Pour commencer, voici quelques principes directeurs à garder à l'esprit lorsque vous travaillez avec l'aquarelle en plein air. Les quinze premières minutes de votre peinture sont essentielles pour obtenir les bonnes relations ~ faites un plan et respectez-le pour les motifs de lumière et d'ombre, car la lumière continuera à changer lorsque vous peignez à l'extérieur ~ n'essayez pas de chasser la lumière ou vous ne finirez jamais !

• Prévoyez de sauver vos blancs et lumières
• Peignez du clair au foncé et de haut en bas
• Peignez l'arrière-plan, puis le milieu, puis le premier plan
• Commencez par de larges traits avant de passer aux détails, en utilisant votre plus gros pinceau aussi longtemps que possible

Ce ne sont pas des règles absolues et peuvent être ajustées en fonction de votre situation et de votre sujet, mais ces directives vous aideront à démarrer et vous guideront tout au long du processus avec un plan et un objectif. La planification est particulièrement critique pour le travail en plein air, car il y a une fenêtre d'opportunité limitée pour travailler pendant que la peinture est active.

1. Soyez clair sur ce qui vous a attiré dans votre sujet
Si vous pouvez articuler votre objectif et ce que vous voulez exprimer à ce stade, vous avez une longueur d'avance ! Par exemple - "J'aime la façon dont le soleil reflète la lumière dorée sur l'eau." Écrivez-le à côté de votre tableau pour vous le rappeler.

2. La division de l'espace est la façon dont nous racontons notre histoire
Nous pouvons prendre certaines décisions exécutives au tout début qui sont importantes pour raconter notre histoire. Questions à se poser :

• Cette peinture parle-t-elle davantage de la terre ou du ciel ?
• Y a-t-il un horizon bas ou haut ?
• Où est votre point focal ?
• D'où vient votre source de lumière ? Est-ce une lumière chaude ou froide ?
• Trouvez vos lumières et laissez-les ouvertes et enregistrez les blancs que vous voulez pour plus tard

3. Cherchez les quatre plans de lumière

• Le plan du ciel est généralement la valeur la plus claire
• Le plan de masse est un peu plus sombre
• Le plan incliné (pensez aux collines) est généralement plus sombre à nouveau
• Le plan vertical (pensez aux arbres) est presque toujours le plus sombre

4. Simplifiez la scène
Comment simplifier le plan quand tout semble si compliqué ? Décomposez tout en formes et en valeurs. Trouvez vos ténèbres en plissant les yeux ~ cela bloque efficacement tout ce que vous ne pouvez pas voir à travers vos cils. Si vous ne pouvez pas le voir lorsque vous plissez les yeux, ne le mettez pas comme si c'était un détail, même si vous savez qu'il est là. C'est tentant, mais nous devons résister à cette envie d'être trop précis pour l'instant et de nous concentrer sur le regroupement de vos obscurités dans de grandes formes et valeurs. En regroupant vos darks ensemble, vous pouvez simplifier vos formes et les relier pour créer un plus grand impact.

Identifiez vos formes sombres et claires et la division de l'espace positif par rapport à l'espace négatif. Ceci est essentiel pour créer la structure de votre peinture avec une division appropriée de l'espace. Variez vos formes pour que ce ne soit pas ennuyeux ~ la variété est le piment de la vie et vous êtes le designer ici ! Créez quelques formes et motifs intéressants, mais pas trop ou cela n'atteindra pas la simplification que vous recherchez.

Traversez les limites physiques des objets en reliant l'objet à son ombre. Essayez de ne pas vous concentrer sur le nom de la forme, considérez-la plutôt comme une valeur sombre, moyenne ou claire. Sinon, votre cerveau verbal et logique voudra prendre le contrôle. Le nommer «arbre» ou «maison» vous empêche d'obtenir ces connexions et relations critiques correctes dans la partie spatiale du cerveau, ce qui rend plus difficile de voir les modèles et les valeurs abstraits.

Il existe plusieurs façons de faciliter ce processus. En studio, j'imprime les versions couleur et noir/blanc de ma photo pour voir les différences de valeur. Sur le terrain, je crée un croquis miniature avec seulement deux ou trois valeurs qui sera la carte du territoire que vous allez peindre.

5. Visualisez la scène avec des lunettes à lentilles rouges ou le filtre de l'appareil photo de votre téléphone 
Cela évite d'être confondu par la couleur. Le filtre rouge assomme la couleur et vous ne voyez que les valeurs ~ ce qui facilite la visualisation des formes claires, moyennes et sombres dans lesquelles vous les décomposerez pour les simplifier.

Si la clé de l'immobilier est "emplacement, emplacement, emplacement", la clé de l'aquarelle est "valeur, valeur, valeur". La plupart des aquarelles qui ne fonctionnent pas ont un problème avec des valeurs incorrectes. Assurez-vous de pouvoir identifier clairement au moins 3 valeurs tonales - clair, moyen et foncé. C'est peut-être l'étape la plus importante pour réussir votre peinture ~ obtenir des formes et des valeurs appropriées crée la structure et le cadre qui maintiendront votre peinture ensemble. Une fois que vous aurez bien compris, vous pourrez vous détendre dans la spontanéité du délicieux flux du médium, mais votre planification rendra cela tellement plus facile !

6. Utilisez la règle des tiers pour créer une composition convaincante par conception
Divisez la scène en ratios de dominance de 1/3 à 2/3. Par exemple – clair à foncé, chaud à froid, zones actives à passives, texture audacieuse à douce, ciel à terre. La clé n'est pas d'avoir deux moitiés égales de quoi que ce soit, car votre spectateur sera confus par quelle moitié est la plus importante. En choisissant la règle des tiers, vous indiquez à votre spectateur ce que vous pensez être le plus important. Vous donnez un message clair sur ce que vous voulez communiquer avec votre peinture.

7. Concevoir pour un impact maximum en exagérant, manipulant et éditant
Utilisez ces outils pour créer une voie pour l'œil qui mène le spectateur dans et à travers votre travail. Vérifiez les défauts de conception à ce stade précoce en regardant dans le viseur de votre appareil photo pour gagner en objectivité et voir s'il fonctionne dans son ensemble.

8. Esquissez un dessin au crayon lâche avec une touche légère
Tenez votre crayon sans serrer pour éviter de serrer trop rapidement. Descendez le squelette pour pouvoir ajouter la chair et les os à l'aquarelle. Ne perdez pas de temps à être obsédé par les détails à ce stade, sauf s'ils sont essentiels à votre conception. Vous pouvez aussi dessiner avec de la peinture qui restera plus fluide et libre. Obtenez la bonne structure de forme principale et vous pouvez vous soucier des détails à la toute fin. En d'autres termes, faites cuire le gâteau avant de le glacer !

9. Créez une harmonie de couleurs
Je recommande d'utiliser une palette limitée. Au fur et à mesure que votre connaissance des couleurs augmente, vous pouvez ajouter et expérimenter plus de teintes. N'oubliez pas ce fait important - l'utilisation du même groupe de couleurs crée une harmonie dans votre peinture. La chose la plus importante que je recommande est de disposer vos couleurs avec du chaud d'un côté et du froid de l'autre. De cette façon, vous comprendrez la température de vos mélanges et il sera plus facile de réchauffer ou de refroidir votre peinture au besoin. Pensez aux couleurs chaudes comme le soleil avec une base jaune et aux couleurs froides avec une base bleue comme l'océan.

J'aime disposer mes couleurs dans une palette circulaire selon la roue chromatique, de sorte qu'il soit très clair qui se font face. Cela vous apprend à mélanger des couleurs complémentaires pour faire des neutres harmonieux qui font chanter vos tableaux ! Un autre point important est que l'aquarelle sèche généralement quelques tons plus clairs que lorsqu'elle est mouillée, alors tenez compte de cela et rendez vos sombres plus sombres que vous ne le pensez pour compenser.

Restez simple jusqu'à ce que vous compreniez mieux le mélange des couleurs. Si vos valeurs sont correctes, les couleurs fonctionneront. Comme dans la vie, si vous avez les bonnes valeurs… le reste est facile !

10. Peignez avec votre cœur
Exprimez ce que la scène vous fait ressentir, plutôt que de vous soucier de la brillance technique. Je fais habituellement mes peintures en trois passes ou lavis. Construisez vos lavis en couches, la première passe économisant les blancs et mettant les valeurs les plus élevées/plus claires (photos 1 – 2). La deuxième passe établit la forme et la valeur (photos 3 – 4).

Photo 1

Photo 2

Photo 3

Photo 4

Photo 5

Le troisième passage est l'endroit où vous pouvez vraiment aller en ville pour peaufiner et peaufiner ce que vous voulez. Faites parler ces détails dans votre langue et exprimez pleinement votre histoire ! Ces touches calligraphiques et fioritures intéressantes conduisent le spectateur à votre point focal, lui laissant une expression claire de votre idée.

Rappelez-vous simplement le processus global :

• Étape 1 : Planification, composition et sous-couche
• Étape 2 : Détermination des valeurs de structure et d'ambiance par la couleur et la température
• Étape 3 : Affiner les détails pour unifier les éléments et faire du point focal la star

Une autre chose à retenir est l'importance de la cohérence avec votre rapport peinture / eau. Voici ma règle générale - le premier lavage est une consistance de café ou de thé avec un peu d'eau. Ensuite, pour le deuxième passage, j'utilise une consistance crémeuse avec moins d'eau et plus de peinture (mouillé sur mouillé donne des bords doux). Pour les accents finaux, j'utilise de la peinture directement sortie du tube (humide sur sec donne des bords nets pour les objets fabriqués par l'homme et les détails importants). Charger correctement votre pinceau pour contrôler le rapport entre humide et sec demande un peu de pratique, mais vous pouvez contrôler la quantité d'eau en déchargeant d'abord une partie de l'humidité sur une éponge. Ne commencez pas avec un pinceau déjà à moitié chargé d'eau après l'avoir rincé, sinon vous n'obtiendrez pas la consistance dont vous avez besoin et vous aurez beaucoup de fleurs de chou-fleur sur votre peinture !

Quelques réflexions finales… prenez souvent du recul par rapport à votre travail pour vous assurer que vous travaillez la peinture de manière holistique et pas simplement avec des objets isolés. Travaillez l'ensemble du tableau pour qu'il se développe à chaque étape de manière équilibrée.

Rappelez-vous sans cesse votre idée originale et faites des coups confiants qui soutiennent cette intention. Évitez les coups de «léchage de chat» qui font un gâchis boueux. Arrêtez-vous avant de penser que vous pourriez avoir terminé pour réévaluer et poser de bonnes questions pour terminer. Ne surchargez pas votre peinture. Il vaut mieux lui laisser quelques imperfections fraîches et expressives que de le fouetter à mort ! Faites-moi confiance. J'en ai fouetté beaucoup et ils sont comme des fantômes qui me hantent sous mon lit.

Et maintenant, le conseil le plus important et l'étape la plus difficile de toutes… posez les outils et éloignez-vous de la peinture !

Paysage doré de Georgia Mansur