이 초상화의 제목은 다음과 같습니다. 요정, 제 친구이자 댄서 겸 전문 요정인 에이미가 축제에서 저와 즉흥적으로 사진 촬영을 해줬는데, 그녀의 애틋한 표정과 환상적인 의상이 이 그림의 주요 영감이 되었습니다. 이 작품은 제가 수채화로 인물화를 그리는 전형적인 과정을 보여주는 예입니다.
저는 참고 사진을 출발점으로 삼아 작업하는 것을 좋아합니다. 사진은 순간순간의 표정과 움직임은 물론 특정 시간과 장소의 기억까지 포착할 수 있기 때문입니다. 물론 살아있는 모델을 직접 보고 그리는 것도 좋아하지만 (이 경험은 제 모든 드로잉과 회화 작업에 영향을 미칩니다), 살아있는 모델은 몇 시간 동안 집중하기 어렵다는 한계가 있습니다. 때로는 사진 촬영을 위해 특정 모델을 고용하기도 하고 (친구나 가족에게 부탁하기도 합니다), 때로는 행사에 카메라를 가져가 자연스러운 순간들을 포착하기도 합니다. 특히 무용수, 배우, 그리고 모든 종류의 공연 예술가들과 작업하는 것을 좋아하는데, 그들은 카메라 앞에서 매우 자연스럽기 때문입니다. 참고 사진 촬영을 시작할 때 특정한 콘셉트를 염두에 두기도 하지만, 그냥 사진을 저장해 두고 나중에 영감을 얻기도 합니다.
저는 사진에서 영감을 주는 표정, 몸짓, 빛을 찾지만, 사진의 원래 구도를 유지하거나 사진에 보이는 모든 것을 정확하게 그리는 데에는 신경 쓰지 않습니다.
이 경우, 먼저 전체 사진에서 인물 부분을 잘라낸 다음, 가로 구도에서 인물의 시선이 구도 전체를 따라갈 수 있도록 오른쪽으로 2/3 정도 이동시킵니다. 불필요한 배경 정보는 제거하고, 환경은 표현력 있게 처리할 계획입니다. 또한 사진에 약간 차가운 색조가 있기 때문에 전체적인 색감을 카메라가 포착한 것보다 조금 더 따뜻하게 보정할 생각입니다.
저는 300lb 콜드프레스(거친) 종이에 작업하는 것을 좋아합니다. 종이를 늘리지는 않지만, 작업 중에 다루기 쉽도록 보드에 고정하기도 합니다. 먼저 윤곽이 잘 잡힌 예비 스케치를 그리는데, 이렇게 하면 채색 과정에서 좀 더 자유롭고 편안하게 작업할 수 있습니다. 이미 제 모습의 윤곽을 잡아 놓았기 때문입니다. 채색 전에 종이가 너무 닳는 것을 방지하기 위해, 별도의 예비 스케치나 사진 초안에서 기본 윤곽선을 옮겨 그린 다음, HB #2 샤프펜슬로 다듬고 완성도를 높입니다. 지우개 사용은 최대한 자제하려고 합니다.
1단계: 표현력 있는 배경
이 작품의 배경은 자유롭고 표현력 있는 느낌을 주기 위해 먼저 그 부분부터 시작합니다. 주로 물감이 마르기 전에 덧칠하는 기법을 사용하여 사진 속 자연 환경을 부드럽게 표현하고 불필요한 요소는 제거합니다. 꽃에서 퍼져 나가는 듯한 분홍색 영역을 크게 그려 넣어 신비로운 분위기를 연출합니다. 배경의 일부는 인물의 그림자 부분과 자연스럽게 이어지도록 합니다. 또한, 물감이 반쯤 마르기 전에 배경 곳곳에 소금을 뿌려 작은 소금꽃을 만들어 분위기를 더합니다. 배경처럼 넓은 영역을 칠할 때는 최대한 큰 붓을 사용하고, 섬세한 표현이 필요할 때만 작은 붓으로 바꿉니다.
2단계: 차가운 밑칠
수채화로 인물화를 그릴 때 제가 기본적으로 하는 과정은 차가운 색조의 밑칠을 하는 것입니다. 이는 미술대학 졸업 후 수많은 인물화 의뢰를 받으면서 시행착오를 거쳐 개발한 저만의 방식입니다. 사실적인 피부 표현을 위해서는 따뜻한 색뿐만 아니라 차가운 색도 함께 사용해야 합니다. 차가운 색을 먼저 칠하면 피부 표면 아래에 색이 자리 잡는 데 도움이 되고, 그림 전체의 명암 구조를 처음부터 제대로 파악할 수 있다는 것을 알게 되었습니다.
중요한 점은 이것이 유화에서 엄버 그리자유처럼 명암을 듬뿍 넣어 밑칠을 하는 것과는 다르다는 것입니다. 수채화에서는 칠한 모든 부분이 이후의 투명한 레이어를 통해 그대로 드러나기 때문에, 처음 차가운 색을 너무 과하게 칠하면 그림이 너무 과해 보일 수 있습니다. 저는 그저 보이는 차가운 그림자 부분에만 집중합니다. 이 단계에서는 초상화의 상당 부분이 칠해지지 않은 채로 남아 있습니다.
세룰리안 블루 크롬 이 단계에서 제가 가장 자주 사용하는 색상은 울트라마린입니다. 약간 따뜻한 느낌이 있고, 진하게 칠해도 너무 어둡지 않습니다. 하지만 피사체의 피부색이나 장면의 조명에 따라 녹색, 다른 파란색, 보라색을 섞어 사용하기도 합니다. 피부색이 어두운 피사체의 경우, 차가운 느낌의 밑칠 대신 울트라마린 블루와 보라색을 더 많이 사용할 수도 있습니다.
이 단계에서는 눈의 흰자위와 보이는 치아 부분을 주로 은은한 차가운 색조로 표현합니다. 밝은 하이라이트를 제외하고는 종이의 흰색 부분과 완전히 똑같지는 않게 합니다. 또한 일관성을 유지하기 위해 차가운 색조를 옷과 같은 다른 부분에도 적용합니다.
전반적으로 저는 명암과 색채를 중심으로 생각하며, 형태의 가장자리는 비교적 날카롭게 남겨둡니다. 얼굴 내부의 경계선은 맑은 물을 살짝 사용하거나 마른 붓으로 질감을 더해 부드럽게 표현할 수도 있지만, 매끄러움은 제가 신경 쓰는 부분이 아닙니다. 수채화의 근본적인 특징이라고 생각하지 않기 때문입니다. 사실적인 느낌을 만들어내는 데에는 주요한 관계들이 더 중요합니다. 그리고 그림을 그리는 과정에서 자연스럽게 생겨나는 번짐이나 유기적인 질감은 모두 받아들이고 소중히 여깁니다.
수채화로 그린 꽃잎의 디테일.
3단계: 가장 밝고 따뜻한 살색
이전 레이어가 완전히 마르면 (저는 참을성이 없으면 헤어드라이어를 사용합니다), 사진을 보고 살<binary data, 3 bytes> 부분의 순백색 하이라이트와 가장 밝은 따뜻한 살색 톤을 확인합니다. 흰색 하이라이트 부분을 제외한 모든 살색 부분에 이 밝은 살색을 넓게 덧칠합니다. 차가운 느낌의 밑칠 위에 바로 덧칠하는 것입니다. 인디언 옐로우, 피롤 스칼렛, 영구 알리자린 크림슨, 그리고 퀴나크리돈 로즈 이 색을 섞을 때 보통 제가 선택하는 색상들입니다. 정확한 공식은 없고, 제가 관찰한 바에 따라 달라집니다. 이 경우에는 피사체의 얼굴에서 가장 밝은 부분이 더 노란빛을 띠는 것 같아서 인디언 옐로우와 피롤 스칼렛을 많이 희석해서 사용했습니다. 물감이 마르기 전에 피사체의 턱 아래, 특히 따뜻한 햇살이 비치는 부분에 피롤 스칼렛을 살짝 떨어뜨립니다.
4단계: 중간 톤의 따뜻한 살색
다시 한 번, 이전 레이어가 완전히 마르도록 기다립니다. 이제 가장 밝은 부분 위에 중간 톤의 따뜻한 살색을 덧칠하는데, 이전에 밝게 칠했던 부분 중 일부는 칠하지 않고 남겨둡니다. 보통 위에서 사용한 색상들을 그대로 사용하지만, 피부색이 더 어두운 경우에는 다른 색상을 추가하기도 합니다. 번트 시에나 이 단계에서는 이 인물의 중간 톤이 제 눈에는 분홍빛이 더 도는 것 같아서 더 차가운 붉은색을 섞어 사용합니다. 이 레이어에서는 영역별로 색조의 변화도 있어야 합니다. 따뜻한 중간 톤을 칠할 때는 너무 망설이지 않는 것이 중요합니다. 그림을 그리는 이 단계에서는 중간 톤이 얼굴에서 가장 어두운 부분이 되기 때문에 너무 밝게 칠하고 싶은 경향이 생기기 쉽습니다. 하지만 나중에 중간 톤이 너무 옅어졌다는 것을 깨닫는 것보다는 지금 조금 더 과감하게 칠하는 것이 낫습니다.
5단계: 차단
얼굴에 세부 묘사를 추가하기 전에 그림의 다른 모든 부분에 적절한 밝은 색을 칠해 밑색을 잡아줍니다. 저는 그림 전체를 하나의 단위로 작업하여 전체적인 관계를 파악하려고 노력합니다. 한 부분을 완전히 완성했는데 다른 부분은 아직 칠하지 않은 채로 두는 것은 바람직하지 않다고 생각합니다..
이 단계에서는 다루는 영역이 작아지기 때문에 주로 작은 붓을 사용하게 됩니다. 필요에 따라 세부 묘사와 어두운 부분을 덧칠하여 그림을 완성합니다. 이때 사용하는 색상은 무엇이든 될 수 있습니다. 인물의 피부 그림자를 어둡게 할 때는 차가운 색조를 다시 사용할 수도 있습니다. 얼굴 윤곽을 드러내는 작은 그림자는 따뜻한 색조나 차가운 색조를 사용할 수 있습니다. 저는 다양한 보색 쌍을 활용하여 중성색과 어두운 색조를 혼합합니다.
눈 디테일
완성된 그림에서 명암의 균형이 잘 잡혀 페이지 전체에 자연스러운 흐름을 만들어내는 것이 중요합니다. 초보자들은 종종 콧구멍과 눈동자만 어둡게 그리는 경향이 있는데, 이는 어색해 보입니다. 머리카락, 눈썹, 속눈썹의 질감과 같은 세부 묘사에 있어서는, 실제 모습을 주의 깊게 관찰하고 만화처럼 그리는 것을 피해야 합니다. 먼저 전체적인 형태를 생각하고, 개별 머리카락은 특정 부분을 강조하는 용도로 사용하는 것이 좋습니다.
수채화로 인물화를 그리는 팁:
- 넓은 면적을 칠할 때는 가장 큰 붓을 사용하고, 더 섬세한 작업이나 디테일 표현이 필요할 때만 작은 붓으로 바꿔 사용하세요. 작은 붓으로 넓은 면적을 칠하려고 애쓰지 마세요.
- 얼굴의 주요 명암 변화를 스텐실을 만드는 것처럼 나누어 생각해보세요. 큰 형태와 정확한 명암 표현이 한 명암을 다음 명암으로 매끄럽게 블렌딩하는 것보다 훨씬 중요합니다. 블렌딩과 매끄러움에 지나치게 신경 쓰다 보면 그림이 과해 보이거나, 얼굴의 구조가 부족해질 수 있습니다.
- 수채화의 본질적인 특성을 받아들이세요. 물감이 살아 숨 쉬듯, 어느 정도는 스스로 표현하고 싶은 대로 내버려 두세요. 그림을 그리는 과정에서 자연스럽게 생기는 번짐, 물때 자국, 기타 유기적인 질감들을 억지로 고치려 하기보다는 아름답고 자연스러운 과정의 일부로 받아들이세요. 의도치 않은 자연스러운 결과물이, 특정 방식으로 표현하려고 과도하게 덧칠하는 것보다 훨씬 더 아름답습니다.
- 얼굴의 각 부분을 분리해서 생각하지 마세요. 코나 입술을 얼굴의 나머지 부분과 따로 작업해야 하는 대상으로 생각하지 마세요. 전체적으로 연결된 큰 형태를 그리세요.
- 사실적이고 풍부한 색감의 피부톤을 표현하는 것이 목표라면 (의도적으로 제한된 색상 팔레트를 사용하는 것도 좋지만), 따뜻한 붉은색과 차가운 붉은색을 모두 사용하는 것이 중요합니다. 모든 피부색에는 따뜻한 색조와 차가운 색조가 모두 포함되어 있기 때문입니다.
- 작은 작품을 만들거나 이동할 때는 색깔별로 칸이 나뉘어 있고, 색을 섞을 수 있는 큰 칸이 있는 플라스틱 팔레트를 사용합니다. 큰 그림을 그릴 때는 다양한 에나멜 정육점 트레이와 개별 세라믹 접시를 사용합니다.
다니엘 스미스 수채 물감은 색소가 풍부해서 강렬한 색감을 쉽게 표현할 수 있다는 점이 정말 마음에 들어요. 팔레트에 펼쳐 놓고 말린 후에도 다시 물을 묻히면 새것처럼 선명하게 발색되고, 따로 문지르거나 닦을 필요도 없어요! 독특한 특성을 지닌 색상을 포함하여 다양한 색상이 준비되어 있어, 어떤 상황에서도 자신에게 딱 맞는 색상을 찾을 수 있다는 점도 큰 장점입니다.
