Buster è un piccolo quarter horse che ho fotografato a una mostra al luna park locale. Aveva una serie di nastri davanti al box e una targhetta con un nome lunghissimo e complicato che terminava con "AKA Buster". Quando ho scattato la foto, Buster era in piedi nel suo box, un po' stanco e pronto per un pisolino.
Sebbene la foto originale mostrasse una buona parte del collo di Buster, ho deciso di ritagliarla per ottenere un ritratto incentrato sul suo dolce viso e sul suo occhio delicato. Invece di cercare di riprodurre il suo colore, volevo aumentare un po' il contrasto e introdurre sfumature di blu e viola che si abbinassero ai suoi toni rossi. Volevo anche un dipinto che sembrasse abbastanza dettagliato, ma senza troppi particolari.“
Per realizzare il ritratto a grandezza naturale, ho scelto un mezzo foglio (38 x 56 cm) di carta per acquerello a grana fine da 635 g/m². La mia tavolozza di colori era limitata: Marina francese ultramarina, Blu cobalto, Viola imperiale, Siena grezza, Giallo Marte E Ossido rosso trasparente. Ci sono tocchi di Verde linfa sullo sfondo e una piccola quantità di Blu cobalto turchese anche.
Il primo passo in assoluto per me in qualsiasi ritratto è dipingere gli occhi. Credo che se gli occhi non sono giusti, il dipinto finito non funzionerà, quindi è un buon punto di partenza! Da lì, dipingo verso le orecchie e il muso. Dato che si tratta di un'inquadratura così ravvicinata, il tipico punto focale costituito da orecchie, occhi e muso non è visibile, quindi l'occhio deve essere il vero protagonista del dipinto.
L'occhio di Buster inizia con una velatura generale di Ossido Rosso Trasparente e Giallo Marte. Blu Oltremare Francese e Viola Imperiale vengono applicati lungo il bordo inferiore, all'estrema sinistra, e sfumati nelle ciglia. La pupilla viene resa quando la velatura è quasi asciutta. Raramente uso il liquido mascherante; la maggior parte del bianco viene riservata, oppure utilizzo un pastello bianco per creare una linea morbida e spezzata. Sono anche in grado di schiarire fino al bianco o quasi bianco nelle prime fasi di un'opera, poiché cerco di evitare di usare pigmenti coloranti finché il dipinto non è quasi completato. Una piccola quantità di Blu Cobalto viene utilizzata sul lato destro del punto luce bianco per dargli profondità.
Mentre il collirio è ancora leggermente umido, inizio a delineare la palpebra superiore. Voglio una transizione morbida tra le due. In genere lavoro asciutto su asciutto e uso un pennello pulito e umido per ammorbidire i bordi e "mescolare" i colori insieme. Una volta che il bulbo oculare è asciutto, si aggiunge il bianco dell'occhio. Come per gli esseri umani, questo non è mai completamente bianco; ho usato una leggera miscela di blu cobalto e terra di Siena naturale per dare un grigio morbido e caldo. Il rosa nell'angolo dell'occhio è Rosso Alizarina Permanente, aggiunto mentre il grigio era ancora umido per ammorbidirlo.
Partendo dall'occhio, inizio a definire la forma con ampie pennellate bagnato su bagnato. La palpebra inferiore spesso appare leggermente gonfia, quindi le sfumature di colore vengono mantenute morbide. Le vene e i muscoli che vanno dall'angolo interno dell'occhio fino al punto medio del viso sono in genere piuttosto pronunciati, quindi presentano contorni più netti e un contrasto maggiore. A questo punto, i colori principali continuano ad essere Blu oltremare francese, Viola imperiale, Blu cobalto e tocchi di Ossido di ferro rosso trasparente.
Allargando l'inquadratura per una visione più ampia, si può notare che ho iniziato a delineare le orecchie e a delineare la forma del viso. Tenendo presente che l'obiettivo è accentuare i contrasti, sto intenzionalmente enfatizzando le zone d'ombra. In questa fase, ho anche iniziato ad aggiungere terra di Siena naturale e giallo Marte per dare calore. La parte bianca del viso ha pochissimo bianco "pulito"; la maggior parte è un mix di terra di Siena naturale e blu cobalto. L'effetto maculato sullo sfondo è stato realizzato con uno spruzzo d'acqua poiché quella sezione era quasi asciutta. Ho anche iniziato a delineare la mandibola, nell'angolo in basso a destra. Il valore tonale complessivo non è ancora una priorità; l'obiettivo è ancora disegnare la forma.
Avete notato che ho infranto una delle regole della composizione? Il punto focale non dovrebbe trovarsi letteralmente al centro del dipinto, eppure il suo occhio è molto vicino al centro, dall'alto verso il basso. Se però dividessimo il dipinto in terzi verticalmente, si troverebbe a destra del centro. La sua fiammata bianca e lo sfondo scuro sono elementi di forte impatto sul lato sinistro del dipinto, che contribuiscono a bilanciare la ricchezza di dettagli dell'occhio. Quindi, le regole possono essere un po' forzate, se fatte con intenzione.
Permettetemi di sfatare un mito sull'acquerello. Sentirete spesso dire "non si può cambiare nulla una volta che la velatura è asciutta". Beh, a patto di non aver usato pigmenti che macchiano, c'è un ampio margine di modifica! Il primo tentativo di dipingere l'orecchio di Buster non solo risultava troppo fangoso, ma anche più dettagliato di quanto desiderassi per quest'opera. Ho spruzzato dell'acqua pulita sulla zona, l'ho lasciata agire per circa due minuti, poi ho iniziato a strofinare con un vecchio pennello semirigido. Raramente uso pennelli a setole dure perché possono danneggiare la carta.
Non appena la carta ha iniziato ad asciugarsi, ho aggiunto delle gocce di colore piuttosto saturo: blu oltremare francese, porpora imperiale, ossido di ferro rosso trasparente e un tocco di giallo Marte. Una leggera spruzzata d'acqua e qualche movimento avanti e indietro hanno fatto sì che i colori si muovessero e si mescolassero un po'. I peli nella parte inferiore dell'orecchio sono stati delineati con un pennello piatto da ¼” inumidito, schiarendo la velatura più scura.
Ora ci troviamo in quella che io chiamo la fase del "disastro". Gli elementi principali sono presenti, ma le diverse aree non si fondono tra loro e la mappa dei valori tonali è completamente sballata. Come si può notare confrontando con la foto di riferimento, alcune aree devono essere più chiare, altre più scure, e il caldo color castagna dovrà essere più evidente per bilanciare la freddezza dei toni scuri. Questa può essere una fase molto frustrante, e molti dipinti vengono abbandonati proprio in questa fase.
Se hai effettuato degli studi di valore tonale o hai messo per iscritto il tuo obiettivo per il dipinto, questo può aiutarti a rimanere concentrato quando iniziano a insinuarsi i dubbi.
Vorrei anche fare un commento sulla mia foto di riferimento. A volte lavoro partendo da foto di 10 x 15 cm, altre volte ingrandisco una foto per adattarla il più possibile alle dimensioni del dipinto. In questo caso, avere la foto molto grande mi aiuta a vedere i diversi piani del suo viso. Non sto cercando di riprodurlo alla perfezione – si può notare che ho dato più energia al suo occhio – ma mi interessa comunque che la struttura di base sia accurata.
A questo punto, ho steso diverse velature scure lungo il lato destro del viso, sfumando la guancia verso la mascella inferiore.
Per creare queste sfumature delicate, aspetto che la pittura sia quasi asciutta, poi passo un pennello piatto da 2,5 cm leggermente inumidito sulla superficie. Questo crea direzionalità, che esalta la forma e suggerisce la texture della pelle.
Lo sfondo punteggiato sembrava troppo pronunciato, quindi ho iniziato a coprirlo con leggere velature di blu oltremare francese e ossido di ferro rosso trasparente. Ho aggiunto anche del verde linfa per indicare l'ambiente esterno, al posto del grigio piatto della stalla del quadro di riferimento.
Gli ultimi ritocchi includono l'aggiunta di un paio di lunghi baffi sopra l'occhio e la creazione di un delicato bordo azzurro lungo la parte superiore della palpebra inferiore. Ho spruzzato un po' d'acqua sull'angolo superiore sinistro e vi ho passato un pennello appena umido per dare texture. I tocchi di colore più chiaro danno l'impressione di foglie. Ho fatto un ultimo confronto con il riferimento per assicurarmi che la struttura di base del viso fosse corretta. In un dipinto ci si può prendere molta libertà con il colore, il valore tonale e la texture, ma se si vuole realizzare un ritratto figurativo, deve assomigliare al soggetto!
