Esistono molte tecniche per salvare le aree chiare della carta nella pittura ad acquerello, inclusi fluidi per mascheratura e nastri, ma preferisco preservare le luci dipingendo intorno ad esse... dipingendo lo spazio negativo.

La pittura negativa è un approccio unico alla pittura intorno a un oggetto per definirlo in una composizione. Quando lavoriamo con l'acquerello, abbiamo la sfida che altri mezzi non hanno: è quello che noi non vernice che diventa l'elemento più importante. Pensa a te stesso come a un intagliatore di pietre, che scheggia, finché rimangono solo le luci più preziose.

Non uso colori opachi per la pittura negativa. Le vernici opache sono meravigliose per i segni di accento alla fine, ma non per la smaltatura (una mano di colore trasparente stesa su un'area asciutta e precedentemente dipinta). La tecnica della pittura in negativo richiede numerosi smalti che diventerebbero fangosi con pitture opache. Per determinare se le tue vernici sono opache o trasparenti, leggi l'etichetta del prodotto, consulta la cartella colori o fai questo semplice test. Con un pennarello indelebile nero, disegna una linea in grassetto su un pezzo di carta da acquerello. Spennellare un po' di vernice con la consistenza della crema attraverso la linea nera. Se la linea è completamente oscurata, la vernice è opaca. I colori sulla riga superiore sopra sono opachi e sulla riga inferiore sono trasparenti.

Quando disegno per un dipinto negativo, sono particolarmente consapevole dello spazio negativo: le forme tra le cose. Voglio avere una varietà di forme e dimensioni. Disegno abbastanza per ridurre le forme generali, ma non sono vincolato da ciò che vedo. In effetti, è importante capire che forme aggiuntive verranno sviluppate nel processo di pittura, quindi non esagerare con il disegno.

Per determinare quali 3 colori userò per la pittura di fondo, realizzo numerosi campioni. I campioni conterranno un rosso, un blu e un giallo. I colori non devono essere veri primari. Quando mescolo i colori, è importante che la vernice abbia la stessa consistenza per incoraggiare una buona miscelazione sulla carta. Sto cercando colori che abbiano la sensazione di fondo dell'argomento. I 3 colori che ho selezionato qui sono Quinacridone Oro (QG), Blu Cobalto (CB), e Quinacridone Rosa (QR).

Bagno l'intera carta con acqua pulita e introduco i 3 colori separatamente sulla carta bagnata. Dipingo ad angolo per incoraggiare la miscelazione, mentre la vernice scorre sulla carta. Non lavoro troppo la superficie con un pennello, ma invece incoraggio la vernice a mescolarsi sulla carta. Lascia asciugare bene.

Userò i 3 colori originali durante tutto il processo di verniciatura. Considero questi i miei "colori madre", ma aggiungerò ulteriori colori man mano che il dipinto si evolve. Comincio dipingendo i bordi duri contro la rosa e alcune foglie e ammorbidire i bordi con l'acqua mentre mi allontano dal soggetto. Questo è ciò che chiamo l'adolescenza di un dipinto, perché spesso sembra e si sente a disagio. Lascia asciugare bene. Mi concentro sullo spazio e sulle forme intermedie.

Con ogni smalto, creo nuove forme negative e valori più scuri. A volte ammorbidisco i bordi con una leggera nebulizzazione di un flacone spray mentre la vernice è bagnata. Lasciate asciugare bene tra gli smalti oi colori diventeranno fangosi.

Nella fase finale, dipingo le scure più scure e le forme più piccole. Io uso un ricco verde intenso fatto con Turchese Ftalo e Siena Bruciata Italiana. Mentre la miscela verde di vernice è ancora bagnata sulla carta, ne faccio cadere una piccola quantità Cremisi Alizarina Permanente. L'aggiunta di questo rosso ravviva i verdi. Puoi vedere un esempio di questo direttamente sotto la rosa di sinistra. Sono selettivo per posizionare i miei scuri più scuri vicino alle mie luci per intensificare l'area focale. Concludo con alcuni dettagli.