Peinture à l'aquarelle sur un surface grand format invite les artistes à voir plus grand, à bouger plus librement et à expérimenter la couleur d'une manière totalement inédite. Rick Anderson, que la liberté commence par l'intention. Des décisions réfléchies concernant la composition, la lumière, les valeurs, l'espace négatif et son Palette de couleurs de Daniel Smith créer des bases solides, lui donnant la confiance nécessaire pour embrasser la spontanéité, un travail au pinceau expressif et l'énergie qui se déploie lorsque l'aquarelle a plus d'espace pour s'exprimer.

Alors, comment peindre sur de plus grands formats tout en conservant la fraîcheur, l'équilibre et la vitalité de l'aquarelle ? Nous avons posé cinq questions à Rick Anderson sur le travail à grande échelle : de la planification et la composition au mélange des couleurs, en passant par la technique et le rôle des aquarelles DANIEL SMITH dans son processus créatif.

Quels changements apportez-vous à votre approche lorsque vous peignez sur une surface de grand format, et comment parvenez-vous à maintenir la cohérence, le dynamisme et l'énergie de la peinture à mesure que l'échelle augmente ?

Que je peigne sur un grand ou un petit format, la planification est essentielle. Je travaille en atelier. Avant de m'installer à ma table de travail, je dois faire de nombreux choix. Quel format choisir ? Quelles couleurs pour ma palette ? Faut-il masquer certaines zones avant de commencer ? Faut-il réaliser une esquisse, et si oui, avec quel niveau de détail ?

Si je décide de peindre un édifice chargé d'histoire et de caractère visuel, quel niveau de détail dois-je lui donner ? Quelle est la direction de la lumière, et où se situent les zones claires, moyennes et sombres ? Dans quel environnement dois-je le placer pour qu'il mette en valeur le sujet principal, suscite l'intérêt, sans pour autant détourner l'attention de l'édifice ? Quelle taille dois-je lui donner ? Quelle est la taille idéale pour une composition optimale sur la page, et comment s'intégrera-t-il à l'espace environnant ? Dois-je privilégier ou minimiser l'espace négatif dans la peinture pour contribuer à l'harmonie d'ensemble ?

Ce sont des questions que je me pose avant même de toucher le papier avec mes pinceaux et mes toiles. Elles contribuent à donner à ma peinture une cohérence, un dynamisme et une énergie uniques. Ce n'est que le début. Quel que soit le nombre de questions que je me pose avant de commencer, d'autres surgissent une fois que je peins. Heureusement, grâce à mes années de pratique, nombre d'entre elles trouvent une réponse intuitive au fur et à mesure que je peins.

Comment le travail à grande échelle influence-t-il votre choix, la superposition et l'équilibre de vos couleurs ? Quel rôle jouent les aquarelles DANIEL SMITH pour vous aider à obtenir l'intensité et la profondeur que vous recherchez ? Quelle est votre triade de couleurs DANIEL SMITH préférée pour créer ces effets ?

Travailler sur un format plus grand me permet de créer davantage de zones d'intérêt au sein de la composition. Je peux ainsi réaliser des détails plus précis sans détourner l'attention de l'ensemble et conserver une approche spontanée et libre, même au sein des éléments plus structurés. J'utilise les aquarelles extra-fines DANIEL SMITH. En tant qu'ambassadrice de la marque DANIEL SMITH, je sais que chaque tube est identique, qu'il ait été fabriqué il y a un an ou aujourd'hui. Je peux compter sur cette qualité. La constance de ma peinture est primordiale, au même titre que la qualité du papier et des pinceaux. Je sais que lorsque je peins, je peux avoir confiance dans le mélange des couleurs pour obtenir systématiquement le résultat souhaité.

Je n'ai pas de triade de couleurs DANIEL SMITH pré-emballée préférée pour créer ces effets, mais si je veux être prêt à toute éventualité, je préfère avoir sous la main les trois couleurs primaires et les trois couleurs secondaires de DANIEL SMITH.

Votre approche du mélange des couleurs est unique. Pourriez-vous nous expliquer comment vous élaborez un mélange de couleurs et comment les pigments uniques de Daniel Smith influencent les résultats obtenus ?

En commençant par ma carte à points DANIEL SMITH de 18 couleurs et connaissant certains résultats que je peux obtenir, j'ai expérimenté en sélectionnant des couleurs que je n'avais pas utilisées auparavant afin de voir comment elles se mélangent avec mes 18 couleurs de base. En incorporant de nouvelles couleurs, je découvre de nombreux mélanges intéressants que je peux utiliser pour élargir ma palette de couleurs.

Je réalise souvent des mélanges directement sur le papier encore humide. Par exemple, lorsque je peins une zone d'arbres avec un mélange de vert sous-marin, d'outremer français, de bleu outremer et d'indigo sur une zone préalablement peinte en or quinacridone, ce mélange se fond parfaitement, créant l'effet recherché.

Lorsque cette zone humide commence à se fondre profondément dans le papier pressé à froid de 135 g/m², j'aime ajouter un autre mélange par endroits sur les arbres. La couleur que j'appelle magique est le lavande. À l'aide d'un pinceau chargé, j'en effleure délicatement les arbres. C'est alors que la magie opère. Le lavande s'infiltre dans les zones boisées, créant de magnifiques effets visuels. Vous trouverez un exemple ci-dessous.

Existe-t-il des couleurs ou des combinaisons de pigments DANIEL SMITH que vous utilisez particulièrement lorsque vous recherchez une granulation, une luminosité ou des effets atmosphériques inattendus ? Qu’est-ce qui rend ces combinaisons si efficaces à vos yeux ?

Ma peinture à l'aquarelle, “ Lumières nocturnes ”, de 56 x 76 cm, illustre parfaitement comment la planification et la flexibilité ont permis de créer des effets inattendus. J'adore ces moments de ” magie ” qui se produisent avec l'aquarelle. Je laisse la peinture me guider. Je la laisse se développer, en laissant les pigments et l'eau suivre leur cours naturel. C'est un défi stimulant, et lorsque le résultat est une œuvre réussie, la satisfaction est immense.

Les grandes toiles exigent à la fois planification et flexibilité. Comment concilier sa vision initiale et les imprévus qui surviennent en cours de route, notamment lorsque les pigments interagissent et créent des effets inattendus ? 

Mon aquarelle ci-dessous, “ Dans la brume ”, illustre parfaitement le processus de création. On remarque que la palette de couleurs est très restreinte, mais l'eau s'écoulait régulièrement sur le papier aquarelle texturé, inclinée à environ 9 degrés. La gravité a ainsi influencé le mouvement des pigments, les couleurs se mélangeant délicatement à divers endroits. Au départ, il semble que j'aie choisi d'utiliser seulement quelques couleurs chaudes et froides. Il est également évident que j'ai attendu avant de peindre les branches afin d'éviter que la couleur ne bave trop et ne perde leur aspect naturel.

Si je me souviens bien, j'ai utilisé du blanc de titane entre certaines branches pour éclaircir certaines zones. Je me souviens aussi avoir parfois utilisé un vaporisateur pour humidifier légèrement certaines surfaces et maintenir le papier légèrement humide afin de pouvoir poursuivre mon travail.

Remarquez également les doux reflets de l'eau à plusieurs endroits. Cette technique est un excellent complément pour obtenir ces effets visuels subtils. Bien que le tableau semble avoir été peint rapidement, ce n'est pas le cas, et il n'était d'ailleurs pas destiné à être réalisé en un temps limité. Je suis très satisfait de cette aquarelle, et j'ai obtenu le résultat que je souhaitais.

Inspirez-vous de Rick Anderson et laissez libre cours à votre imagination, que vous peigniez en petit ou en grand format. Expérimentez des mélanges inattendus, laissez l'eau et les pigments se mélanger et découvrez ce qui se passe. Grâce à la profondeur, la consistance et les possibilités de mélange infinies de Aquarelles extra fines DANIEL SMITH, Chaque tableau devient alors l'occasion d'explorer davantage la couleur, de faire confiance au processus et de faire ses propres découvertes.