L'activité californienne d'aquarelle des années 1920 aux années 1950 représente une contribution régionale vivante et innovante à l'image nationale. Le soi-disant mouvement d'aquarelle de style californien était un groupe d'artistes informel mais très uni basé principalement dans le sud de la Californie. Le plus connu d'entre eux est Millard Sheets, dont les aquarelles de la scène locale réalisées à la fin des années 1920 encouragent d'autres jeunes artistes, dont plusieurs sont affiliés à l'École d'art Chouinard, à suivre son exemple. Parmi eux se trouvaient Phil Dike, Rex Brandt, Barse Miller, Emil Kosa, Jr., Phil Paradise et Paul Sample. Presque tous sont devenus actifs au sein de la California Watercolour Society, qui a été fondée en 1921 et a monté des expositions locales et itinérantes qui ont rehaussé le profil du groupe à l'échelle nationale. Le précoce Millard Sheets, toujours l'un des noms les plus connus de l'histoire de l'art californien, a été le premier du groupe à jouir d'une réputation nationale significative, et sa première visibilité a contribué à attirer l'attention sur ses associés et sur leur médium choisi.

Le médium aquarelle convenait parfaitement aux objectifs et au style de vie de Sheets et de son entourage. Comme plusieurs générations avant eux l'avaient reconnu, les aquarelles étaient peu coûteuses et très portables, parfaites pour les jeunes artistes qui aimaient voyager et peindre à l'extérieur. De plus, comme le montre l'exemple de modernistes tels que John Marin, le médium était bien adapté à des approches plus réductrices et gestuelles du sujet. Entre les mains des peintres de scènes californiens, l'aquarelle a facilité un style direct, apparemment sans effort, qui a capturé le soleil brillant et l'atmosphère décontractée du sud de la Californie. En même temps, la grande échelle de ces aquarelles - généralement plus de deux pieds de large non encadrées - annonçait que leurs auteurs les entendaient comme des œuvres sérieuses, dignes d'exposition et de vente. Ces artistes prenaient le médium très au sérieux.

Les qualités affichées dans les aquarelles des artistes californiens reflètent également les tendances stylistiques et culturelles nationales. Ceux-ci comprenaient le penchant pour le réalisme et le contenu local, une caractéristique des peintres de la scène américaine et des régionalistes du Midwest, notamment Grant Wood et Thomas Hart Benton. Cette tentative de s'enraciner dans le sol de l'art local était également partagée par certains des modernistes, dont Georgia O'Keeffe, John Marin et Marsden Hartley. Le plaisir des peintres de style californien à capturer des moments fugaces de la vie quotidienne doit également beaucoup aux réalistes urbains du début du XXe siècle, tels que Robert Henri, George Bellows et plus tard Reginald Marsh. Et tandis que les aquarellistes évitaient l'abstraction pure, ils adoptaient néanmoins des approches plus stylisées et vigoureuses qui convenaient à leurs objectifs. Pour la plupart, cependant, l'adaptation de diverses caractéristiques modernistes est restée littéralement à la surface, allant rarement plus loin. Les artistes étaient principalement attirés par de nouveaux moyens techniques et stylistiques pour produire des effets visuels audacieux, vivants et directs.

Les aquarellistes californiens ont évolué à partir de la longue et riche tradition paysagère de l'État, qui a capitalisé sur les vues pittoresques abondantes de la région et le climat idéal pour peindre à l'extérieur. Parmi les aquarellistes californiens du début du XXe siècle à travailler dans cette tradition du plein air, il y avait Francis McComas, qui est arrivé en Californie du Sud au début des années 1900. Il a apporté à son travail une simplification qui a créé des relations sophistiquées et formelles évoquant un sens des qualités abstraites des paysages désertiques. Cependant, son approche essentielle de l'aquarelle suivait les traditions anglaises de longue date de l'aquarelle, dans lesquelles les formes étaient délimitées, souvent au crayon, puis peintes dans ce qui équivalait à des contours. Cette méthode était également la technique d'aquarelle courante dans le sud de la Californie par les premiers praticiens, comme en témoignent les lavis relativement pâles et contrôlés utilisés par F. Tolles Chamberlin qui, en tant qu'enseignant à la Chouinard Art School (plus tard Chouinard Art Institute, le précurseur de Cal Arts ), a encouragé Sheets et d'autres élèves à explorer le médium aquarelle. De nombreux aquarellistes californiens ont également démontré leur connaissance des traditions vénérées de l'aquarelle en Asie. Un groupe restreint mais important d'artistes américains d'origine asiatique travaillait à la fois dans le sud et dans le nord de la Californie, s'inspirant directement de leur héritage asiatique à divers degrés.

Deux des principales personnalités du sud de la Californie étaient Hideo Date et Tyrus Wong, qui opéraient tous deux au sein du cercle de Stanton MacDonald Wright. Dans le nord de la Californie, Chiura Obata s'est forgé une réputation majeure pour ses aquarelles et ses peintures à l'huile à grande échelle qui l'ont conduit à un poste à la faculté d'art de l'UC Berkeley. Né à San Francisco, l'aquarelliste sino-américain Dong Kingman a passé une grande partie de sa jeunesse à Hong Kong, où il a maîtrisé la calligraphie et une approche expressive et apparemment spontanée de l'aquarelle, souvent associée à la peinture à l'encre asiatique, qu'il a incorporée dans son propre style fantaisiste. . Réputé pour ses aquarelles tour de force de scènes urbaines, Kingman était le plus éminent aquarelliste du nord de la Californie associé au style californien du sud. Alors que le groupe du nord devenait encore plus fortement influencé par le modernisme, les deux mouvements régionaux partageaient encore moins de chevauchements stylistiques et sociaux.

Les aquarellistes du style californien et de l'école de Berkeley étaient différents et, en fait, avaient très peu à voir les uns avec les autres. Le mouvement du nord de la Californie, basé à UC Berkeley, a été fortement influencé par l'artiste invité Hans Hoffmann, un expressionniste proto-abstrait. Ce style quasi-moderniste, né à l'université, a pris le caractère d'une réponse académique quelque peu prudente aux enseignements de Hoffmann: en particulier la valeur de la ligne à part entière, pas seulement comme définissant la forme et le contour, et les plans de couleur indépendants du contour. Worth Ryder, John Haley, Karl Kasten et Erle Loran étaient les principaux praticiens et, en tant qu'artistes universitaires, le style qu'ils ont adopté a exercé une influence considérable sur l'aquarelle dans la région de la baie de San Francisco. Selon Kasten, les différences d'approche de l'aquarelle ont créé un «schisme» entre le nord et le sud. L'école de Berkeley a privilégié la couleur «ouverte» et la ligne indépendante. Les artistes de California Style ont utilisé une approche «fermée», avec des sujets tirés du paysage du sud et de la scène urbaine rendus avec des couleurs locales naturelles. Le travail plus moderniste du nord, avec ses références à l'Europe, a établi l'Université de Californie comme une présence artistique importante bien au-delà des collines de Berkeley. Mais certains aquarellistes du Nord étaient mécontents de ce qu'ils considéraient comme une domination académique de leur domaine.

Ces deux directions ont dominé l'aquarelle californienne pendant plusieurs décennies. Et les nombreux praticiens participant au monde contemporain actif de la National Watercolour Society et des groupes professionnels apparentés s'inspirent de ces traditions, tant au nord qu'au sud. Beaucoup d'entre eux ont établi des carrières de premier plan basées sur une approche narrative généralement conservatrice et facilement accessible employant des compétences d'illustration très développées. Cependant, l'aquarelle reste un médium stimulant et enrichissant pour les artistes aux intérêts très différents. On peut admirer la virtuosité technique des régionalistes californiens et de leurs héritiers, mais on reconnaît aussi que cette admirable facilité est aussi mise au service d'autres artistes contemporains, comme le photo-réaliste Robert Bechtle, dont les sujets manifestent la même attirance pour une matière évocatrice. spécificité du lieu, malgré des objectifs artistiques très variés.

Mais pour tous ces artistes, il y a un respect sous-jacent pour la difficulté et les qualités expressives uniques du médium. L'avenir préservera ce lieu privilégié du travail de l'aquarelle. Certains artistes poursuivront la tradition américaine établie par les plus grands praticiens de l'histoire - Winslow Homer, Thomas Eakins et John Singer Sargent. Mais ce n'est vraiment ni une question de progrès ni de zèle compétitif. Sheets, Marin, Kosa et une foule d'autres stars de l'aquarelle du XXe siècle n'ont pas cherché à surpasser ces maîtres reconnus. Mais c'est finalement un profond respect pour le médium et pour ses premiers mentors qui fait de l'aquarelle une sorte de communauté artistique éloignée d'autres considérations stylistiques. C'est peut-être comme un club, une société presque secrète, dans laquelle les initiés, tant les traditionalistes que les expérimentateurs contemporains, reconnaissent que l'aquarelle occupe une histoire singulière et une identité esthético-expressive impossible à dupliquer. Il y a une raison pour laquelle ils le choisissent.

Le Dr Paul J. Karlstrom, ancien directeur régional de la côte ouest des Archives of American Art, Smithsonian Institute, a écrit cet article en 2009 sur son essai pour l'exposition du Hood Museum of Art "Coastline to Skyline". 

Motifs d'horizon – Aquarelle sur fusain (22,5 x 30″) par Emil Kosa Jr., 1959