L'interprétation de notre monde visible complexe implique plus que de simples yeux innocents ; cela nécessite une approche réfléchie et dirigée qui dément la simple copie. Un jugement esthétique d'un objet qui ne serait pas considéré comme beau au sens traditionnel, oblige le spectateur à contempler une combinaison de qualités, y compris la forme, la couleur et la forme. C'est avec la sensibilité esthétique d'un artiste que je poursuis les objets de ma fascination. Je considère tout alors que je traque mon sujet comme une proie, à la recherche du moindre soupçon de couleur ou d'élégance texturale qui suggérerait un sujet digne de rendre. La lumière dont ces objets de sujet sont affichés peut signifier la différence entre des examens complémentaires et un interrogatoire, ou celle d'un simple coup d'œil.

Une fois que mon regard a rencontré un thème qui mérite qu'on s'y attarde, je consacrerai entre 5 minutes et 2 ans à découvrir son potentiel. La plupart de mes sujets sont là, bien en vue, ignorés, négligés, condamnés et surtout pour moi, invisibles pour les passants. Nous marchons dans les rues en regardant mais sans voir, visible mais invisible, il est assis tranquillement, passivement inconsidéré.

"Verrouillé et chargé II"

"Crise mondiale"

Ces moments de découverte sont rares et leur révélation ressemble à la découverte de l'Arche d'Alliance, mais toutes les découvertes ne peuvent pas devenir un sujet. C'est peut-être en dessinant sur place que le plein potentiel d'une idée peut se révéler ou être rejeté comme une pensée éphémère. L'acte de création est pour moi un long processus qui a pour point de départ des dessins très rapides qui, à leur tour, peuvent devenir une obsession qui peut prendre plusieurs mois à se résoudre.

L'idée de la beauté dans le banal n'est pas un concept nouveau, mais elle me pousse à aider à éclairer ceux qui n'ont pas envisagé le plaisir d'une vieille porte avec sa peinture écaillée et délavée. Il s'agit d'une surface en bois ébréchée ou rouillée qui s'érode lentement avec le temps et les intempéries. La pierre ou le plâtre qui ressemble maintenant à la surface de la lune avec ses textures cratérisées et grêlées et sa couleur fanée. Avez-vous déjà remarqué les taches de rouille d'une grille en fer entourant une ancienne fenêtre comme un ange en pleurs ? C'est un beau pigment d'oxyde de fer qui tache la surface en dessous sans que personne ne s'en soucie ou même ne s'en aperçoive.

Mon processus de peinture est varié et parfois assez long, mais j'essaie autant que possible de le rendre intéressant et non répétitif car il n'y a rien de pire que la routine ou l'ennui pour tuer l'inspiration. Mon sujet est également assez varié et peut aller d'un camion au coin d'une rue, à un piéton passant devant un beau mur, à une vieille porte patinée et décolorée. La plupart de mes images et de mes idées proviennent de mes voyages et pour moi, c'est le buzz que je ressens en voyant des endroits nouveaux et intéressants, l'exploration de rues inconnues, de nouveaux visages et la surprise que vous obtenez lorsque vous tournez un coin et que vous êtes accueilli par une image qui vous excite vraiment.

"Sélection naturelle"

Normalement, je transporte un carnet de croquis, de petites aquarelles, quelques pinceaux et crayons (couleur et graphite) et un appareil photo. Tout dépend du temps et de la situation, si je suis pressé, je peux juste prendre quelques images avec mon appareil photo. Si j'ai le temps je ferai un dessin rapide, mais si le sujet en est très certainement un que je réutiliserai plus tard, alors j'investis un peu de temps et fais une petite peinture sur place. Cela dépend vraiment de ce que je recherche dans l'image. Est-ce juste une étude de composition rapide ou, comme cela peut arriver assez souvent, je suis immédiatement frappé par un flux d'idées et de compositions potentielles sur la façon d'aborder un sujet donné. Si j'aime vraiment l'image, je reviendrai fréquemment à différents moments de la journée pour voir comment la lumière du soleil affecte le sujet, car les ombres et les couleurs peuvent être modifiées de manière assez spectaculaire avec les éléments. Si j'en profite pour travailler sur un sujet intéressant, je trouve que je dois travailler très vite car les formes de lumière et d'ombre changent très rapidement. Ce bourdonnement initial d'excitation lorsque vous voyez une ombre pour la première fois, projetée à cause du soleil, peut changer très rapidement et de façon spectaculaire, donc je photographie normalement le sujet en continu pendant que je travaille. J'aurai donc une sélection d'images à différentes étapes qui m'aideront à m'informer de ce que je fais.

"Bent of of Shape"

Quand je retourne finalement à l'atelier - je collectionne mes dessins, peintures et photographies et je les apporte dans l'espace de travail, avec des objets trouvés, ensemble, ils m'aident à développer mes aquarelles. Très souvent, un tableau est la somme d'un certain nombre d'éléments différents réunis pour produire une image finale qui peut ou non avoir existé. Il y a une tentative délibérée non seulement de reproduire fidèlement une surface, une photographie ou un objet, mais de le réinterpréter de manière à produire une pièce finale forte qui, espérons-le, est très unique.

Au fil des ans, j'ai tendance à être attiré par des sujets très similaires, même si j'essaie d'être ouvert d'esprit sur ce que je peins. Je ne cherche certainement pas quelque chose en particulier, mais certains thèmes reviennent sans aucun doute. Tout ce qui a du caractère, qui a l'air un peu inhabituel mais qui n'est pas artificiel, attirera mon attention. La composition est un élément très important pour moi et tout est considéré avant d'être mis de côté, encore une fois j'essaie de ne pas avoir de pensée préétablie sur la façon dont les choses devraient ressembler ou comment je veux qu'elles soient. Au lieu de cela, j'utilise mon instinct pour savoir ce que je ressens à propos de la composition, je suis assez apte à reconnaître comment l'œil se déplace autour d'une image ou d'une surface, et je peux généralement commander cette partie du processus de composition comme un chef d'orchestre avec un orchestre . Dans ma jeunesse, j'étais très occupé à utiliser la section dorée et cela prédéterminait comment je mettrais en place mes peintures et mes images, et si cela ne correspondait pas ou ne fonctionnait pas sans changer énormément de choses, je passerais à autre chose et je rejetterais que comme sujet. Maintenant, je suis beaucoup moins restrictif et je vais me fier à mon intuition et à mon expérience pour me guider.

"Os nus"

La plupart de mes peintures qui sont exposées, sont travaillées en studio comme la plupart de mes croquis et dessins réalisés sur place, sont entièrement considérées par moi comme un support, et non pour la consommation du spectateur. Je travaille souvent avec un carnet de croquis ouvert sur une table dans l'atelier, où je peux faire rebondir des idées, des pensées, des études de composition et même de la couleur tout en travaillant sur une peinture. Cela signifie généralement que mes carnets de croquis sont un conglomérat d'images et d'écrits sans sens évident de structure, mais c'est bien car ils ne sont là encore pour personne d'autre que moi, pour m'aider à résoudre des problèmes visuels et à capturer des idées.

"Couleur du temps"

En studio, j'utilise principalement la peinture de DANIEL SMITH. Mon expérience avec leurs peintures suggère qu'elles ont une pigmentation élevée et de bonnes qualités de résistance à la lumière et qu'elles ont beaucoup de couleurs inégalées par d'autres fabricants. Ma palette peut être assez large et variée, mais il y a une sélection de base de couleurs que j'utilise souvent. Le bleu de Prusse et le brun Van Dyck pour faire du noir, le bleu céruléen pâle et le pyrrol orange transparent sont souvent utilisés au début de chaque tableau pendant que j'établis la forme. J'utilise également une variété de bleus et de bruns différents, le vert olive et le bleu sarcelle de cobalt, le vermillon biologique, la terre de Sienne et le jaune indien sont également parmi mes couleurs les plus populaires et bien sûr, le blanc chinois pour produire une sélection de teintes.

Mes cartes à pois aquarelle DANIEL SMITH contiennent une petite sélection de peintures incontournables de ma palette. Ils contiennent des couleurs dont je ne pourrais pas me passer et comprennent généralement des couleurs difficiles à reproduire à partir d'une gamme de couleurs de base en raison de leur intensité et de la force de leur pigment. La dernière couleur de la gamme DANIEL SMITH est Lavande et c'est une couleur que j'utilise certainement dans la plupart, sinon dans toutes mes peintures. Bleu sarcelle de cobalt et Teinte bleu manganèse sont également indispensables et utilisent presque toujours des couleurs.

J'ai également utilisé récemment DANIEL SMITH Aquarelles en sticks, ceux-ci se sont avérés indispensables, en particulier lors de travaux sur le terrain, car ils peuvent appliquer des couleurs solides et fortes par-dessus des lavis d'aquarelle plus foncés. J'utilise les bâtons d'aquarelle au fur et à mesure de mes besoins, mais ils prennent vie lorsque vous travaillez sur une surface humide ou que vous ajoutez de l'eau à une ligne tracée. J'aime particulièrement utiliser le Orange Pyrrol, Vermillon Bio, Feu vert permanent et Bleu sarcelle de cobalt quand ils sont « secs » car ils ont une belle intensité. Bleu cobalt, Rouge Pyrrol et Jaune vanadate de bismuth sont très forts quand on ajoute de l'eau, et j'aime le fait que je peux utiliser le Blanc de Titane et Titane chamois au-dessus des couleurs sombres. Tout cela s'ajoute à une gamme plus large de techniques d'aquarelle et aide au développement de l'expérience artistique.

J'utilise également des crayons de couleur et bien que je ne les utilise pas beaucoup maintenant, je les ai utilisés dans le passé sur des lavis d'aquarelle pour augmenter les couleurs et aider au dessin. C'est l'une des nombreuses raisons pour lesquelles j'aime travailler avec l'aquarelle ; il est propre, ne sent pas, sèche très rapidement, léger et facile à transporter et, je peux les modifier facilement en dessinant dessus, en frottant et en lavant, mais tout cela repose sur une bonne base solide.

Comme pour ma peinture, j'ai expérimenté différentes surfaces sur lesquelles travailler. Cela m'a amené à expérimenter même le collage en utilisant des papiers faits à la main pour créer différentes textures de surface qui seront ensuite travaillées à l'aquarelle. J'ai trouvé cette façon de travailler très intéressante, mais elle a ses problèmes, en particulier lorsque différents poids de papier absorbent plus ou moins que son voisin et que certaines zones de la peinture peuvent prendre plus de temps à sécher que d'autres.

Le support pour l'aquarelle est traditionnellement du papier et du papier spécial aquarelle utilisant du coton 100%, qui est spécifiquement sans acide signifie que les chances de longévité sont maintenant très élevées. Tant que les peintures à l'aquarelle sont de bonne qualité et maintenues dans des niveaux de lumière assez faibles d'environ 50 lux ou moins, les peintures dureront des siècles, comme on peut le voir dans les aquarelles d'Albrecht Durer.

Personnellement, j'utilise principalement des papiers faits à la main pour un certain nombre de raisons ; Je trouve chaque morceau de papier unique, la main et le savoir-faire du papetier sont fondamentaux dans le processus de fabrication d'une feuille de papier aquarelle, une œuvre d'art en soi. Ainsi, certaines pièces peuvent être de forme irrégulière, avoir un bord frangé que j'adore et peuvent être sous ou surdimensionnées, tout cela contribue à une expérience unique, et le talent du peintre est de gérer toutes les incohérences et de produire une œuvre d'art digne du papier.

"Pause thé"

"Coin occupé"

J'utilise du papier aquarelle de haute qualité depuis plus de 30 ans, mais c'est un phénomène relativement récent pour moi de travailler sur le papier fait main produit dans le musée de la fabrication du papier à Fabriano- Museo della Carta e della Filigrana. Je préfère utiliser "Rugueux" qui est un terme pour une surface bosselée irrégulière au lieu du "Non" lisse (rugueux) que vous pouvez toujours obtenir en fonction du feutre de laine sur lequel le papier est initialement posé. J'aime la surface plus rugueuse car elle m'aide à créer des textures multiples dans mes peintures. J'ai également utilisé du papier indien fait main qui peut être légèrement plus jaune que le papier italien, et plus gauchi en apparence, mais la surface est également très agréable à travailler. Il existe bien sûr de nombreuses entreprises différentes, et donc de nombreuses variantes et types de papier, et cela dépend généralement des préférences individuelles, celles-ci s'adaptent simplement au sujet que j'utilise et à ma façon de travailler.

Pour moi, un bon pinceau est inestimable, mais j'utilise de nombreux types et variétés de pinceaux différents en fonction de ce que je veux faire - certains sont très chers et d'autres sont des pinceaux de loisir bon marché. J'utiliserai de grandes brosses de lavage de 1 à 2 pouces pour de grandes surfaces de lavages plats, y compris le ciel, j'utiliserai des brosses à tête de vadrouille pour plus de marques calligraphiques. J'utilise également de petits pinceaux synthétiques à un coup de ¼ de pouce pour faire de petites zones larges de peinture à plat telles que des zones sombres. Lorsque ceux-ci sont suffisamment usés ou évasés, ils sont ensuite dessinés pour être utilisés pour le pointillé, le brossage à sec et les éclaboussures. J'utilise des « ronds » pour dessiner et appliquer de la peinture à l'aide de la pointe et des côtés, des gréeurs pour les traits fins ; brosses synthétiques parce qu'elles sont résistantes mais zibelines parce qu'elles retiennent beaucoup d'eau. Je trouve particulièrement les petites brosses à manche plus faciles à utiliser car je peux mieux les contrôler, les brosses de loisir offrent cette contrôlabilité, mais les poils ne correspondent pas tout à fait à la qualité à laquelle je m'attendrais normalement. J'utilise également un certain nombre d'outils différents pour créer des marques qui m'aident dans mes peintures. Éponges, papier froissé, papier de soie, film plastique, sel, aérosols pour plantes et parfois aérographes sont à ma disposition et je les utiliserai si nécessaire.

J'essaie de manier et de brutaliser mes aquarelles et pinceaux pour décrire sans les mille mots obligatoires, la splendeur que je trouve dans l'ordinaire. J'ai trouvé de nombreuses façons de plier la peinture à ma volonté afin de la faire honorer le sujet de manière appropriée et avec le temps, je suis devenu plus apte à trouver des sujets qui me testent au maximum. J'espère qu'après avoir visionné mon travail, vous prendrez un moment en vous promenant dans une rue familière pour considérer et apprécier la magnificence de tout ce qui vous entoure, un monde incroyable "caché à la vue".