Beaucoup de mes peintures commencent par une photographie soigneusement composée, à partir de laquelle je conçois la peinture. Je fais un dessin de ligne de contour relativement simple au crayon et j'utilise fréquemment une palette quelque peu limitée.

Cependant, avec le processus de création, rien n'est gravé dans la pierre. Souvent, je trouve que le sujet se prête à une technique de peinture très différente et à une utilisation moins restrictive de la couleur. Il serait assez fastidieux et limitant pour moi d'aborder le sujet du feuillage d'automne de la manière bien planifiée mentionnée ci-dessus. En plus de mon sujet qui dicte mon approche, je laisse aussi mon humeur et mon esprit me guider.

Avec ce sujet, une merveilleuse scène d'automne remplie de couleurs et de valeurs contrastées, la photo de référence n'est qu'un tremplin pour les rythmes, les couleurs et les textures que je souhaite transmettre au spectateur. Dans ce tableau, je n'ai pas senti qu'un dessin était nécessaire et j'ai laissé la peinture montrer la voie. Ce sujet me dit : « Allons-y et lançons un peu de peinture ! Je peux utiliser toutes les couleurs de ma palette qui me disent tomber !

J'ai commencé sur du papier humide très saturé (des deux côtés) puis j'ai éclaboussé, éclaboussé, épongé et sculpté des images. En incorporant mon imaginaire, suscité par une photo, et guidé par ce qui se présente à moi, ma peinture se déploie devant moi.

Cette démo a évolué exactement de cette manière et j'ai enregistré le processus au fur et à mesure que la peinture et moi travaillions ensemble. La collaboration conjointe de la peinture, du papier, de l'eau et de ma contribution a été un voyage agréable vers une conclusion satisfaisante. J'espère que vous essaierez de faire un voyage similaire avec moi. Je vais vous en parler.

Le processus

1. J'ai utilisé un morceau de carton de ½ po d'épaisseur, légèrement plus grand que le papier, comme support pour le papier aquarelle pressé à froid 140#. Ne le fixez pas au tableau maintenant. Si vous avez besoin de réhumidifier les bords pendant la sous-peinture, vous pouvez soulever le papier et vaporiser de l'eau en dessous afin de ne pas perturber l'image de surface.

2. Mouillez les deux côtés du papier avec un gros pinceau plat pour une pénétration maximale et une répartition uniforme de l'humidité. En appliquant de généreuses quantités d'eau, mouillez le papier à l'envers et à l'envers plusieurs fois afin que le papier absorbe l'eau au fur et à mesure que vous en ajoutez.

3. Gardez le papier brillant et humide pendant au moins 10 à 15 minutes.

4. Assurez-vous que la face avant est vers le haut lorsque vous êtes prêt à appliquer la peinture. Laissez-le perdre son éclat puis remouillez une fois de plus. C'est une étape importante dans la préparation de la surface et vous donne un temps de travail maximum.

5. Lorsque la surface est vraiment humide, inclinez la planche et laissez l'excès d'eau s'écouler. La répartition uniforme de l'humidité est l'une des clés de votre succès !

Voici mon plan d'attaque !

Je commence à travailler la plupart des peintures de paysage de l'arrière-plan au plan intermédiaire au premier plan. Les valeurs vont du clair au moyen au foncé, et des bords diffus doux à irréguliers, à durs. Je développe des formes (masses) de grande à moyenne à petite. Le centre d'intérêt est révélé vers la fin du processus.

Restez ouvert à changer vos plans et votre direction, car le tableau peut avoir ses propres idées sur l'endroit où il veut vous emmener. S'amuser!

Avec votre pinceau plat d'un pouce, ramassez Verditer Bleu melanger avec Bleu cobalt ou Bleu céruléen; laver le bleu sur le tiers supérieur de la peinture pour le ciel. Les bords doivent être doux et indistincts.

Avec des lavages de densité moyenne de Auréoline, Terre de Sienne brute et Or quinacridone, créez des formes lâches, formant un motif en S à travers le tiers médian de la peinture.

Laisser les lavis se mêler sur le papier et varier les densités de ces couleurs, en utilisant des petites, moyennes et grandes masses où apparaîtront des feuillus.

À l'aide d'une éponge naturelle à texture rugueuse (légèrement humide), ajouter des touches de Vert de sève et Or vert à certains domaines. En plaçant une couleur sur une autre, laissez-les se mélanger doucement sur le papier.

Avec votre pinceau rond #14, tirez la couleur directement des puits de peinture et placez-la (non diluée) sur le papier. J'ai choisi Orange permanente, Alizarine Cramoisi, Orange Brûlée Quinacridone et Écarlate brûlée à la quinacridone. Essayez d'utiliser des marques de pinceau courtes et saccadées.

Ne rincez pas entre les couleurs et laissez la peinture se mélanger sur du papier humide.

Si le mélange ne se produit pas, une petite bruine d'eau provenant d'un flacon pulvérisateur peut faire bouger les choses à nouveau. À ce stade, les valeurs claires et moyennes devraient dominer et les formes aléatoires devraient commencer à ressembler à des arbres et des feuillages flous. N'oubliez pas de marbrer le fouillis de premier plan qui ressemblera à des buissons et à une faible croissance.

Lorsque le papier a perdu son éclat, mais qu'il est encore frais et humide, les bords de la peinture commencent à devenir irréguliers. C'est le moment de créer de belles teintes sombres riches et riches à placer dans les zones entre le feuillage clair. Ces mélanges peuvent être mélangés sur la palette puis ajoutés à la peinture humide.

L'astuce pour obtenir des noirs vraiment riches est de choisir les couleurs les plus sombres de la palette et d'utiliser le moins d'eau possible. La consistance du mélange de peinture doit ressembler à du beurre mou.

Tant que les couleurs sont transparentes, le mélange ne deviendra pas boueux. Cependant – entrez et sortez rapidement et ne bougez pas sur le papier !

Pensez à la variation avec la répétition. Tissez les ténèbres comme les fils d'une tapisserie. Les mélanges préférés pour mes darks sont : Bleu phtalo et Vert de sève pour une sarcelle foncée (neutraliser avec Alizarine Cramoisi), Alizarine Cramoisi et outremer français pour un violet profond (ajoutez Orange Brûlée Quinacridone pour neutre foncé).

Expérimentez avec d'autres combinaisons sombres de deux à trois couleurs et faites-en écho dans les zones que vous souhaitez ponctuer. Essayez de mélanger des couleurs chaudes et froides ensemble. Les opposés sur la roue chromatique vous offrent une grande variété de couleurs neutres sombres. Remarquez la différence lorsque vous prémélangez les couleurs sur la palette par rapport au moment où vous les laissez se mélanger sur le papier.

Continuez à alterner les couleurs, les valeurs et jouez le long des bords en utilisant des coups de pinceau et des éclaboussures fantaisistes. Je trouve que la brosse ronde #14 en fibres naturelles ou mélangées fonctionne le mieux. Les coins inférieurs de la peinture ont besoin du poids des sombres pour ancrer la scène et faire ressortir les brillants - pensez aux couleurs complémentaires !

À l'aide de l'éponge, appliquez de la peinture pure et parsemez légèrement les passages humides en quelques touches éparses. Si le papier est suffisamment humide, des bords flous se formeront.

Lorsque le papier perd à nouveau son éclat, soulevez quelques troncs et branches d'arbres légers avec une brosse plate de 1″, propre et pressé plutôt sec.

Peignez des espaces négatifs («peignez ce qui ne l'est pas») entre les masses de feuillage et ajoutez un fond d'arbres à feuilles persistantes sombres derrière les arbres d'automne brillants.

Si le papier est humide, les bords des arbres sombres auront l'air flous et reculeront. Cela établit un merveilleux rythme point/contrepoint, ainsi que de la profondeur.

Si votre papier sèche trop et que les bords semblent durs (les peintures ne bougent plus d'elles-mêmes), vaporisez une petite quantité d'eau et éclaboussez-le de peinture, ou éclaboussez sur le papier sec et vaporisez immédiatement la peinture éclaboussé.

Continuez à alterner les couleurs et les valeurs et jouez avec les bords, mais n'en faites pas trop. C'est tellement amusant, mais rappelez-vous - comme Mel Stabin me l'a dit un jour, PAINT AL DENTE !
Sachez quand vous arrêter !

Laissez reposer cette partie puis évaluez. Explorez les possibilités des émaux pour réchauffer, refroidir ou renforcer une zone. Ajustez et critiquez votre peinture. Qu'est-ce qui doit rester, qu'est-ce qui doit disparaître ?

La dernière étape de ma peinture consistait à découper un pochoir et à retirer des troncs d'arbres clairs et durs des passages sombres maintenant secs. Cet ajustement et une peinture un peu plus négative feront briller la zone focale et finiront la peinture.

Mon meilleur conseil, faites confiance au processus et profitez de l'aventure pour apprendre et explorer les merveilles de l'aquarelle !