Buster es un pequeño caballo cuarto de milla al que fotografié en una exhibición en el recinto ferial local. Tenía una hilera de cintas en la parte delantera de su establo y una placa de identificación muy larga y complicada que terminaba en "También conocido como Buster". Cuando tomé la foto, Buster estaba de pie en su establo, un poco cansado y preparándose para una siesta.
Aunque la foto original mostraba gran parte del cuello de Buster, decidí recortarla para obtener un retrato centrado en su dulce rostro y su mirada tierna. En lugar de intentar igualar su color, quise aumentar un poco el contraste e incorporar tonos azules y morados que contrastaran con sus tonos rojizos. También buscaba una pintura con bastante detalle, pero sin demasiados elementos superfluos.“
Para capturar el retrato a tamaño natural, elegí media hoja (15” x 22”) de papel de acuarela de 140 lb. prensado en frío. Mi paleta de colores era limitada: Ultramar francés, Azul de cobalto, Púrpura Imperial, Siena natural, Marte amarillo y Óxido rojo transparente. Hay toques de Verde savia en el fondo y una pequeña cantidad de Azul verdoso cobalto también.
Para mí, el primer paso en cualquier retrato es pintar los ojos. Siento que si los ojos no están bien pintados, el cuadro final simplemente no funcionará, ¡así que es un buen punto de partida! A partir de ahí, pinto hacia las orejas y el hocico. Como este encuadre es tan cerrado, el típico centro de atención (orejas, ojos y hocico) no es visible, por lo que los ojos tienen que ser el elemento principal del cuadro.
El ojo de Buster comienza con una capa general de óxido rojo transparente y amarillo Marte. Se aplican azul ultramar francés y púrpura imperial a lo largo del borde inferior, el extremo izquierdo, y se difuminan en las pestañas. La pupila se pinta cuando la capa está casi seca. Rara vez uso líquido de enmascarar; reservo la mayoría de los blancos, o uso un lápiz blanco para crear una línea suave y discontinua. También puedo volver al blanco o casi al blanco durante las primeras etapas de una obra, ya que trato de evitar el uso de pigmentos que tiñen hasta que la pintura esté casi terminada. Se usa una pizca de verde azulado cobalto en el lado derecho del brillo blanco para darle profundidad.
Mientras el colirio aún está ligeramente húmedo, empiezo a marcar el párpado superior. Quiero una transición suave entre ambos. Normalmente trabajo de seco a seco y uso un pincel limpio y húmedo para suavizar los bordes y mezclar los colores. Una vez que el globo ocular está seco, se añaden las escleróticas. Al igual que en los humanos, nunca son completamente blancas; usé una mezcla ligera de azul cobalto y siena natural para dar un gris suave y cálido. El rosa en el rabillo del ojo es Carmesí de alizarina permanente, añadido mientras el gris aún estaba húmedo para suavizarlo.
A medida que avanzo desde el ojo, empiezo a dar forma con veladuras húmedas más amplias. El párpado inferior suele tener un aspecto ligeramente hinchado, por lo que las mezclas de color se mantienen suaves. Las venas y los músculos que van desde el ángulo interno del ojo hasta el centro del rostro suelen ser bastante pronunciados, por lo que presentan bordes más definidos con mayor contraste. En este punto, los colores principales siguen siendo azul ultramar francés, púrpura imperial, azul cobalto y toques de óxido rojo transparente.
Al alejarme para una vista más amplia, se puede ver que he comenzado a indicar las orejas y a construir la forma del rostro. Teniendo en cuenta que el objetivo es acentuar los contrastes, estoy enfatizando intencionalmente las áreas de sombra. En esta etapa, también he comenzado a incorporar Siena Natural y Amarillo Marte para dar calidez. La parte blanca del rostro tiene muy poco blanco "puro"; la mayor parte es una mezcla de Siena Natural y Azul Cobalto. El efecto moteado en el fondo se logró con un poco de agua, ya que esa sección estaba casi seca. También he comenzado a indicar la mandíbula inferior, en la esquina inferior derecha. El valor general aún no es una preocupación; todavía se trata de dibujar la forma.
¿Te das cuenta de que he infringido una de las reglas de composición? El punto focal no debería estar justo en el centro del cuadro, pero su ojo se encuentra muy cerca del centro de arriba abajo. Sin embargo, si dividiéramos el cuadro en tercios verticalmente, estaría a la derecha del centro. Su resplandor blanco y el fondo oscuro son elementos fuertes en el lado izquierdo del cuadro, lo que ayuda a equilibrar el detalle del ojo. Así que, si se hace con intención, se pueden flexibilizar un poco las reglas.
Permítanme desmentir un mito sobre la acuarela. A menudo se oye decir: “Una vez seca la capa, no se puede cambiar nada”. Pues bien, siempre que no se hayan usado pigmentos que tiñan, ¡hay mucho margen para hacer cambios! El primer trazo en la oreja de Buster no solo se veía demasiado turbio, sino también más detallado de lo que quería para esta obra. Apliqué agua limpia en la zona, la dejé reposar unos dos minutos y luego empecé a frotar con un pincel viejo y semirrígido. Rara vez uso pinceles de este tipo, ya que pueden dañar el papel.
Mientras el papel comenzaba a secarse, apliqué colores bastante saturados: azul ultramar francés, púrpura imperial, óxido rojo transparente y un toque de amarillo Marte. Un ligero rocío de agua y algunos movimientos de vaivén hicieron que los colores se mezclaran ligeramente. El pelo en la base de la oreja se marcó con un pincel plano húmedo de 6 mm, retirando la capa más oscura.
Ahora nos encontramos en lo que yo llamo la etapa del "desastre". Los elementos principales están presentes, pero las distintas áreas no se integran bien y la paleta de valores es caótica. Como se puede apreciar al comparar con la foto de referencia, algunas áreas deben ser más claras, otras más oscuras, y el cálido color castaño deberá ser más prominente para equilibrar la frialdad de los tonos oscuros. Esta puede ser una etapa muy frustrante, y muchas pinturas se abandonan en este punto.
Si has realizado estudios de valores tonales o has anotado tu objetivo para la pintura, puede ayudarte a mantenerte concentrado cuando empiecen a surgir las dudas.
También quiero comentar sobre mi foto de referencia. A veces trabajo con fotos de 10 x 15 cm, y otras veces amplío una foto para que se ajuste lo más posible al tamaño de la pintura. En este caso, tener la foto muy grande me ayuda a ver los diferentes planos de su rostro. No intento que sea una copia exacta —se puede ver que le di más intensidad a su ojo—, pero me preocupa la precisión de su estructura subyacente.
En este punto, he aplicado varias capas oscuras a lo largo del lado derecho del rostro, difuminando la mejilla con la mandíbula inferior.
Para crear estas suaves mezclas, espero hasta que la pintura esté casi seca, luego uso una brocha plana de 2,5 cm ligeramente húmeda y la deslizo sobre la pintura. Esto crea cierta direccionalidad, lo que realza la forma y sugiere la textura del cuero.
El fondo moteado parecía demasiado marcado, así que empecé a aplicar capas ligeras de azul ultramar francés y óxido rojo transparente. También añadí verde savia para representar el exterior, en lugar del gris plano del puesto de la imagen de referencia.
Los últimos retoques incluyen levantar un par de bigotes largos sobre el ojo y un suave borde azul claro a lo largo del párpado inferior. Rocié un poco de agua en la esquina superior izquierda y pasé un pincel apenas húmedo para darle textura. Los toques de color más claro dan la impresión de hojas. Hice una última comparación con la imagen de referencia para asegurarme de que la estructura subyacente del rostro fuera correcta. En una pintura se puede tener mucha libertad con el color, el valor y la textura, pero si se trata de un retrato figurativo, ¡tiene que parecerse al sujeto!
