En la Edad Media, la escultura fue el principal medio de expresión artística religiosa. La pintura llegó mucho más tarde, aunque muchas estatuas, tanto de piedra como de madera, estaban ricamente adornadas con pintura para realzar su atractivo emocional. Incluso cuando la pintura al óleo se popularizó, a menudo se comenzaban las pinturas con capas base en tonos grises que intentaban capturar la tridimensionalidad de la escultura.
Grisalla se deriva de la palabra francesa gris, que significa gris. Describe un método de pintura monocromática que comienza con una imprimación gris que establece la forma y el valor como base de la obra. Muchas obras de finales de la Edad Media y principios del Renacimiento se realizaron únicamente en grisalla.
Durante mi viaje a Sajonia, en el este de Alemania, visité la ciudad centenaria de Naumburg para admirar su catedral y las famosas esculturas de piedra del artista medieval conocido como el Maestro de Naumburg. Las figuras de los doce fundadores de la catedral, entre ellos Uta y Ekkehard, rodean el coro occidental, exhibiendo un sorprendente realismo psicológico sin parangón en el arte del siglo XIII. Parecen a punto de bajar de sus pedestales y hablarte, cada una con su propia personalidad, cada una como un ser humano plenamente realizado. Iconos alemanes de renombre, aparecen con frecuencia en los textos de historia del arte.
Debajo del nivel del suelo, como en muchas catedrales góticas, hay una estructura anterior, una magnífica cripta con majestuosas columnas y arcos románicos. Decepcionado por mis fotos de la cripta con poca luz, me alegré de descubrir un libro sobre la catedral. La Casa de Naumburg, Con texto de Ernst Schubert y fotografías de Janos Stekovics. Las magníficas fotografías del Sr. Stekovics fueron indispensables para reconstruir lo que vi durante mi visita.
La catedral inspiró numerosos bocetos y anotaciones en diarios.
Lo que más me impresionó fue la escultura, las bellas proporciones y la escala de todos los elementos, y la cripta fue quizás la más perfecta de todas las características arquitectónicas. Decidí convertir la cripta en el tema de una pintura de gran formato, como parte de una serie que espero completar sobre la catedral.
Planificar la pintura
Decidí que una imprimación en grisalla sería la mejor manera de capturar la fuerza de la forma en la cripta de la catedral de Naumburg. La grisalla se puede realizar en grises o colores neutros. La mampostería de Naumburg es de piedra color crema, con predominio de tonos dorados. Opté por crear una grisalla cálida, con una tendencia más hacia el marrón que hacia el azul, evitando los grises fríos, que podrían combinarse posteriormente con los veladuras de crema y oro para crear un verde.
A continuación, reflexioné sobre cómo combinar pigmentos de acuarela para una grisalla que no se viera afectada por veladuras posteriores. Los grises que suelo mezclar para otras pinturas con azul ultramar francés y tierra de sombra tostada o siena tostada contienen demasiadas partículas grandes de pigmento y podrían haber dado como resultado un color turbio si se hubieran aplicado sobre ellas. Así que me decidí por pigmentos con un alto grado de transparencia y muy poca granularidad. Sustituí Azul ftalo (tono rojo) para el azul ultramar francés, y Naranja quemada de quinacridona Para el color siena tostado, mezclé estos colores para establecer todos los tonos que usaría. También creé una escala de valores, variando el tono dentro del rango de valores.
Decidí modificar considerablemente el color de la fotografía. Quería transmitir una cierta intensidad emocional que los grises neutros y sin vida no lograban. A pesar de ser el lugar de sepultura de los obispos de la catedral, la cripta resonaba en mí con la intención de sus creadores medievales. Era un lugar cálido, incluso sagrado, impregnado de la dedicación y el amor de aquellos primeros canteros y artistas. Decidí que resaltar los tonos cremosos y dorados era la manera de transmitir estas emociones.
Ampliando la foto
La fotografía de dos páginas de la cripta por Janos Stekovics de La Casa de Naumburg, La fotografía (utilizada con permiso de la editorial Stekovics Verlag, Halle, Alemania) capturó su inmensidad, pero lo que más me interesaba eran las bóvedas y las columnas, así que opté por pintar solo la mitad del área fotografiada.
Quería una representación extremadamente precisa de las columnas, los arcos y las decoraciones de los capiteles. Sabía que me llevaría horas de preparación del dibujo para asegurar la perspectiva correcta, pero en realidad quería concentrarme más en la pintura y expresar mi propia interpretación del tema a través de la elección de colores y una sutil aplicación de las aguadas.
Para ahorrar tiempo, decidí tomar un atajo y ampliar la foto (obteniendo una copia en blanco y negro económica) en una copistería. Normalmente, uso mis propias fotos para esto, pero al haber recibido el permiso del editor para usar la foto de Janos Stekovics, pude hacerlo sin temor a infringir los derechos de autor.
Colocando un trozo de papel de calco entre la fotografía ampliada y mi papel de acuarela estirado, dibujé únicamente los contornos exteriores principales de las bóvedas, columnas y losas del suelo de la fotografía, así como las decoraciones del capitel. Estos se transfirieron al papel de acuarela. En esta etapa, ignoro el valor tonal y el sombreado. Lo que transfiero es simplemente un dibujo lineal.
Sentando las bases de la grisalla
Valores preliminares de pintura
Mezclé un gris con Oro de quinacridona, Naranja quemada de quinacridona, Azul ftalo (tono rojo), y Violeta de carbazol. Utilizando una tonalidad clara de la mezcla gris, pinté arcos y columnas, procurando dejar el papel sin pintar como las zonas más iluminadas. En algunos lugares, creé una zona de transición entre el papel blanco y el gris deslizando un pincel plano húmedo a lo largo del borde de la aguada gris.
Pinta un segundo valor
Utilizando las mismas pinturas, mezclé un tono medio y otro más oscuro del color gris y pinté un segundo y un tercer tono, creando de nuevo zonas de transición entre los tonos grises arrastrando el pincel plano húmedo.
La base de la grisalla ya estaba completa. Había creado una estructura de formas muy sólida, con luces y sombras, lo que me daba confianza para las siguientes etapas de mi pintura. En los métodos de pintura más directos, nunca se sabe con certeza cuál será el resultado.
Una pincelada mal aplicada en un color oscuro o de tono intenso puede arruinar una pintura. Pero gracias a la sólida estructura de la grisalla, me sentí segura de continuar con el glaseado. Podía empezar con veladuras claras, ya que se asentarían sobre la grisalla, lo que las haría parecer más oscuras. Las veladuras claras se podían borrar si era necesario para corregir el color. Una vez satisfecha con los colores, podía añadir gradualmente colores más oscuros y saturados.
Agregar el elemento del color
Esmalte de color
A partir de Oro de quinacridona, comencé a aplicar finas capas de esmalte de color, algunas degradadas a otros colores, incluyendo Naranja quemada de quinacridona, Rojo antraquinoide, Violeta de carbazol y Azul ftalo (tono rojo). Me pareció importante elegir una gama de colores, incluso dentro de una sola área pequeña. Sin esa gama de tonalidades, la pintura resulta algo inerte. Los valores por sí solos no bastan para hacerla interesante.
Comencé con el color más claro de la gama y luego fui añadiendo los tonos más oscuros mientras la aguada aún estaba húmeda. Antes de tomar el siguiente color, enjuagué bien el pincel, lo sequé con una toalla y usé solo la punta para recogerlo. Toco la zona húmeda únicamente con la punta del pincel y así evito que la pintura se corra, lo cual ocurre cuando el pincel se llena demasiado de agua o aguada.
La técnica de grisalla simplificó bastante esta etapa de la pintura. Simplemente consistió en aplicar colores pálidos sobre la estructura subyacente del cuadro.
Oscurecer los valores de color
Cubrí las zonas más oscuras con tonos más puros utilizando un pincel bastante saturado, y también creé un degradado de color dentro de esta gama de tonos más oscuros.
Trabajé en una pequeña sección a la vez. Por ejemplo, trabajé en una columna o en un arco abovedado. Humedecí toda el área de la sección y luego apliqué el color, lo que permitió crear gradaciones y tonalidades variadas. Utilicé Naranja quemada de quinacridona en mayor concentración, ya que ayudaba a que las zonas oscuras mantuvieran el calor.
Correcciones finales
Corregí el color de algunas columnas y arcos. Había dejado demasiado papel blanco en algunas zonas de los arcos, así que los humedecí y añadí más grises y violetas. En las tres caras de la columna en primer plano, había un cambio de valor oscuro/medio/blanco demasiado rígido —¡parecía un helado napolitano!—, así que oscurecí los tonos en las caras central y derecha del fuste de la columna.
Comenzar con una imprimación en grisalla y trabajar área por área, dejando secar estas áreas, resultó en un proceso de pintura prolongado, probablemente unas ocho horas en total. Pero distaba mucho de ser tedioso: trabajar con aguadas es uno de los aspectos más divertidos de ser acuarelista. Se aplica una aguada de un color y se añade un matiz sutilmente alterado para lograr una gradación de color, y de repente una representación demasiado literal de un sujeto se convierte en arte con resonancia emocional. Recordando el trabajo de los canteros originales de la catedral hace un milenio, rara vez siento que pintar con acuarela sea un trabajo arduo. Simplemente los imagino trabajando a partir de sus dibujos con martillo y cincel, esculpiendo una belleza etérea a partir de la materia prima de la piedra. Como artista, me siento privilegiado de poder participar, aunque sea modestamente, en su magnífico logro.
