Pintar con éxito del natural o de fotografías es en gran parte un proceso de decidir qué NO incluir. Cualquiera que sea su tema, cuando se prepara para pintar, hay mucha más información frente a usted de la que debería tratar de poner en la imagen. Nuestros ojos pueden detectar una gama infinitamente sutil de valor, color y textura, pero incluir incluso la mitad de todo lo que podemos ver daría como resultado una imagen sobrepintada que no deja nada que hacer al espectador.

Las pinturas que más admiro emplean una verdadera economía de medios. Me permiten sentir la presencia del sujeto sin ser demasiado específico. Si una imagen me muestra más de lo que necesito saber, empiezo a sentirme excluido, como si no fuera parte de la audiencia prevista por ese artista. En el mejor trabajo, existe una asociación entre el artista, el medio y el espectador que se basa en nuestra experiencia compartida como personas visualmente sensibles. Asumo que mi audiencia hipotética siente lo mismo, así que trato de darles el tipo de experiencia que busco para mí.

Simplifique centrándose en los elementos esenciales

El hecho de que pueda ver algo no significa que tenga que ponerlo en la pintura. Demasiada información tiende a subvertir la ilusión de espacio en una pintura. La tarea es encontrar formas de simplificar la avalancha de información, especialmente en áreas de la imagen que no están destinadas a atraer la atención del espectador. Mirar directamente a la fuente de la imagen (la foto o la vista real) no es lo mismo que mirar una pintura. A medida que su ojo se mueve de un lugar a otro en la fuente, a menudo puede ver muchos detalles dondequiera que mire. Los blancos brillantes y los oscuros muy oscuros pueden verse a lo lejos, pero pintar el rango completo de valores en el fondo le daría a esa parte de la escena tanta importancia visual como el punto focal deseado. El fondo aparecía en el plano de la imagen, confundiendo la sensación de espacio.

Entonces, ¿cómo elegimos qué mostrar específicamente y qué simplemente inferir? Encontrar los elementos esenciales de un tema depende, por supuesto, de las preferencias individuales del artista, pero en aras de la generalización, supongamos que queremos mostrar un sentido convincente de la sustancia del tema, una ilusión de espacio real y un sentido coherente. sensación de luz.

Valor: la variable más importante

De todas las variables que intervienen en el proceso de pintar una imagen realista, la más importante con diferencia es el valor. Tu uso del color puede ser fantasioso o caprichoso y tu dibujo puede alejarse de la precisión, pero mientras las relaciones de valor sean verdaderas, la imagen será sólida. Comenzar con un boceto monocromático de cinco valores del sujeto es una buena manera de descubrir la estructura básica de la pintura. Limitar la imagen a blanco, gris claro, gris medio, gris oscuro y negro me obliga a simplificar la avalancha de información. Elegí Carbazol Violeta para mi boceto de puertas azules — un color que puede oscurecerse lo suficiente como para representar el negro. Tan simple como es, el bosquejo rápido sirve como punto de referencia para las decisiones sobre dónde podría ser necesaria una mayor sutileza y dónde es suficiente un tratamiento muy general.

Revisando este boceto, varias cosas quedan claras. En primer lugar, esta es una imagen llena de gente. Casi toda la actividad ocurre dentro de un espacio relativamente poco profundo. La serie de rectángulos, óvalos, líneas y cilindros flotan por separado sobre la superficie de la página, unidos por la matriz de la pared. Por esa razón, no me centraré en la textura complicada de la pared en sí, ya hay suficiente en ese plano. Encontraré una manera de sugerir la riqueza de la textura sin competir con la claridad de las formas principales.

A continuación, los oscuros más oscuros son escasos, pero muy importantes. Solo unos pocos trazos finos distribuidos por la superficie proporcionan una profundidad y solidez significativas. Como son tan potentes, sé que tendré la tentación de hacer muchos de ellos. Sería fácil exagerar. Cuando estoy pintando la capa final, generalmente tengo que recordarme a mí mismo que debo dar un paso atrás después de los primeros trazos y preguntarme si eso es suficiente.

Una imagen convincente en cinco valores

Siempre es fascinante descubrir que solo cinco valores de un solo color pueden llegar tan lejos para lograr una imagen convincente. En este caso, solo hay algunos lugares donde siento la necesidad de ser más sutil o específico. Las puertas, que me atrajeron a la escena en primer lugar, quieren mayor profundidad y sustancia. Aquí, pinté la puerta central con solo tres capas: gris medio, gris oscuro y negro. La versión final se beneficiaría de una primera capa del valor de la luz, dejando algunas áreas como "agujeros" en la segunda capa media. Las puertas también deberían ser un poco más oscuras en relación con la pared para acentuar el poco espacio que hay en la imagen.

Las bandas horizontales del cielo y la carretera pueden servir como una especie de marco para toda la imagen. Contendrán todas esas formas separadas, especialmente porque los lados de la imagen se recortan de forma improvisada. El cielo es lo suficientemente ancho como para sostenerse por sí solo, pero esa estrecha franja de camino a lo largo de la parte inferior deberá ser más obviamente horizontal. Debo recordar dejar que los trazos sueltos que lo definen se mantengan agradables y planos.

De claro a oscuro, de general a específico

La naturaleza fluida y transparente de la acuarela sugiere una progresión pictórica lógica que va de lo claro a lo oscuro y de lo general a lo específico. Antes de comenzar con la pintura final, trato de entender el tema como una serie de capas que se ajustan a esta progresión. Imagino una sucesión de películas transparentes que se sumarán a la complejidad total de la imagen. Cada capa tiene áreas sin pintar, o "agujeros", que permiten que la capa anterior se vea sin cambios. Una vez más, el bosquejo de cinco valores sirve para guiar mis elecciones de qué hacer primero.

Algunas preguntas básicas ayudan a planificar la pintura.

1. ¿Cuál es el área grande más clara de la pintura? En este caso es claramente la pared, así que empezaré por ahí.

2. ¿Hay un solo color que pueda aplicar en toda esa área? El cálido tono beige del estuco subyace en la mayor parte de la mitad de la pintura, pero antes de dejar ese lavado, necesito hacer otra pregunta.

3. ¿Hay algo que necesite pintar alrededor? Estoy buscando lugares dentro de la forma grande que no deberían tener ese beneficio como primera capa. Los pocos blancos identificados en el croquis de valor deben conservarse. También quiero resaltar el mosaico insertado, así que pintaré alrededor de todo el óvalo por ahora. Quiero conservar la claridad del azul de las puertas, así que, aunque serán mucho más oscuras que la pared, también las dejaré blancas. Mezclé ocre amarillo con titanio pulido y lo puse bastante húmedo, para darme tiempo para considerar la siguiente pregunta.

4. ¿Hay algo que deba hacer mientras aún está húmedo? Esta es mi oportunidad de sugerir la textura compleja de la pared sin hacer que la superficie esté demasiado recargada. Tocar otros colores casi neutros de alto valor en el primer lavado agrega toda la variedad que necesito, y los bordes suaves aseguran que no competirá con las formas de puertas y sombras más distintas que vendrán más adelante. En general, es una buena idea agregar textura y complejidad general a la primera capa, mientras aún está húmeda. Las manchas y manchas en la pared de estuco son un buen ejemplo. Más tarde, cuando se coloca una capa más específica, como las sombras de los letreros, sobre esa información general, sirve para unirlo todo.

Capa 1

Recomiendo colocar la primera capa en todas partes de la pintura antes de pasar a la segunda y tercera capa en cualquier lugar en particular. Bloquear la imagen completa al principio del proceso ayuda a mantener la imagen completa unida. Confieso que aquí es donde rompo mis propias reglas con mayor frecuencia, ya que a veces no puedo resistirme a ver cómo se verá la parte que estoy pintando en este momento con la siguiente capa. Pintar las sombras alrededor de las puertas antes de que las puertas mismas tengan una primera capa, por ejemplo, hace que sea muy difícil sentir la profundidad del espacio dentro de la escena. Sin embargo, tan pronto como se coloca la primera capa de azul, la pared comienza a sentirse continua y sólida.

Capa 2

Una vez que haya identificado la importancia relativa de las diferentes partes de su imagen, puede decidir cuántas capas se deben usar para cada una. Las montañas distantes, por ejemplo, pueden necesitar solo un ligero lavado, mientras que un edificio en la distancia media puede necesitar el rango completo de valores de cuatro capas. Dado que las puertas son la parte más compleja de esta pintura, consideremos la progresión de las capas que las crearon. Antes de aplicar cada capa, vuelvo a hacer mis preguntas básicas. Mirando la puerta a la derecha, puede ver la primera capa azul más clara (1, 2). Tenga en cuenta que he pintado alrededor de los cuatro rectángulos que no podían tener azul como base (3). Dentro de ese primer lavado también hay algunos lugares donde elegí agregar color mientras aún estaba húmedo (4).

En la siguiente imagen, esa misma puerta ahora tiene una segunda capa de azul algo más oscura. Aquí quería conservar nuevamente esos cuatro rectángulos, además de un poco de la primera capa alrededor de ellos que se convertirá en los bordes de los paneles elevados. Observe que esta capa es más pequeña y más específica que la anterior. Las pinceladas que lo componen están todas conectadas, pero la aguada comienza a dividirse en pinceladas separadas.

Capa 3

Mirando la misma área en la pintura terminada, se ven dos capas más. La sombra proyectada del voladizo corresponde al gris oscuro en el estudio de valor. También he agregado algunos trazos muy específicos para representar los lados sombreados de los paneles elevados.

Tan pronto como veo que la capa actual involucra pequeños trazos separados, sé que me estoy acercando al lugar correcto para detenerme. Reconocer este momento puede ser la habilidad más importante de todas. Implica ser capaz de mirar tu propia pintura como si alguien más la hubiera pintado. Recuerde, es mejor errar por el lado de muy poca información que por el de demasiada. Después de que haya pasado un tiempo y puedas estar más desprendido del trabajo, siempre puedes agregar los trazos que faltan.

Capa 4

Ahora mire la puerta a la derecha en la pintura terminada e intente ver este proceso al revés. Cuento cuatro capas, cada una más pequeña y más oscura que la anterior.

Aprende mirando

Es útil echar un vistazo analítico a las pinturas que admiras para ver cuántas capas están involucradas. Vea si puede decir lo que se hizo primero, luego lo siguiente y lo siguiente de nuevo. Es posible que se sorprenda al descubrir que rara vez se necesitan más de cuatro o cinco capas para alcanzar una densidad y una luz muy convincentes. Muchas de las imágenes aparentemente detalladas de Sargent se componen de solo tres capas. Gran parte de su agua notablemente compleja y fluida se realiza con solo una primera capa de lavados verticales atravesada por una segunda de trazos horizontales.

Por supuesto, habrá algunos temas que se nieguen a resolverse en una simple serie de capas, pero como enfoque general para simplificar el proceso de pintura, es un lugar efectivo para comenzar. ¡Adelante y hacia arriba!

Puertas azules de Tom Hoffmann