Die Phasen der Demonstration hier sind nicht mein Standardansatz für jedes Gemälde. Meist gibt es keine Etappen. Da ich ungeduldig bin, arbeite ich kontinuierlich an Papierbereichen, an denen ich angemessene Feuchtigkeit finde. Ich mag es, wenn sich die Zuschauer mit dem Thema, der Atmosphäre, dem Ort, dem Geräusch, dem Geruch und den Texturen identifizieren, anstatt sich zu fragen, wie ich diesen oder jenen Effekt erzielt habe. Ich lege keinen bestimmten Stil fest. Ich lasse das Thema den Stil bestimmen. Ich probiere bei fast jedem Bild etwas anderes aus, bis ich mich unwohl fühle, wenn 3 oder 4 Bilder hintereinander gut herauskommen. Ich habe versucht, die Unfälle in Aquarell strukturiert zu meistern, aber ich habe es aufgegeben. Ich lasse sie einfach geschehen.

Das Thema meiner Malerei ist ein Ort in der Stadt Pune in der Nähe von Mumbai, die in Westindien liegt. Dies ist eine traditionelle Milchmannkolonie, die vor mehr als 100 Jahren in der Kolonialzeit gegründet wurde, um die nahe gelegenen Militärkasernen mit Milch zu versorgen. Es war ein heißer Sommertag im Monat Mai. Ich fuhr mit meinem Motorrad und bemerkte die Szene, als ich vorbeiraste. Sofort machten meine Augen eine Notiz, zurückzukommen. Mir gefielen die typisch indischen Formen innerhalb des Durcheinanders, die scharfen Schatten, die blendenden sonnenbeschienenen Bereiche und eine wunderbare Geschichte, die in der Location lag.

Schritt 1 – Die Skizze
Normalerweise haben meine Skizzen nicht so viel Definition, aber ich dachte, das wäre ein komplexes Thema. Für ein komplexes Thema muss eine Skizze in Bezug auf Perspektive, Proportionen und jeweilige Positionen verschiedener Elemente ziemlich genau sein. Meine Malskizze ist in der Regel eine Mischung aus mehreren Bleistiftskizzen, Fotoreferenzen und ein paar gescheiterten Versuchen mit demselben Sujet. Ich nehme mir die künstlerische Freiheit, Dinge zu verschieben, wegzulassen oder hinzuzufügen, aber ich verändere nie etwas, das der Grundatmosphäre des Themas schadet. Die Location ist nur Nebensache, Atmosphäre ist das Thema. Ich lasse gerne ein paar Dinge teilweise aus dem Rahmen, um die Vorstellungskraft des Betrachters über die Grenzen des Bildes hinaus zu zwingen. Ich würde lügen, wenn ich sagen würde, dass ich alle möglichen kleinen Probleme in meinem Kopf aussortiert habe. Aber ich bin zuversichtlich, dass ich diese Brücken überqueren kann, wenn sie ankommen. Ohne diese potenziellen Probleme gibt es keinen Spaß. Malen ist nicht wie eine banale tägliche Fahrt ins Büro. Aquarellkünstler brauchen das Selbstvertrauen eines Rallyefahrers. Meistens ist es eine Katastrophe.

Schritt 2 – Helle Töne
In dieser Phase habe ich Bereiche mit hellen Tönen mit nur einem Hauch von kühlen und warmen Bereichen bedeckt. Grenzen sind in diesem Stadium nicht sehr wichtig. Die Anordnung von Formen und ihre Wechselbeziehungen sind wichtiger und erfordern mehr Aufmerksamkeit. Die Formen müssen sich über die Elemente erstrecken, sonst mache ich mir Sorgen, dass das Gemälde wie eine Collage aus verschiedenfarbigen Formen aussieht, die auf ein Blatt Papier geklebt werden. Ich lasse diese Phase trocknen. In dieser Stufe wird auch die tonale Referenz eingestellt. Töne zu beurteilen, wenn man auf ein leeres weißes Papier blickt, ist schwierig. Ich würde sagen, diese Etappe ist der sprichwörtliche Sprung ins Wasser, wohlwissend, dass es kalt ist.

Schritt 3 – Festlegen von Hauptformen

Als nächstes arbeite ich an den Mitteltönen. Dies ist die Phase, in der ich normalerweise eine Ahnung bekomme, ob das Gemälde funktioniert oder ob ein Kampf bevorsteht. Und glauben Sie mir, dieses Gefühl kann auf beiden Seiten furchtbar falsch sein. Aber ich kann nicht aufhören, dieses Gefühl zu bekommen. Ich halte mich zurück, dunkel zu werden. Hier finde ich es sehr nützlich, auf feuchten oder nassen Oberflächen kreativ zu arbeiten, indem ich Techniken wie Auftragen, Mischen von Farbe auf Papier, Sprühen von Wasser auf das Papier, Anheben zum Erzeugen von Glanz usw. verwende. Die Kombination der Schritte 2 und 3 ist der sichtbarste Teil von das fertige Gemälde. Hier ist äußerste Sorgfalt gefragt, damit große Flächen nicht absterben. Oberflächen werden nicht tot, wenn sie nass sind, aber sie können plötzlich tot aussehen, wenn sie trocken sind … und dann ist es vorbei. Hier ist also gutes Urteilsvermögen gefragt. Ich ließ die Oberfläche nicht trocknen, bis ich sicher war. Das Mischen von Farben auf Papier funktioniert besonders gut in Mitteltönen, um die Möglichkeit des Absterbens von Oberflächen zu verringern. Wichtige Kanten, die ich entschieden hatte, scharf zu halten, wurden hier definiert. Ich beschließe, die Mitteltöne etwas heller als die Endtöne zu halten, da ich das Gemälde manchmal gerne mit Waschungen integriere, nachdem die Dunkelheit etabliert ist.

Schritt 4 – Festlegung der Dunkelheiten und Kanten
Ich wähle sorgfältig aus, wo ich trocken bürsten und wo ich auf nassen Oberflächen arbeiten muss. Etwas zu übertreiben kann das Gemälde kitschig und gekünstelt aussehen lassen. Ich male gerne dunkle Flächen auf einer leicht feuchten Oberfläche. Das hinterlässt schöne weiche Kanten und ich kann die Oberfläche auch mit kühleren oder wärmeren Tönen im Dunkeln beladen, um die soliden Dunkeltöne interessanter zu machen. Manchmal tropfe ich einfach Wasser an die Ränder, nachdem ich dunkle Farben gemalt habe. Dadurch entsteht ein wunderbar leuchtender Rand. Die ganze Idee ist, zu vermeiden, dass solide Darks zu ordentlich oder tot aussehen. Es sollte einige Bereiche geben, in denen die hellen Washes, die mittleren Töne und die dunklen Töne miteinander interagieren und eine Vibration erzeugen. Schauen Sie sich zum Beispiel die am Draht hängende Kleidung und die Ecke des Gebäudes an der sonnenbeschienenen Wand und dem Dach an – diese Bereiche haben diese Vibration. Dieses Stadium ist fast irreversibel. Es ist sorgfältige Aufmerksamkeit erforderlich, um Orte festzulegen, die ich hervorheben möchte. Ich habe so viel wie möglich versucht, die Dunkelheiten entweder implizit oder explizit miteinander zu verbinden.

Schritt 5 – Detaillierung 
Ich habe die Kühe sorgfältig gemacht und zu viele Details vermieden. Ich wollte nicht, dass der Betrachter auf das Bild schaut und sagt: „Schaut euch die wunderbaren Kühe an!“ Ich habe Overwashs aufgetragen, meistens an verschiedenen Schattenpartien, um sie in ein homogenes Bild zu integrieren. Ich habe dies mit einem Kunsthaar-Flachpinsel mit leichter Hand gemacht. Dieses Überwaschen erzeugt einige sehr interessante subtile Kanten in hellen Bereichen und macht auch die Kanten von soliden dunklen Bereichen in den Schatten weicher. Ich habe darauf geachtet, die hellen Bereiche nicht zu sehr zu berühren. Wie bei den Dunkelheiten ist es auch eine gute Idee, die sonnenbeschienenen Bereiche miteinander zu verbinden. Ich habe ein paar Flachpinsel-Details auf dem Dach und ein paar Mauerarbeiten gemacht, indem ich die Kanten der Wand in Bodennähe verschmutzt habe. Es folgte das Hinzufügen einiger Details an den Rändern der Schatten mit einem trockenen Pinsel. Ich habe kleine spezifische Bereiche abgedunkelt, damit Dinge wie Schatten um die Kleidung und das Fenster hinter der Kuh hervortreten können. Um die Kühe in das Bild zu integrieren, habe ich hinter den Kühen auf der Hintergrundwand ein Verbindungsmuster angebracht.

Schritt 6 – Letzte Details
Ich finde, dass dies eine kritische Phase ist, aber es ist auch eine sehr befriedigende Phase, wenn ich mit der bisherigen Anstrengung zufrieden bin. Es ist sehr einfach, den Brennpunkt zu überarbeiten und zu zerstreuen. Es ist auch sehr einfach zu unterarbeiten und das Gemälde unfertig und gewöhnlich aussehen zu lassen. Ich habe den Himmel hinzugefügt. Ich habe einen Rigger-Pinsel verwendet, um an einigen Stellen Linien hinzuzufügen, um die Perspektive zu betonen und die Aufmerksamkeit des Betrachters auf einen gewünschten Bereich zu lenken. Ich habe sparsam verwendet Titanweiß und Neapel Gelb um Bereichen an der Grenze von Licht und Schatten Glanz zu verleihen. Ich fügte Stangen und einige vertikale Elemente hinzu, um das Drama zu verstärken. Dann spritzte ich reines Wasser und sprühte Farbe mit einem Ölmalpinsel, um es nicht zu übertreiben. Und das ist es!

Fauler Nachmittag im Indian Summer von Sanjay Desai

Das ist es nicht ganz. Ich ging für ein paar Minuten von dem Gemälde weg, kam zurück, setzte mich hin und betrachtete es. Vielleicht hätte der Hintergrund des Gebäudes auf der Rückseite besser sein können. Hat das Gemälde zu viel Kontrast? Die Lage hatte viel Kontrast. Es war Sommer. Schatten sind scharf und dunkel in Indien. Aber dennoch…. hätte ich das Malen gelb statt rot machen können? Hätte ich den Horizont absenken und die Perspektive erweitern können, um die Gebäude und die Kühe imposanter erscheinen zu lassen? Vielleicht … der einzige Weg, das herauszufinden, ist, all diese Dinge an einem anderen Tag auszuprobieren.

Sanjay Desai beim Malen in seinem Atelier.