Ik ben onlangs teruggekeerd van een workshoptour inclusief Alaska en Oregon. In mijn workshops vind ik dat een van de moeilijkste technieken om te begrijpen het gebruik van verbonden vormen en waarde is. Een paar jaar geleden begon ik al mijn workshops met een Neutral Tint-waardestudie en dat evolueerde geleidelijk naar mijn grafietwaarde-/compositiestudies die ik vóór de meeste van mijn schilderijen doe.

In Oregon besloot ik terug te gaan naar een semi-monochromatische aquareldemonstratie, zodat de studenten de directe correlatie zouden zien tussen de opzetschets en de mentale en geschreven aantekeningen over hoe het onderwerp tot de essentie te bewerken zonder de extra verleiding van kleur. In mijn schilderijen laat ik nauwkeurigheid zelden boven een goede compositie gaan en geef ik mezelf de vrijheid om objecten te bewerken en te verplaatsen zoals ik dat wil. Mijn enige doel is om vast te leggen hoe een plek me laat voelen. Ik vind dit soort scènes erg handig in een workshopomgeving omdat we kijken naar vormen en hoe we ze kunnen verbinden. We gebruiken ook meerdere soorten wassingen en penseelstreken om sfeer en interesse toe te voegen. In de kern is een schilderij zo moeilijk als je het zelf wilt maken.

Mijn eerste vraag bij het bekijken van een scène, of ik nu buiten schilder of van referentiefoto's en schetsen, is hoe ik dit kan bewerken / wat is het echte onderwerp? Door mezelf deze vragen te stellen, begint het proces van het elimineren van onnodige details en begint mijn doelen te bepalen. In dit schilderij trokken het gevoel van afstand, de grootte van de rotsen op het strand en tenslotte het uitkijkplatform me naar binnen. In dit geval koos ik ervoor om het strand bij eb te laten zien, zodat ik kon spelen met reflecties van getijdenpoelen en vermijd overbelasting van de kustonderbreking. Voor deze beslissingen gebruik ik herinnerde toestanden van vroeger op de dag of van andere plaatsen met gelijkaardige landvormen.

Een inleidende schets voordat u aan het schilderen begint, is essentieel om uw onderwerp te begrijpen en hoe u het zult behandelen. Deze zijn meestal erg los en ik doe een stap achteruit en kijk naar de grotere vormen en hoe ze werken. Ik zal aantekeningen maken over hoe ik de tekening kan veranderen en zelf door de stappen van het schilderij lopen. Ik vertel mijn studenten dat een goede schilder een paar stappen vooruit moet zien en moet weten dat bouwen van licht naar donker erg vergevingsgezind kan zijn als je je herinnert dat donkere waarden fouten dekken die je maakt tijdens de eerste wasbeurten. Hoe meer ze de bonte wassing oefenen en de volledige pagina bewerken in plaats van "stukjes" helpt om een compositie samen te brengen in plaats van het risico te lopen dat deze gefragmenteerd raakt.

Aanbevolen aquarelpalet

• DANIEL SMITH Verbrande omber,
• DANIEL SMITH Rauwe Sienna,
• DANIEL SMITH Franse ultramarijn,
• DANIEL SMITH Quinacridone verbrande sinaasappel,
• DANIEL SMITH Chinees wit, en
• DANIEL SMITH Neutrale tint

De eerste pas, louter om sfeer te scheppen en een onderschildering te creëren die het werk met elkaar verbindt. Mijn schilderoppervlak is Fabriano Artistico 300lb ruw en ik heb een Escoda Versatil 14 rond en een Versatil 3/4" plat gebruikt.

De verven zijn DANIEL SMITH Burnt Umber, Raw Sienna, French Ultramarine, Quinacridone Burnt Orange, Chinese White en Neutral Tint. Ik gebruikte een reeks bonte wassingen in combinatie met sneldrogende penseelstreken om licht op het water te suggereren en uiteindelijk een paar hoge grassen en gebieden met warme tinten op te zetten met de Burnt Orange. Ik liet een mengsel van Frans ultramarijn en verbrand sinaasappel in de lucht vallen om de stemming te suggereren en terwijl dat nat was werkte ik in de eerste wolkenlagen met Chinees wit.

De volgende paar shots worden allemaal in één keer gemaakt in verschillende sterktes als we naar voren komen in het schilderij. Ik liet een beetje extra toon vallen om Haystack Rock een beetje kracht aan de basis te geven en bleef wat meer toevoegen aan mijn waterpoelen terwijl ik dichter naar de voorgrond ging waar ik wat rauwe sienna introduceerde om de droge grassen op de klif na te bootsen. Dit is een basisblokkering. Ik beoordeel de intensiteit van de waarde en de sterkte van de vormen van de rotsen en andere elementen en herinner mezelf eraan dat de volgende wasbeurten alle bewegingen die ik maak zullen bedekken als ik iets zie waar ik niet blij mee ben. Zo voorkom ik dat ik te aarzelend word en kan ik met mijn hele arm in brede streken schilderen.

De laatste stappen waren om sterke donkere tinten naar de voorgrond te brengen met een mengsel van Neutral Tint, Burnt Orange en een vleugje French Ultramarine. Met behulp van de flat droogde ik de reling droog en mensen vermengden vervolgens in een zeer natte was Neutral Tint in vlakke streken voor het donker in de grassen. Ik voegde de lichtmasten toe om de voorgrond met het midden te verbinden en met behulp van mijn spuitfles voegde ik een paar spritzen toe voor textuur. Terwijl dit aan het drogen was, gebruikte ik het Chinese wit op de achtergrond om de lucht en Haystack Rock te verzachten.

Ik kwam terug op het schilderij nadat ik het een nacht had laten staan. Ik besloot om meer reflectie toe te voegen aan Haystack Rock om de achtergrond met het midden te verbinden en spoelde opnieuw door de lucht met helder water om het gevoel van atmosferisch perspectief te versterken. Deze schilderijen hebben de neiging om snel te gaan voor mij. Ik betwijfel of ik meer dan anderhalf uur van begin tot eind heb doorgebracht, wat helpt bij spontane penseelstreken en een lossere uitstraling van het hele schilderij. Ik vertel mijn studenten dat een losse tekening helpt om een los schilderij te maken; maar een strakke zal zeker resulteren in veel meer gecontroleerd werk. Of je nu dol bent op details of gebaren, deze oefeningen zijn buitengewoon plezierig terwijl je waardevolle lessen leert over wassen, penseelstreken en waarde. Hoe minder we duidelijk vermelden, hoe meer onze schilderijen de kijker uitnodigen om hun eigen conclusies over het werk te trekken en er hun eigen verhalen over te creëren. Hoe meer ik schilder, hoe meer ik merk dat deze manier van werken voor mij het prettigst is.

Iain Stewart AWS/NWS