Buster es un pequeño caballo cuarto de milla que fotografié en un espectáculo en el recinto ferial local. Tenía una cadena de cintas en el frente de su puesto y una etiqueta de nombre muy larga y complicada que terminaba en "AKA Buster". Cuando tomé la foto, Buster estaba parado en su puesto, un poco cansado y preparándose para una siesta.

Si bien la foto original capturó bastante del cuello de Buster, decidí recortarla para obtener un retrato centrado en su rostro dulce y ojos suaves. En lugar de tratar de hacer coincidir su color, quería aumentar un poco el contraste y traer tonos de azul y púrpura que jugaran con sus tonos rojos. También quería una pintura que pareciera bastante detallada, pero que no tuviera mucha “letra pequeña”.

Para capturar el retrato de tamaño natural, elegí media hoja (15” x 22”) de 140 libras. papel de acuarela prensado en frío. Mi paleta de colores era limitada: Ultramar francés, Azul cobalto, Púrpura imperial, Siena natural, Amarillo Marte y Óxido rojo transparente. Hay toques de Verde savia en el fondo y una pequeña cantidad de Azul cobalto verde azulado también.

El primer paso para mí en cualquier retrato es pintar los ojos. Siento que si los ojos no están bien, la pintura terminada simplemente no funcionará, ¡así que es un buen lugar para comenzar! A partir de ahí, pintaré hacia las orejas y el hocico. Dado que se trata de un recorte tan apretado, el centro de interés típico de orejas/ojos/hocico no es visible, por lo que el ojo realmente tiene que llevar la pintura.

El ojo de Buster comienza con un lavado general de Transparent Red Oxide y Mars Yellow. French Ultramarine e Imperial Purple se dejan caer a lo largo del borde inferior, en el extremo izquierdo, y se difuminan en las pestañas. La pupila está renderizada ya que el lavado está casi seco. Raramente uso líquido para enmascarar; la mayoría de los blancos están reservados, o usaré un crayón blanco para crear una línea suave y discontinua. También puedo volver al blanco o casi blanco durante las primeras etapas de una pieza, ya que trato de evitar el uso de pigmentos colorantes hasta que la pintura está casi completa. Se usa un poco de Cobalt Teal en el lado derecho del resaltado blanco para darle profundidad.

Mientras el colirio todavía está ligeramente húmedo, empiezo a señalar el párpado superior. Quiero una transición suave entre los dos. Por lo general, trabajo de seco a seco y uso una brocha limpia y húmeda para suavizar los bordes y "mezclar" los colores. Una vez que el globo ocular está seco, se agrega el blanco del ojo. Al igual que con los humanos, esto nunca es completamente blanco; Utilicé una mezcla ligera de azul cobalto y siena cruda para dar un gris suave y cálido. El rosa en el rabillo del ojo es Carmesí de alizarina permanente, agregó mientras el gris aún estaba húmedo para suavizarlo.

A medida que trabajo desde el ojo, comenzaré a construir la forma con lavados húmedos sobre húmedos más grandes. El párpado inferior a menudo tiene un aspecto un poco hinchado, por lo que las mezclas de colores se mantienen suaves. Las venas y los músculos que van desde la esquina interna del ojo hasta el punto medio de la cara suelen ser bastante pronunciados, por lo que tienen bordes más duros con mayor contraste. En este punto, los colores protagonistas siguen siendo French Ultramarine, Imperial Purple, Cobalt Blue y toques de Transparent Red Oxide.

Al sacar una mirada más amplia, puede ver que comencé a indicar las orejas y construir la forma de la cara. Teniendo en cuenta que el objetivo es impulsar los contrastes, estoy enfatizando intencionalmente las áreas de sombra. En esta etapa, también comencé a usar Raw Sienna y Mars Yellow para calentarme. La parte blanca de la cara tiene muy poco blanco “limpio”; la mayor parte es una mezcla de Raw Sienna y Cobalt Blue. El aspecto moteado del fondo se hizo con un chorro de agua, ya que esa sección estaba casi seca. También comencé a indicar la mandíbula inferior, en la esquina inferior derecha. El valor general aún no es una preocupación; todavía se trata de dibujar la forma.

¿Te das cuenta de que he torcido una de las reglas de composición? El centro de interés no debería estar en el centro literal de la pintura, pero su ojo está muy cerca del centro de arriba a abajo. Sin embargo, si tuviera que dividir la pintura en tercios verticalmente, está a la derecha del centro. Su resplandor blanco y el fondo oscuro son elementos fuertes en el lado izquierdo de la pintura, lo que ayuda a equilibrar el ojo detallado. Entonces, las reglas se pueden empujar un poco, si se hace con intención.

Permítanme tomarme un momento para disipar un mito sobre la acuarela. A menudo escuchará "no se puede cambiar nada una vez que el lavado está seco". Bueno, mientras no haya usado pigmentos de tinción, ¡hay mucho espacio para hacer cambios! La primera pasada a la oreja de Buster no solo parecía demasiado embarrada, sino también más detallada de lo que quería para esta pieza. Rocié el área con agua clara, la dejé reposar durante unos dos minutos y luego comencé a frotar con un cepillo viejo y semirrígido. Rara vez utilizo cepillos de estilo fregador, ya que pueden dañar el papel.

Cuando el papel comenzó a secarse, dejé caer un color bastante saturado: ultramar francés, púrpura imperial, óxido rojo transparente y un toque de amarillo de Marte. Un ligero chorro de agua y un poco de movimiento hacia adelante y hacia atrás hicieron que los colores se movieran y se mezclaran un poco. El cabello en la parte inferior de la oreja se indicó con un cepillo plano húmedo de ¼ ", levantando el lavado más oscuro.

Ahora estamos en lo que yo llamo la etapa de “choque de trenes”. Los elementos principales están en su lugar, pero las diferentes áreas no se mezclan y el mapa de valor está por todas partes. Como puede ver al comparar la foto de referencia, algunas áreas deben ser más claras, otras más oscuras y el cálido color castaño debe ser más prominente para equilibrar la frescura de los tonos oscuros. Esta puede ser una etapa muy frustrante y muchas pinturas se abandonan en este punto.

Si ha realizado estudios de valor o ha anotado su objetivo para la pintura, puede ayudarlo a mantenerse enfocado cuando las dudas comiencen a aparecer.

También quiero comentar mi foto de referencia. A veces trabajo con fotos de 4” x 6”, y otras veces amplío una foto para que coincida con el tamaño de la pintura. En este caso, tener la foto muy grande me ayuda a ver los diferentes planos de su rostro. No estoy tratando de hacer coincidir exactamente, puedes ver que le di más energía a su ojo, pero todavía estoy preocupado por la precisión de su estructura subyacente.

En este punto, he aplicado bastantes lavados oscuros a lo largo del lado derecho de la cara, mezclando la mejilla con la mandíbula inferior.

Para crear estas mezclas suaves, esperaré hasta que el lavado esté casi seco, luego entraré con una brocha plana de 1” ligeramente humedecida y arrastraré por el lavado. Esto crea cierta direccionalidad, que realza la forma y sugiere la piel.

El fondo moteado parecía demasiado pronunciado, así que comencé a lavarlo con capas ligeras de French Ultramarine y Transparent Red Oxide. También hay algo de Sap Green para indicar el exterior, en lugar del gris plano del establo de la referencia.

Los toques finales incluyen levantar un par de bigotes largos sobre el ojo y levantar un borde azul claro suave a lo largo de la parte superior del párpado inferior. Rocié un poco de agua en la esquina superior izquierda y pasé un cepillo apenas húmedo por la textura. Los toques de color más claro dan la impresión de hojas. Hice una comparación final con la referencia para asegurarme de que la estructura subyacente de la cara fuera correcta. Puedes tomarte mucha libertad con el color, el valor y la textura de una pintura, pero si buscas un retrato figurativo, ¡tiene que parecerse al sujeto!