Au Moyen Âge, la sculpture était le principal mode d'expression artistique religieuse. La peinture est apparue bien plus tard, même si de nombreuses statues, en pierre comme en bois, étaient richement ornées de peintures pour en accentuer la portée émotionnelle. Même lorsque la peinture à l'huile s'est répandue, les toiles étaient souvent réalisées sur des sous-couches grises visant à restituer la tridimensionnalité de la sculpture.
Grisaille est dérivé du mot français gris, La grisaille, ou gris, est une technique de peinture monochrome qui consiste à réaliser une sous-couche grise définissant les formes et les valeurs, servant ainsi de base à l'œuvre. De nombreuses œuvres de la fin du Moyen Âge et du début de la Renaissance ont été entièrement exécutées en grisaille.
Lors de mon voyage en Saxe, dans l'est de l'Allemagne, j'ai visité la ville de Naumbourg, vieille de plusieurs siècles, pour admirer sa cathédrale et les célèbres sculptures sur pierre de l'artiste médiéval connu sous le nom de Maître de Naumbourg. Les portraits des douze fondateurs de la cathédrale, dont Uta et Ekkehard, ornent le chœur ouest, témoignant d'un réalisme psychologique saisissant, unique dans l'art du XIIIe siècle. On croirait qu'ils pourraient descendre de leurs piédestaux et s'adresser à vous, chacun avec sa propre personnalité, chacun incarnant un être humain pleinement réalisé. Ces figures emblématiques de l'art allemand sont fréquemment citées dans les ouvrages d'histoire de l'art.
Sous le niveau du sol, comme dans de nombreuses cathédrales gothiques, se trouve une structure plus ancienne : une magnifique crypte aux majestueuses colonnes et arcades romanes. Déçue par mes photos sous-éclairées de la crypte, j’ai eu le plaisir de découvrir un livre sur la cathédrale. Der Naumburger Dom, avec un texte d'Ernst Schubert et des photos de Janos Stekovics. Les magnifiques photos de M. Stekovics ont été indispensables à la reconstitution de ce que j'avais vu lors de ma visite.
La cathédrale a inspiré de nombreux croquis et entrées de journal.
Ce qui m'a le plus impressionné, c'est la sculpture, ainsi que les proportions et l'échelle harmonieuses de tous les éléments. La crypte était sans doute l'élément architectural le plus abouti. J'ai donc décidé d'en faire un sujet de peinture de grand format, qui fera partie d'une série que j'espère réaliser un jour sur la cathédrale.
Planifier la peinture
J'ai décidé qu'une sous-couche en grisaille serait la plus à même de saisir la puissance des formes dans la crypte de la cathédrale de Naumbourg. La grisaille peut être réalisée dans des tons gris ou neutres. La maçonnerie de Naumbourg est une pierre crème, où les dorés prédominent. J'ai donc opté pour une grisaille chaude, tirant davantage sur le brun que sur le bleu, en évitant les gris froids qui, combinés aux glacis crème et or appliqués ultérieurement, risqueraient de créer une teinte verte.
Ensuite, j'ai réfléchi à la manière de combiner les pigments aquarelle pour obtenir une grisaille qui resterait intacte malgré les glacis successifs. Les gris que je mélange habituellement pour d'autres tableaux avec du bleu outremer français et de la terre d'ombre brûlée ou de la terre de Sienne brûlée contiennent trop de grosses particules de pigment et risqueraient de donner une couleur terne si on les recouvrait. J'ai donc opté pour des pigments très transparents et très fins. J'ai substitué… Bleu phtalo (nuance rouge) pour le bleu outremer français, et Quinacridone Orange brûlé Pour la terre de Sienne brûlée, j'ai mélangé ces couleurs afin de déterminer toutes les nuances que j'allais utiliser. J'ai également créé une échelle de valeurs, en faisant varier la teinte au sein de chaque gamme.
J'ai décidé de modifier considérablement les couleurs par rapport à la photographie. Je souhaitais transmettre une certaine intensité émotionnelle que les gris neutres et sans vie ne permettaient pas. Bien qu'étant le lieu de sépulture des évêques de la cathédrale, la crypte était pour moi imprégnée des intentions de ses créateurs médiévaux. C'était un lieu chaleureux, presque sacré, empli du dévouement et de l'amour des premiers tailleurs de pierre et artistes. J'ai donc choisi de mettre l'accent sur les tons crème et or pour exprimer ces émotions.
Agrandir la photo
La photo de la crypte sur deux pages par Janos Stekovics de Der Naumburger Dom, La photo (utilisée avec l'aimable autorisation de l'éditeur, Stekovics Verlag, Halle, Allemagne) en capturait l'immensité, mais c'étaient les voûtes et les colonnes qui m'intéressaient le plus ; j'ai donc choisi de ne peindre que la moitié de la zone photographiée.
Je souhaitais un rendu extrêmement précis des colonnes, des arcs et des chapiteaux. Je savais que des heures de préparation seraient nécessaires pour garantir une perspective juste, mais je tenais surtout à me concentrer sur la peinture et à exprimer ma propre interprétation du sujet par le choix des couleurs et la subtilité des lavis.
Pour gagner du temps, j'ai opté pour la solution de facilité : agrandir la photo (en réalisant une copie noir et blanc bon marché) dans un centre de reprographie. D'habitude, j'utilise mes propres photos, mais l'autorisation de l'éditeur pour utiliser la photo de Janos Stekovics m'a permis de le faire sans craindre d'enfreindre les droits d'auteur.
En plaçant une feuille de papier calque entre la photo agrandie et mon papier aquarelle tendu, j'ai dessiné sur la photo les principaux contours extérieurs des voûtes, des colonnes et des dalles du sol, ainsi que les décorations des chapiteaux. Ces contours ont ensuite été reportés sur le papier aquarelle. À ce stade, je ne tiens pas compte des valeurs ni des ombres. Je ne reporte qu'un simple dessin au trait.
Poser les fondations en grisaille
valeurs préliminaires de peinture
J'ai mélangé un gris avec Quinacridone Or, Quinacridone Orange brûlé, Bleu phtalo (nuance rouge), et Violet de carbazole. J'ai utilisé une teinte claire de gris pour peindre les arches et les colonnes, en veillant à laisser le papier non peint comme zones les plus claires. Par endroits, j'ai créé une zone de transition entre le blanc et le gris en passant un pinceau plat humide le long du bord du lavis gris encore frais.
Peindre une deuxième valeur
Utilisant les mêmes peintures, j'ai mélangé une teinte grise moyenne et une teinte grise plus foncée, puis j'ai peint une deuxième et une troisième teinte, créant une fois de plus des zones de transition entre les valeurs de gris en étirant le pinceau plat humide.
La base en grisaille était désormais achevée. J'avais créé une structure de formes très solide, jouant sur les contrastes d'ombre et de lumière, ce qui me rassurait quant aux étapes suivantes de ma peinture. Avec des techniques picturales plus directes, on n'est jamais vraiment certain du résultat.
Un coup de pinceau mal placé dans une tache ou une couleur foncée peut gâcher une peinture. Mais grâce à la structure robuste de la grisaille, j'étais confiante quant à la réalisation de mes glacis. Je pouvais commencer par des lavis clairs, car ils se déposeraient sur la grisaille, ce qui les rendrait plus foncés. Je pourrais ensuite les essuyer si nécessaire pour corriger les couleurs. Une fois satisfaite des couleurs, je pourrais ajouter progressivement des teintes plus foncées et plus saturées.
L'ajout de l'élément couleur
Glaçure colorée
En commençant par Quinacridone Or, J'ai commencé à appliquer de fines couches de glacis de couleur, certaines se fondant progressivement dans d'autres couleurs, notamment Quinacridone Orange brûlé, Rouge anthraquinonique, Violet de carbazole et Bleu phtalo (nuance rouge). J'estimais important de choisir une palette de couleurs, même dans une petite zone. Sans cette variété de teintes, le tableau manque de vie. Les valeurs seules ne suffisent pas à le rendre intéressant.
J'ai commencé par la couleur la plus claire de la gamme, puis j'ai ajouté les teintes plus foncées pendant que le mélange était encore humide. Avant de prélever la couleur suivante, j'ai bien rincé le pinceau, je l'ai essuyé sur une serviette et j'ai utilisé uniquement la pointe du pinceau pour prélever la couleur. Je ne touche la zone humide qu'avec le bout du pinceau, ce qui évite les coulures, qui se produisent lorsque le pinceau est trop imbibé d'eau ou de produit.
La technique de la grisaille a permis de simplifier considérablement cette étape du tableau. Il s'agissait simplement d'appliquer une couleur pâle sur la structure sous-jacente de la toile.
Assombrir les valeurs de couleur
J'ai repeint les zones plus sombres avec des teintes plus pures à l'aide d'un pinceau assez saturé, en dégradéant également les couleurs au sein de cette gamme de teintes plus foncées.
J'ai travaillé sur une petite section à la fois. Par exemple, je travaillais sur une colonne ou une voûte. J'humidifiais toute la zone de la section, puis j'y ajoutais de la couleur, ce qui permettait de créer des dégradés et des nuances variées. J'ai utilisé Quinacridone Orange brûlé en concentration plus élevée, car cela aidait les zones sombres à conserver une certaine chaleur.
Corrections finales
J'ai corrigé les couleurs de certaines colonnes et arches. J'avais laissé trop de blanc à certains endroits des arches ; je les ai donc humidifiées et j'y ai ajouté des gris et des violets. Sur les trois facettes de la colonne au premier plan, le contraste entre les valeurs foncées, moyennes et blanches était trop marqué – cela ressemblait un peu à une glace napolitaine ! – j'ai donc assombri les valeurs des facettes centrale et de droite du fût de la colonne.
Commencer par une sous-couche en grisaille, travailler zone par zone et laisser sécher chaque partie a rendu le processus long – environ huit heures au total. Mais loin d'être fastidieux, le travail par lavis est l'un des aspects les plus plaisants de l'aquarelle. On applique un lavis d'une couleur, puis on y ajoute une nuance subtilement différente pour créer des dégradés, et soudain, une représentation trop littérale d'un sujet se transforme en une œuvre d'art chargée d'émotion. En repensant au travail des tailleurs de pierre de la cathédrale il y a mille ans, je trouve rarement l'aquarelle pénible. Je les imagine simplement travaillant à partir de leurs dessins, armés de marteaux et de burins, sculptant une beauté surnaturelle dans la pierre brute. En tant qu'artiste, je me sens privilégiée de pouvoir contribuer, même modestement, à leur magnifique réalisation.
