Buster est un petit quarter horse que j'ai photographié lors d'un concours à la foire locale. Il avait une guirlande de rubans sur le devant de son box et une étiquette avec un nom très long et compliqué qui se terminait par “ alias Buster ”. Au moment où j'ai pris la photo, Buster était debout dans son box, un peu fatigué et prêt à faire une sieste.
Bien que la photo originale montre une bonne partie du cou de Buster, j'ai décidé de recadrer pour obtenir un portrait centré sur son doux visage et son regard tendre. Plutôt que de chercher à reproduire sa couleur, j'ai voulu accentuer le contraste et ajouter des nuances de bleu et de violet qui mettraient en valeur ses tons rouges. Je souhaitais également une peinture assez détaillée, mais sans trop de détails.“
Pour réaliser ce portrait grandeur nature, j'ai choisi une demi-feuille (38 x 56 cm) de papier aquarelle 300 g/m² à grain fin. Ma palette de couleurs était limitée : Outremer français, Bleu cobalt, Violet impérial, Sienne naturelle, Jaune de Mars et Oxyde rouge transparent. Il y a des touches de Vert de sève en arrière-plan et une petite quantité de Bleu sarcelle cobalt aussi.
La toute première étape de mon portrait est de peindre les yeux. Je suis convaincue que si les yeux ne sont pas réussis, le tableau final ne fonctionnera pas ; c’est donc un point de départ essentiel ! Ensuite, je peins vers les oreilles et le museau. Le cadrage étant très serré, le centre d’intérêt habituel (oreilles, yeux, museau) n’est pas visible ; l’œil doit donc véritablement porter l’attention du spectateur.
L'œil de Buster est d'abord peint avec un lavis général d'oxyde de fer rouge transparent et de jaune de Mars. Du bleu outremer français et du violet impérial sont ensuite appliqués par petites touches le long du bord inférieur, à l'extrême gauche, et estompés dans les cils. La pupille est dessinée lorsque le lavis est presque sec. J'utilise rarement du liquide de masquage ; la plupart des blancs sont réservés, ou bien j'utilise un crayon blanc pour créer un trait doux et discontinu. Je peux également estomper jusqu'au blanc ou presque blanc tout au long des premières étapes de la réalisation, car j'essaie d'éviter d'utiliser des pigments colorants jusqu'à ce que la peinture soit presque terminée. Une pointe de bleu cobalt est utilisée sur le côté droit de la zone blanche rehaussée pour lui donner de la profondeur.
Tant que le fard à paupières est encore légèrement humide, je commence à dessiner la paupière supérieure. Je souhaite une transition douce entre les deux. Je travaille généralement à sec sur sec et j'utilise un pinceau propre et humide pour estomper les contours et fondre les couleurs. Une fois le globe oculaire sec, j'ajoute le blanc de l'œil. Comme chez l'humain, le blanc n'est jamais totalement blanc ; j'ai utilisé un mélange léger de bleu cobalt et de terre de Sienne naturelle pour obtenir un gris doux et chaud. Le rose au coin de l'œil est… Alizarine cramoisie permanente, ajouté alors que le gris était encore humide pour l'adoucir.
En travaillant à partir de l'œil, je commence à modeler le volume avec de larges lavis mouillés sur mouillés. La paupière inférieure ayant souvent un aspect légèrement gonflé, les dégradés de couleurs restent doux. Les veines et les muscles qui s'étendent du coin interne de l'œil jusqu'au milieu du visage sont généralement assez marqués ; on privilégie donc des contours plus nets et un contraste plus élevé. À ce stade, les couleurs principales restent le bleu outremer français, le violet impérial, le bleu cobalt et quelques touches d'oxyde de fer rouge transparent.
En prenant du recul pour une vue d'ensemble, on peut voir que j'ai commencé à esquisser les oreilles et à dessiner les contours du visage. Sachant que l'objectif est d'accentuer les contrastes, je souligne volontairement les zones d'ombre. À ce stade, j'ai également commencé à intégrer de la terre de Sienne naturelle et du jaune de Mars pour apporter de la chaleur. La partie blanche du visage contient très peu de blanc pur ; il s'agit principalement d'un mélange de terre de Sienne naturelle et de bleu cobalt. L'effet moucheté du fond a été obtenu en vaporisant un peu d'eau, car cette zone était presque sèche. J'ai également commencé à esquisser la mâchoire inférieure, dans le coin inférieur droit. La valeur globale n'est pas encore une préoccupation ; il s'agit pour l'instant de dessiner les formes.
Avez-vous remarqué que j'ai légèrement transgressé une règle de composition ? Le centre d'intérêt ne devrait pas se situer au centre même du tableau, or son œil est très proche du centre vertical. Si l'on divise le tableau en trois parties égales verticalement, il se trouve à droite du centre. Son regard lumineux et le fond sombre sont des éléments marquants sur la gauche du tableau, ce qui contribue à équilibrer le regard détaillé. On peut donc s'affranchir un peu des règles, pourvu que ce soit intentionnel.
Permettez-moi de dissiper un mythe concernant l'aquarelle. On entend souvent dire qu'“ une fois lavis sec, on ne peut plus rien modifier ”. Or, tant que vous n'avez pas utilisé de pigments colorants, vous avez une grande marge de manœuvre ! Le premier passage sur l'oreille de Buster était non seulement trop brouillé, mais aussi plus détaillé que je ne le souhaitais pour cette illustration. J'ai donc passé un pinceau à l'eau claire sur la zone, laissé agir deux minutes environ, puis frotté avec un vieux pinceau semi-rigide. J'utilise rarement ce type de pinceau car il peut abîmer le papier.
Alors que le papier commençait à sécher, j'ai déposé des couleurs assez saturées : bleu outremer français, violet impérial, oxyde de fer rouge transparent et une pointe de jaune de Mars. Quelques vaporisations d'eau et un léger mouvement de va-et-vient ont permis aux couleurs de se mélanger légèrement. J'ai esquissé les poils à la base de l'oreille avec un pinceau plat humide de 6 mm, en estompant les lavis les plus foncés.
Nous voici maintenant dans ce que j'appelle la phase “ catastrophe ”. Les éléments principaux sont en place, mais les différentes zones ne s'harmonisent pas et la carte des valeurs est incohérente. Comme vous pouvez le constater en comparant avec la photo de référence, certaines zones doivent être éclaircies, d'autres assombries, et la couleur châtaigne chaude devra être davantage présente pour contrebalancer la froideur des tons foncés. Cette étape peut être très frustrante, et de nombreuses toiles sont abandonnées à ce stade.
Si vous avez effectué des études de valeurs ou si vous avez noté votre objectif pour la peinture, cela peut vous aider à rester concentré lorsque les doutes commencent à s'insinuer.
Je souhaite également commenter ma photo de référence. Je travaille parfois à partir de photos de 10 x 15 cm, et d'autres fois, j'agrandis une photo pour qu'elle corresponde au format de la peinture. Dans ce cas précis, le fait d'avoir une photo très grande me permet de mieux distinguer les différents plans de son visage. Je ne cherche pas à reproduire exactement – on voit que j'ai accentué le regard – mais je reste attentive à la justesse de sa structure sous-jacente.
À ce stade, j'ai appliqué plusieurs lavis foncés sur le côté droit du visage, en estompant la joue vers la mâchoire inférieure.
Pour obtenir ces dégradés subtils, j'attends que le lavis soit presque sec, puis j'applique la peinture avec un pinceau plat de 2,5 cm légèrement humide. Cela crée une directionnalité qui accentue le volume et suggère la peau.
Le fond moucheté paraissait trop marqué, alors j'ai commencé à le recouvrir de fines couches d'outremer français et d'oxyde de fer rouge transparent. J'ai également utilisé du vert sapin pour représenter l'extérieur, au lieu du gris uni de l'étal du modèle original.
Les dernières retouches consistent à souligner quelques longs poils au-dessus de l'œil et à souligner un fin liseré bleu clair le long de la paupière inférieure. J'ai vaporisé un peu d'eau dans le coin supérieur gauche et j'y ai passé un pinceau à peine humide pour créer de la texture. Les touches de couleur plus claire évoquent des feuilles. J'ai effectué une dernière comparaison avec le modèle pour m'assurer de la justesse de la structure du visage. On peut se permettre une grande liberté avec les couleurs, les valeurs et les textures en peinture, mais pour un portrait figuratif, la ressemblance avec le sujet est primordiale !
