중세 시대에는 조각이 주요한 종교 예술 매체였습니다. 회화는 훨씬 후에 등장했지만, 많은 석상과 목상들은 감정적 호소력을 높이기 위해 풍부한 색채로 장식되었습니다. 유화가 널리 보급된 후에도, 조각의 입체감을 표현하기 위해 회색 톤의 밑칠을 먼저 하는 경우가 많았습니다.

그리자유 프랑스어에서 유래되었습니다. 그리스, 그리자유는 회색을 의미합니다. 이는 회색 밑칠로 시작하여 형태와 명암을 설정하는 단색 회화 기법을 나타냅니다. 중세 후기와 르네상스 초기의 많은 작품들이 그리자유 기법으로만 제작되었습니다.

독일 동부 작센 지방을 여행했을 때, 저는 수백 년 역사를 자랑하는 나움부르크 시에 들러 대성당과 '나움부르크 마이스터'로 알려진 중세 예술가의 유명한 석조 조각들을 감상했습니다. 서쪽 성가대석을 둘러싸고 있는 우타와 에케하르트를 비롯한 12명의 대성당 설립자들의 조각상은 13세기 미술에서 찾아볼 수 없는 놀라운 심리적 사실성을 보여줍니다. 마치 받침대에서 내려와 말을 걸어올 듯, 각자 개성을 지닌, 완벽하게 구현된 인간처럼 보입니다. 독일 미술사의 대표적인 작품으로 손꼽히는 이 조각상들은 미술사 교과서에도 자주 등장합니다.

많은 고딕 성당처럼, 지상 아래에는 웅장한 로마네스크 양식의 기둥과 아치가 있는 오래된 구조물인 지하 묘실이 있습니다. 조명이 부족해서 지하 묘실 사진을 제대로 찍지 못해 실망했는데, 다행히 성당에 관한 책을 발견했습니다. 나움부르거 돔, 에른스트 슈베르트의 글과 야노스 스테코비치의 사진이 실린 책입니다. 스테코비치 씨의 훌륭한 사진들은 제가 방문했을 때 보았던 것들을 재구성하는 데 없어서는 안 될 중요한 자료였습니다.

사진 확대

야노스 스테코비치가 촬영한 지하 묘실 사진 두 페이지 나움부르거 돔, (독일 할레의 출판사 스테코비치 페를라그의 허가를 받아 사용한) 사진은 그 웅장함을 잘 포착했지만, 저는 특히 아치형 천장과 기둥에 관심이 있었기에 사진 속 영역의 절반만 그리기로 했습니다.

저는 기둥과 아치, 그리고 주두 장식을 극도로 정밀하게 표현하고 싶었습니다. 정확한 원근법을 확보하기 위해 몇 시간씩 스케치 작업을 해야 한다는 것을 알고 있었지만, 그림 자체에 더 집중하여 색채 선택과 섬세한 수채화 기법을 통해 주제에 대한 저만의 해석을 표현하고 싶었습니다.

시간을 절약하기 위해 복사 센터에서 저렴한 흑백 복사본을 만들어 사진을 확대하는 지름길을 택했습니다. 평소에는 제가 직접 찍은 사진을 사용하지만, 이번에는 출판사로부터 야노스 스테코비치의 사진 사용 허가를 받았기 때문에 저작권 침해 걱정 없이 이렇게 할 수 있었습니다.

확대된 사진과 캔버스에 팽팽하게 당겨 놓은 수채화 용지 사이에 전사지를 끼운 후, 사진 위에 천장, 기둥, 바닥 돌의 주요 외곽선과 기둥머리 장식만 그렸습니다. 그리고 그것들을 수채화 용지에 옮겼습니다. 이 단계에서는 명암이나 음영은 고려하지 않습니다. 옮기는 것은 단순히 선으로 그린 그림일 뿐입니다.

그리자유의 기초를 놓다

페인트 초기값
나는 회색을 섞었다 퀴나크리돈 골드, 퀴나크리돈 번트 오렌지, 프탈로 블루(붉은색 계열), 그리고 카르바졸 바이올렛. 밝은 회색 혼합물을 사용하여 아치와 기둥을 칠하고, 칠하지 않은 종이 부분이 가장 밝은 부분이 되도록 주의했습니다. 어떤 부분에서는 젖은 회색 물감의 가장자리를 따라 축축한 납작붓을 끌어당겨 흰 종이와 회색 사이의 경계를 만들었습니다.

두 번째 값을 칠하세요
같은 물감을 사용하여 중간 톤과 더 어두운 톤의 회색을 섞고, 두 번째와 세 번째 톤을 칠하면서, 다시 한번 물에 적신 납작붓을 끌어당겨 회색 톤 사이의 전환 영역을 만들었습니다.

그리자유 기법의 기초가 이제 완성되었다. 명암을 통해 매우 견고한 형태 구조를 만들어냈기에, 이후 그림 작업에 대한 자신감이 생겼다. 보다 직접적인 회화 기법에서는 결과물이 어떻게 나올지 확신할 수 없는 경우가 많다.

어두운 색이나 명암이 강한 부분에서 붓질이 잘못되면 그림을 망칠 수 있습니다. 하지만 그리자유 기법의 견고한 구조 덕분에 저는 덧칠 작업을 진행해도 괜찮겠다는 확신이 들었습니다. 옅은 색으로 시작할 수 있었는데, 옅은 색은 그리자유 위에 덧입혀져 더 어둡게 보일 것이기 때문입니다. 필요에 따라 옅은 색은 닦아내어 색을 수정할 수도 있었습니다. 색상이 마음에 들면 점차 더 어둡고 채도가 높은 색을 덧입혀 나갔습니다.

색상 요소를 추가하다

컬러 유약
~부터 시작해서 퀴나크리돈 골드, 나는 얇은 색 유약을 덧바르기 시작했고, 어떤 색은 다른 색으로 자연스럽게 이어지도록 했습니다. 퀴나크리돈 번트 오렌지, 안트라퀴노이드 레드, 카르바졸 바이올렛 그리고 프탈로 블루(레드 셰이드). 저는 작은 영역 안에서도 다양한 색상을 선택하는 것이 중요하다고 생각했습니다. 색조의 다양성이 없다면 그림은 다소 생기 없어 보입니다. 명암만으로는 그림을 흥미롭게 만들기에 충분하지 않습니다.

가장 밝은 색부터 시작해서 물감이 아직 마르지 않았을 때 더 어두운 색조를 덧입혔습니다. 다음 색을 묻히기 전에 붓을 깨끗이 헹구고 수건으로 물기를 제거한 다음, 붓끝만 사용하여 다음 색을 묻혔습니다. 붓끝으로만 물기가 있는 부분을 살짝 건드리면 붓에 물감이 너무 많이 묻었을 때 생기는 번짐 현상을 방지할 수 있습니다.

그리지유 기법의 기초는 그림의 이 단계를 상당히 단순하게 유지했습니다. 말 그대로 그림의 기본 구조 위에 옅은 색을 덧입히는 것에 불과했습니다.

색상 값을 어둡게 합니다
나는 채도가 높은 붓을 사용하여 어두운 부분 위에 더 순수한 색조를 덧칠했고, 어두운 부분 안에서도 색조를 점진적으로 변화시켰다.

저는 한 번에 작은 부분씩 작업했습니다. 예를 들어, 기둥 하나나 아치형 천장 부분 하나를 작업했죠. 작업할 부분 전체를 적신 다음 색을 떨어뜨려 명암의 변화와 다양한 색조를 표현했습니다. 퀴나크리돈 번트 오렌지 더 높은 농도로 사용하면 어두운 부분이 따뜻함을 유지하는 데 도움이 됩니다.

최종 수정
기둥과 아치 부분의 색상을 수정했습니다. 아치 부분 중 일부에 흰 종이가 너무 많이 남아 있어서 물을 적시고 회색과 보라색을 더 덧칠했습니다. 앞쪽 기둥의 세 면은 명암 대비가 너무 뚜렷해서 마치 나폴리 아이스크림처럼 보였기 때문에 기둥 중앙과 오른쪽 면의 명암을 더 어둡게 했습니다.

회색조로 밑칠을 하고 영역별로 작업하며, 각 영역이 마르도록 기다리는 과정 때문에 그림 그리는 데 꽤 오랜 시간이 걸렸습니다. 아마 총 여덟 시간 정도 걸렸을 겁니다. 하지만 지루함과는 거리가 멀었습니다. 수채화 기법은 수채화의 가장 재미있는 부분 중 하나입니다. 한 가지 색으로 바탕을 칠하고 미묘하게 변화된 색조를 덧입혀 색의 그러데이션을 표현하면, 너무 사실적으로 묘사된 대상도 갑자기 감정적인 울림을 주는 예술 작품으로 변모합니다. 천 년 전 대성당을 세운 석공들의 노고를 떠올리면 수채화 작업이 힘들다고 느껴지는 경우는 드뭅니다. 그들이 도면을 보고 망치와 끌로 돌이라는 원자재에서 초현실적인 아름다움을 조각해내는 모습을 상상해 봅니다. 예술가로서 그들의 위대한 업적에 조금이나마 기여할 수 있다는 것이 영광스럽게 느껴집니다.