Alors, qu'est-ce que la peinture « expressive » ?

Eh bien, quand je pense à la peinture expressive, je pense aux fauves, aux expressionnistes, aux postimpressionnistes - des peintres comme Vincent Van Gogh, Henri Matisse, Pierre Bonnard et André Derain pour n'en nommer que quelques-uns. Des peintres qui ont décidé de ne pas tenir compte du réalisme et de s'exprimer à travers des couleurs et des compositions vives et non naturalistes.

Ce sont des artistes qui ont peint dans un style très personnel et subjectif. Bien sûr, les bases de la peinture doivent encore être apprises - comment mélanger les couleurs, comment composer une image, utiliser des valeurs claires et sombres pour attirer l'œil mais au-delà des bases, le peintre peut inventer sa propre approche. C'est pourquoi j'ai choisi de peindre dans un style « expressif ».

J'adore peindre avec de la peinture à l'huile succulente et j'aime particulièrement les couleurs vives que propose DANIEL SMITH :

Titane chamois
Teinte moyenne rouge de cadmium
Or vert
Hansa Jaune Moyen
Jaune indien
Jaune citron
Violet bleu clair
Alizarine permanente pourpre
Nuance de vert bleu phtalo
Quinacridone Rose
Blanc de Titane
Bleu outremer profond
Viridienne
Ocre jaune

J'aime avoir une version chaude et une version froide de chacune des couleurs primaires - bleu, rouge et jaune. Les médiums de peinture que j'ai choisis incluent: DANIEL SMITH Médium à peindre pour huiles et alkydes et DANIEL SMITH Huile de lin pressée à froid.

J'ai sélectionné un panneau de bois carré de 18″. J'adore la forme carrée des natures mortes florales, cela ajoute une touche moderne à la pièce. Mes pinceaux sont toujours des poils «brillants» ou des pinceaux synthétiques, suffisamment rigides pour résister aux coups de pinceau vigoureux. Je trouve que les pinceaux en cheveux naturels deviennent trop mous lorsqu'ils sont mouillés pour créer les coups de pinceau expressifs que je préfère. Je considère les coups de pinceau comme la personnalité du peintre et j'essaie de ne pas les lisser au fur et à mesure que j'ajoute de la peinture.

Mon inspiration est un simple arrangement floral que je crée habituellement à partir de fleurs d'épicerie (sauf en été où je peux trouver des fleurs au marché fermier local). J'envie ces régions du pays qui ont des réserves de fleurs fraîches toute l'année ! Je ne me soucie pas de l'arrangement, je choisis juste les fleurs qui m'émeuvent ce jour-là dans un des vases que je garde dans mon atelier. N'oubliez pas que la configuration de la nature morte est juste pour l'inspiration - pour susciter une idée, pas pour être reproduite de manière réaliste. Je garde dans mon atelier un étrange assortiment de vases, de nappes, de chutes et de tissus de brocante dont je m'inspire.

Avec mon plus gros pinceau, j'ai d'abord appliqué une fine sous-couche transparente de couleur diluée avec de l'essence minérale inodore sur la surface de mon panneau et je l'ai laissé sécher. La sous-couche dans ce cas était du Phtalo Blue appliqué très finement. La sous-couche sert à deux fins: elle élimine immédiatement la toile vierge blanche effrayante et fournit un éclat de couleur sous les couches de peinture.

J'ai vaguement esquissé dans un plan la composition définissant l'emplacement du tableau, du vase et du contour des fleurs. Parfois, j'utiliserai la peinture de fond pour créer la carte, qui place les objets sur la surface de la peinture et donne vie à la composition. J'ai ensuite pris du recul et j'ai jeté un coup d'œil pour voir si j'étais satisfait de ma composition. S'il fallait le changer, je pouvais toujours essuyer le dessin avec de l'essence minérale et faire une retouche.

Ma méthode d'ajout de peinture à ce stade consiste à créer des couches ou des voiles de couleur, en commençant par de la peinture à l'huile diluée avec de l'huile de lin et en passant à une peinture progressivement plus épaisse en utilisant le médium à peindre DANIEL SMITH. Je bloque vaguement les formes des objets en utilisant des valeurs de couleurs plus sombres, en peignant du sombre au clair. Mon mantra est mince à épais, sombre à clair.

J'ai continué à ajouter des variations de couleur à chaque zone de la peinture, réunissant l'ensemble de la peinture en couches. Lorsque mon élan a ralenti, j'ai pris du recul pour jeter un coup d'œil et me demander ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas ? C'est le moment où j'ai fait des ajustements à la couleur et aux valeurs. J'essaie de rester lâche et expressif sans ajouter trop de détails dans les fleurs - n'allez pas trop loin ou votre cerveau passera en mode réalisme. J'arrête toujours pour le jour avant que je pense que c'est fini et je laisse la peinture reposer jusqu'au lendemain. Le lendemain matin, j'ai ajouté des détails comme les étamines sur les fleurs, qui ajoutent une touche de contraste de valeur, ainsi que les détails du motif de la nappe. Après quelques ajustements des valeurs dans différentes sections, j'étais suffisamment satisfait de cette peinture pour l'utiliser sur la publicité de ma prochaine exposition personnelle !