Mi estilo de pintura a la acuarela se puede describir como un caos sofisticado, donde un dibujo preciso da paso a una pintura expresiva para crear un hermoso desorden. Recientemente comencé a pintar obras de gran formato en el estudio, lo que me permite llevar mi estilo a un nivel completamente nuevo, más parecido a un caos titánico. Puedo llevar al límite todos los aspectos de mi trabajo: diseño, dibujo, pintura, pigmentos y efectos. En este paso a paso, me gustaría compartir el proceso de creación de una obra de gran formato inspirada en un sitio de gran tamaño. Me centro en el diseño, el dibujo y la pintura, independientemente de la escala de la pieza. Dentro de la estructura rigurosa del diseño y el dibujo, hay una gran libertad para aplicar la pintura de forma expresiva, y en abundancia.

Paso 1: Diseño

Mi proceso comienza con el diseño. Utilicé una gran cantidad de bocetos realizados en el lugar y docenas de fotografías para GAF en Ponca, Se trata de una pintura de 36 x 72 pulgadas basada en una enorme planta industrial en Baltimore, Maryland. Me atrae este lugar en particular por sus formas interesantes, la complejidad de sus figuras y su escala imponente. El reto consiste en capturar su esencia sin abrumarme con el caos. Se trata tanto de qué editar como de qué incluir. En Photoshop, combino, distorsiono, corto, pego y muevo piezas, de modo que, en última instancia, el diseño es tanto mi propia creación como la del material original.

Paso 2: Dibujo

Utilizo papel de acuarela 140# de grano fino en rollo, lo humedezco y lo estiro directamente contra la pared de mi estudio para que se seque liso y plano. Con un nivel de carpintero, divido la hoja vertical y horizontalmente en cuatro partes para poder trasladar mi referencia a pequeña escala a una superficie mayor. Construyo el dibujo con cuidado y sombreo las áreas libremente, sin preocuparme por las marcas de lápiz sueltas. En este punto, me centro en proporcionarme líneas guía mientras pinto, porque sé que el proceso se volverá caótico. Al final, muchas de las líneas del dibujo pueden permanecer visibles, ya que mi obra terminada suele ser una fusión de pintura y dibujo. Una vez que estoy satisfecho con mi dibujo y siento que hay suficiente información, estoy listo para comenzar a pintar.

Paso 3: Las pinturas

Para mí, las acuarelas DANIEL SMITH son una invitación a la experimentación. Después de usar otras marcas durante años, elegí DANIEL SMITH por la calidad de los pigmentos y su comportamiento, pero también me encantan, o incluso más, por su comportamiento impredecible, con los efectos de granulación y cómo se deshacen —de forma hermosa— creando texturas inalcanzables por cualquier otro medio que haya encontrado con otras pinturas. GAF en Ponca, Decidí experimentar a fondo, llevando los colores y efectos al límite, ya que el diseño así lo requería. Opté por trabajar con tres familias de colores: mi paleta estándar de 14 colores, 15 colores PrimaTek y otros 10 colores iridiscentes. Algunos de los colores disponibles en DANIEL SMITH son totalmente únicos y se ajustan perfectamente a mis intereses.

Paso 4: Primeros lavados

Empiezo aplicando las primeras capas con pinceles grandes de pelo de ardilla y abordo la hoja lo más rápido posible, rellenando áreas con color limpio y conservando las zonas blancas esenciales. Utilizo mucha pintura y mucha agua. Salpico agua con los dedos e incluso aplico la pintura directamente del tubo y la froto con ellos. Si me he pasado, si es que eso es posible, simplemente uso el pulverizador como borrador y rocío las zonas sobrantes. Normalmente, esto puede llevar entre 10 y 30 minutos, dependiendo de la pintura, pero con 1,7 metros cuadrados, esta pieza requirió, sin duda, más tiempo y trabajo. Añado pigmento con pinceladas y quito agua, froto con pinceles e incluso con las manos, creando efectos de cualquier forma posible y con cualquier medio necesario. Continúo pintando, construyendo, modificando, definiendo, creando, destruyendo, añadiendo y quitando, hasta que llega el momento de dejarla secar por la noche.

Paso 5: Maximizar los efectos con PrimaTek

Al principio, busco lograr la mayor acción posible en la página, con mucha variedad de colores y efectos máximos: cuanto más, mejor. Trabajo para conectar las islas separadas en masas y relacionar áreas no relacionadas. Humedezco áreas, las froto, añado y sustraigo, creo y destruyo, y repito una y otra vez, modificándolas constantemente. Esta fase es increíblemente frenética, frenética e incluso física. Utilizo varios colores PrimaTek aplicados en capas gruesas, añadiendo agua al papel para aprovechar los efectos de granulación. Mezclo directamente sobre el papel y dejo que la pintura gotee, corra y salpique libremente.

Paso 6: Añade brillo con iridiscentes.

Las acuarelas iridiscentes de DANIEL SMITH permiten apreciar los sutiles destellos metálicos en tonos dorados, plateados, cobrizos e incluso azules. Aplico veladuras con varios colores iridiscentes, mezclándolos con otros o usándolos directamente. Al trabajar sobre una pintura húmeda, el resultado puede ser engañoso. Algunas zonas pueden parecer turbias o recargadas cuando los iridiscentes son muy translúcidos. Sin embargo, una vez seca la pintura, el resultado es puro, intenso y hermoso, y la obra luce fresca, brillante y reflectante. Se pueden observar las partículas iridiscentes sobre la superficie de las capas anteriores, creando un efecto absolutamente deslumbrante.

Paso 7: Refinamiento

A medida que avanzo, debo ser más juicioso respecto a lo que permanece y lo que desaparece. Trabajo con distintos niveles de contraste, desde lo dramático hasta lo sutil. Utilizo pinceles sintéticos rígidos, delineadores de pelo sintético suave, pulverizadores, mis dedos, mis uñas, espátulas y toallas de papel. Aplico trazos y marcas oscuras, raspo áreas claras, sigo construyendo y refinando. Nunca sigo un proceso lineal, ya que incluso después de esta etapa puedo aplicar veladuras, raspar áreas, añadir y quitar. Decoro la pintura con los detalles finales, incluyendo tuberías, pasamanos, cables y diversas marcas. No pinto en el sentido tradicional de claro a oscuro, sino más bien claro Y oscuro, construyendo lo opaco sobre lo translúcido, y viceversa, hasta alcanzar una sensación de finalización.