Nel medioevo, la scultura era il principale mezzo di arte religiosa. La pittura arrivò molto più tardi, sebbene molte statue, sia in pietra che in legno, fossero riccamente decorate con pittura per aumentare il fascino emotivo. Anche quando la pittura a olio si è diffusa, i dipinti sono stati spesso iniziati con dipinti di fondo sui toni del grigio che tentavano di catturare la tridimensionalità della scultura.

Grisaglia deriva dalla parola francese grigio, che significa grigio. Descrive un metodo di pittura monocromatica che inizia con una pittura di fondo grigia che stabilisce la forma e il valore come base per l'opera. Molte opere del tardo medioevo e del primo rinascimento furono eseguite solo a grisaglia.

Quando ho viaggiato in Sassonia, nella Germania orientale, ho visitato la città secolare di Naumburg per vedere la cattedrale e le famose sculture in pietra dell'artista medievale noto come Naumburg Meister. Le sculture dei dodici fondatori della cattedrale, tra cui Uta ed Ekkehard, circondano il coro occidentale, esibendo un sorprendente realismo psicologico che non si vede da nessun'altra parte nell'arte del XIII secolo. Sembrano che possano scendere dai loro piedistalli e parlarti, ognuno con la propria personalità, ognuno un essere umano completamente realizzato. Famose icone tedesche, sono spesso presenti nei testi di storia dell'arte.

Sotto il pavimento, come in molte cattedrali gotiche, si trova una struttura precedente, una magnifica cripta con maestose colonne e archi romanici. Deluso dalle mie foto della cripta sotto la luce, sono stato lieto di scoprire un libro sulla cattedrale – Der Naumburger Dom, con testo di Ernst Schubert e foto di Janos Stekovics. Le meravigliose foto del Sig. Stekovics sono state indispensabili nelle mie ricostruzioni di ciò che avevo visto durante la mia visita.

Ingrandimento della foto

La foto di due pagine della cripta di Janos Stekovics da Der Naumburger Dom, (usato con il permesso dell'editore, Stekovics Verlag, Halle, Germania) ne ha catturato l'immensità, ma ero più interessato alle volte e alle colonne, quindi ho scelto di dipingere solo metà dell'area fotografata.

Volevo una resa estremamente precisa delle colonne e degli archi e delle decorazioni dei capitelli. Sapevo che ci sarebbero volute ore di preparazione del disegno per assicurare una prospettiva adeguata, ma volevo davvero concentrarmi maggiormente sul dipinto ed esprimere la mia interpretazione del soggetto attraverso scelte di colore e una delicata gestione della velatura.

Ho deciso di prendere una scorciatoia e ingrandire la foto (facendo una copia in bianco e nero poco costosa) in un centro fotocopie per risparmiare tempo. Normalmente, uso le mie foto per questo, ma dopo aver ricevuto il permesso dell'editore di utilizzare la foto di Janos Stekovics mi ha permesso di farlo senza timore di violazioni del copyright.

Posizionando un pezzo di carta copiativa tra la foto ingrandita e la mia carta acquerello tesa, ho disegnato solo i contorni esterni principali delle volte, delle colonne e delle pietre del pavimento sulla foto, così come le decorazioni dei capitelli. Quelli sono stati trasferiti sulla carta per acquerello. Ignoro il valore e l'ombreggiatura in questa fase. Quello che trasferisco è semplicemente un disegno a tratteggio.

Posa della base di grisaille

Dipingi i valori preliminari
Ho mescolato un grigio con Quinacridone Oro, Quinacridone Arancione Bruciato, Phthalo Blue (tonalità rossa), e Viola Carbazolo. Utilizzando un valore di luce della miscela grigia, ho dipinto archi e colonne, avendo cura di lasciare carta non verniciata come luci più chiare. In alcuni punti ho creato una zona di transizione tra la carta bianca e il grigio trascinando un pennello piatto umido lungo il bordo del lavaggio grigio bagnato.

Dipingi un secondo valore
Usando gli stessi colori, ho mescolato un valore medio e uno più scuro della tonalità di grigio e, ho dipinto un secondo e un terzo valore, creando ancora una volta zone di transizione tra i valori di grigio trascinando il pennello piatto umido.

La fondazione della grisaille era ora completa. Avevo creato una struttura molto solida di forme con luci e ombre che mi dava fiducia nelle fasi successive della mia pittura. In metodi di pittura più diretti, non sei mai abbastanza sicuro di cosa produrranno i tuoi sforzi.

Una pennellata fuori posto in una macchia o in un colore scuro può rovinare un dipinto. Ma con la struttura robusta della grisaglia, mi sentivo positivo nell'andare avanti con la mia smaltatura. Potrei iniziare con velature chiare, perché si collocherebbero sopra la grisaglia, il che li farebbe apparire più scuri. Le velature chiare potrebbero essere cancellate se necessario per apportare correzioni di colore. Una volta soddisfatta dei colori, potevo aggiungere gradualmente colori più scuri e più saturi.

Aggiunta dell'elemento di colore

Velatura di colore
Iniziando con Quinacridone Oro, ho iniziato a stendere su sottili velature di colore, alcune sfumando in altri colori, tra cui Quinacridone Arancione Bruciato, Rosso Antraquinoide, Viola Carbazolo e Phthalo Blue (tonalità rossa). Ho pensato che fosse importante scegliere una gamma di colori, anche all'interno di una singola piccola area. Senza la gamma di colori, il dipinto rimane in qualche modo senza vita. I valori da soli non bastano a renderlo interessante.

Ho iniziato con il colore più chiaro della gamma e poi sono passato alle tonalità più scure mentre il bagnato era ancora umido. Prima di prendere il colore successivo, ho risciacquato bene il pennello, l'ho asciugato su un asciugamano e ho usato solo la punta del pennello per raccogliere il colore successivo. Tocco la zona umida solo con la punta del pennello ed evito così il rischio di ricadute, che si verificano quando lil pennello è sovraccarico di acqua o di velatura.

Lo sfondo con la grisaglia ha mantenuto questa fase del dipinto abbastanza semplice. Si trattava davvero solo di stendere un colore pallido sulla struttura sottostante del dipinto.

Scurire i valori di colore
Ho dipinto le aree con valori più scuri con tonalità più pure con un pennello abbastanza saturo, sfumando anche il colore all'interno di questa gamma di valori più scuri.

Ho lavorato su una piccola sezione alla volta. Ad esempio, ho lavorato su una colonna o su un'area ad arco a volta. Ho bagnato l'intera area della sezione e poi ho lasciato cadere il colore, il che ha consentito gradazioni e sfumature diverse. ero solito Quinacridone Arancione Bruciato in concentrazione più pesante in quanto aiutava le aree scure a mantenere un calore.

Correzioni finali
Ho corretto il colore su alcune colonne e archi. Avevo lasciato troppa carta bianca in alcune aree dell'arco, quindi le ho bagnate e ho aggiunto più grigi e viola. All'interno delle tre sfaccettature della superficie della colonna in primo piano, c'era troppo di un rigido spostamento del valore scuro/medio/bianco: sembrava un po' come il gelato napoletano! — quindi ho oscurato i valori nelle facce centrali e più a destra dell'albero della colonna.

Iniziando con un fondo con la grisaglia e lavorando zona per zona, e lasciando asciugare queste aree per un lungo processo di pittura, probabilmente circa otto ore in tutto. Ma è stato tutt'altro che noioso: lavorare a velature è uno degli aspetti più divertenti dell'essere un acquerellista. Stendi una velatura in un colore e lo fai cadere in una tonalità leggermente alterata per la gradazione del colore e improvvisamente una resa troppo letterale di un soggetto diventa arte che ha una risonanza emotiva. Ricordando il lavoro degli scalpellini originali nella cattedrale di un millennio fa, raramente sento che la pittura ad acquerello sia un duro lavoro. Li immagino lavorare dai loro disegni con martello e scalpello, ritagliando una bellezza ultraterrena dalla materia prima della pietra. Come artista, mi sento privilegiato di poter partecipare in questo piccolo modo alla loro magnifica realizzazione.