaltgepresst) von der Rolle, befeuchte es und spanne es direkt an die Wand meines Ateliers, damit es glatt trocknet. Mithilfe einer Wasserwaage teile ich das Blatt vertikal und horizontal in Viertel, um meine kleine Vorlage auf eine größere Fläche zu übertragen. Ich baue die Zeichnung sorgfältig auf und schattiere Bereiche frei, ohne mich um einzelne Bleistiftstriche zu kümmern. In dieser Phase konzentriere ich mich darauf, mir beim Malen Hilfslinien zu setzen, da ich weiß, dass es chaotisch werden kann. Letztendlich werden viele der Zeichenlinien sichtbar bleiben, da mein fertiges Werk in der Regel eine Kombination aus Malerei und Zeichnung ist. Sobald ich mit meiner Zeichnung zufrieden bin und das Gefühl habe, genügend Informationen zu haben, kann ich mit dem Malen beginnen.
Schritt 3: Die Farben
Für mich sind DANIEL SMITH Aquarellfarben eine Einladung zum Experimentieren. Nachdem ich jahrelang andere Marken verwendet hatte, entschied ich mich für DANIEL SMITH aufgrund der Qualität der Pigmente und ihres Verhaltens. Ich liebe sie aber genauso sehr, wenn nicht sogar noch mehr, für ihr unberechenbares Verhalten, die granulierenden Effekte und das wunderschöne Zerfallen der Farben, wodurch Texturen entstehen, die ich mit keiner anderen Farbe je erreicht habe. GAF über Ponca, Ich beschloss, mit Farben und Effekten zu experimentieren, da das Design dies zu erfordern schien. Ich entschied mich für drei Farbfamilien: meine Standardpalette mit 14 Farben, 15 PrimaTek-Farben und weitere 10 irisierende Farben. Einige der bei DANIEL SMITH erhältlichen Farben sind absolut einzigartig und genau das, was ich suche.
Schritt 4: Erste Wäsche
Ich beginne mit dem Auftragen der ersten Farbschichten mithilfe großer Eichhörnchenhaarpinsel und bearbeite das Blatt so schnell wie möglich. Dabei decke ich Bereiche mit reiner Farbe ab und achte darauf, die wichtigen weißen Stellen des Papiers freizuhalten. Ich verwende viel Farbe und viel Wasser. Ich spritze Wasser mit den Fingern auf und trage die Farbe sogar direkt aus der Tube auf und verreibe sie mit den Fingern. Falls ich zu viel Farbe aufgetragen habe – falls es so etwas überhaupt gibt –, benutze ich einfach meine Sprühflasche als Radiergummi und sprühe die überstehenden Stellen ab. Normalerweise dauert das je nach Bild 10 bis 30 Minuten, aber bei diesem 1,7 Quadratmeter großen Werk war zugegebenermaßen mehr Zeit und Arbeit nötig. Ich trage Farbe auf, indem ich sie mit dem Pinsel auftrage, und entferne sie, indem ich Wasser sprühe, mit Pinseln und sogar mit den Händen verreibe. So erzeuge ich Effekte auf jede erdenkliche Weise und mit allen notwendigen Mitteln. Ich male, baue auf, verändere, definiere, erschaffe, zerstöre, füge hinzu und entferne, bis es Zeit ist, das Bild über Nacht trocknen zu lassen.
Schritt 5: Maximierung der Effekte mit PrimaTek
Anfangs versuche ich, so viel Dynamik wie möglich auf dem Papier zu erzeugen, mit einer großen Farbvielfalt und maximalen Effekten – mehr ist mehr. Ich arbeite daran, die einzelnen Bereiche zu größeren Flächen zu verbinden und scheinbar unzusammenhängende Bereiche miteinander in Beziehung zu setzen. Ich befeuchte Bereiche, wische sie wieder ab, füge hinzu und nehme weg, erschaffe und zerstöre, und wiederhole diesen Vorgang immer wieder, wobei ich ständig verändere. Diese Phase ist unglaublich hektisch, fast schon körperlich anstrengend. Ich verwende mehrere PrimaTek-Farben, die ich dick auftrage, und gebe Wasser auf das Papier, um den Granulationseffekt zu nutzen. Ich mische die Farben direkt auf dem Papier und lasse sie tropfen, verlaufen und spritzen, wie sie will.
Schritt 6: Mit irisierenden Produkten Schimmer hinzufügen
Mit den irisierenden Aquarellfarben von DANIEL SMITH lassen sich subtile Schimmer von Metallen in Gold-, Silber-, Kupfer- und sogar Blautönen erzielen. Ich trage Lasuren mit verschiedenen irisierenden Farben auf, mische sie mit anderen Farben oder verwende sie pur. Nach dem Arbeiten in einem noch nassen Bild kann der Eindruck, dass etwas passiert, täuschen. Ganze Passagen können trüb oder übermalt wirken, wenn die irisierenden Farben sehr transparent sind. Doch nach dem Trocknen des Bildes kommt ein reines, sattes und wunderschönes Ergebnis zum Vorschein, und das Bild wirkt frisch, leuchtend und reflektierend. Man kann die Flocken der irisierenden Partikel förmlich auf der Oberfläche der vorherigen Farbschichten sehen, was einen absolut atemberaubenden Effekt erzeugt.
Schritt 7: Verfeinerung
Während ich fortfahre, muss ich sorgfältiger abwägen, was erhalten bleibt und was verschwindet. Ich arbeite mit Kontraststufen, von dramatisch bis nuanciert. Ich verwende steife Synthetikpinsel, weiche Synthetik-Liner aus Zobelhaar, Sprühflaschen, meine Finger, meine Fingernägel, Spachtel und Papiertücher. Ich trage dunkle Passagen und Striche auf, kratze helle Bereiche aus und arbeite weiter, um zu verfeinern. Ich folge nie einem linearen Prozess, denn selbst nach diesem Stadium trage ich Lasuren auf, überarbeite Stellen, füge hinzu und entferne. Ich ergänze das Bild mit den letzten Details wie Rohren, Handläufen, Drähten und verschiedenen Markierungen. Ich male nicht im traditionellen Sinne von hell nach dunkel, sondern hell UND dunkel, indem ich Deckkraft über Transparenz auftrage und umgekehrt, bis ich ein Gefühl der Vollendung erreiche.
