Ich bin kürzlich von einer Workshop-Tour zurückgekehrt, die Alaska und Oregon umfasste. In meinen Workshops finde ich, dass eine der am schwierigsten zu verstehenden Techniken die Verwendung von verbundenen Formen und Werten ist. Vor ein paar Jahren begann ich alle meine Workshops mit einer neutralen Tönungswertstudie, und das entwickelte sich allmählich zu meinen Graphitwert-/Kompositionsstudien, die ich vor den meisten meiner Gemälde durchführe.

In Oregon beschloss ich, zu einer semi-monochromatischen Aquarelldemonstration zurückzukehren, damit die Schüler die direkte Korrelation zwischen der Aufbauskizze und den mentalen und schriftlichen Notizen darüber sehen, wie das Thema ohne die zusätzliche Versuchung von bearbeitet werden kann Farbe. In meinen Bildern lasse ich Genauigkeit selten über eine gute Komposition hinausgehen und befreie mich davon, Objekte nach Belieben zu bearbeiten und zu verschieben. Mein einziges Ziel ist es festzuhalten, wie ich mich an einem Ort fühle. Ich finde diese Art von Szene in einer Workshop-Umgebung sehr nützlich, weil wir uns Formen ansehen und wie man sie verbindet. Wir verwenden auch mehrere Arten von Waschungen und Pinselstrichen, um Atmosphäre und Interesse hinzuzufügen. Im Grunde genommen ist ein Gemälde nur so schwierig, wie Sie es möchten.

Meine erste Frage beim Betrachten einer Szene, ob ich draußen oder anhand von Referenzfotos und Skizzen male, ist, wie kann ich diese bearbeiten / was ist das eigentliche Motiv? Wenn ich mir diese Fragen stelle, beginnt der Prozess, unnötige Details zu eliminieren und meine Ziele festzulegen. In diesem Gemälde haben mich das Gefühl der Entfernung, die Größe der Felsen am Strand und schließlich die Aussichtsplattform angezogen. In diesem Fall entschied ich mich, den Strand bei Ebbe zu zeigen, damit ich mit Reflexionen von Gezeitentümpeln spielen konnte Vermeiden Sie eine Überlastung des Shorebreaks. Für diese Entscheidungen verwende ich erinnerte Bedingungen von früher am Tag oder von anderen Orten mit ähnlichen Landschaftsformen.

Eine einführende Skizze vor Beginn des Malens ist unerlässlich, um Ihr Motiv zu verstehen und wie Sie es behandeln werden. Diese neigen dazu, sehr locker zu sein, und ich trete zurück und schaue mir die größeren Formen an und wie sie funktionieren. Ich mache mir Notizen, wie ich die Zeichnung ändern kann, und gehe selbst durch die Schritte des Gemäldes. Ich sage meinen Schülern, dass ein guter Maler ein paar Schritte vorausschauen muss und wissen muss, dass das Bauen von hell nach dunkel sehr nachsichtig sein kann, wenn Sie sich daran erinnern, dass dunklere Werte Fehler abdecken, die Sie beim ersten Waschen machen. Je mehr sie die bunte Lavierung üben und die ganze Seite statt „Teile“ bearbeiten, hilft, eine Komposition zusammenzubringen, anstatt zu riskieren, dass sie fragmentiert wird.

Ausgewählte Aquarellpalette

• DANIEL SMITH Gebrannte Umbra,
• DANIEL SMITH Rohe Siena,
• DANIEL SMITH Französisches Ultramarin,
• DANIEL SMITH Chinacridon Burnt Orange,
• DANIEL SMITH Chinese White und
• DANIEL SMITH Neutrale Tönung

Der erste Durchgang, lediglich um die Stimmung herzustellen und eine Untermalung zu schaffen, die die Arbeit zusammenhält. Meine Maloberfläche ist Fabriano Artistico 300lb rau und ich habe eine Escoda Versatil 14 rund und eine Versatil 3/4 Zoll flach verwendet.

Die Farben sind DANIEL SMITH Burnt Umber, Raw Sienna, French Ultramarine, Chinacridone Burnt Orange, Chinese White und Neutral Tint. Ich verwendete eine Reihe bunter Waschungen, gepaart mit schnell trocknenden Pinselstrichen, um Licht auf dem Wasser zu suggerieren, und richtete schließlich einige hohe Gräser und Bereiche mit warmen Tönen mit Burnt Orange ein. Ich ließ eine Mischung aus French Ultramarine und Burnt Orange in den Himmel fallen, um die Stimmung zu suggerieren, und während das nass war, arbeitete ich in den ersten Wolkenschichten mit Chinese White.

Die nächsten paar Aufnahmen werden alle in einem Durchgang in unterschiedlichen Stärken gemacht, während wir im Bild nach vorne kommen. Ich habe einen kleinen zusätzlichen Ton abgelassen, um Haystack Rock an seiner Basis ein wenig Kraft zu verleihen, und fügte meinen Wasserbecken immer ein wenig mehr hinzu, als ich mich näher an den Vordergrund bewegte, wo ich etwas rohe Siena hinzufügte, um die trockenen Gräser auf der Klippe nachzuahmen. Das ist grundlegendes Ausblocken. Ich beurteile die Intensität des Werts und die Stärke der Formen der Felsen und anderer Elemente und erinnere mich daran, dass die nächsten Waschungen alle Bewegungen abdecken werden, die ich mache, wenn ich etwas sehe, mit dem ich nicht zufrieden bin. Dadurch werde ich nicht zu zögerlich und kann mit dem ganzen Arm in breiten Strichen malen.

Die letzten Schritte bestanden darin, dem Vordergrund mit einer Mischung aus neutraler Tönung, gebranntem Orange und einem Hauch von französischem Ultramarin kräftige dunkle Töne zu verleihen. Mit der flachen Oberfläche habe ich das Geländer trocken gebürstet und die Leute dann in einer sehr nassen Wäsche neutrale Tönung in flachen Strichen für die Dunkelheit in den Gräsern gemischt. Ich fügte die Lichtmasten hinzu, um den Vordergrund mit dem Mittelgrund zu verbinden, und fügte mit meiner Sprühflasche ein oder zwei Spritzer für die Textur hinzu. Während dies trocknete, verwendete ich das chinesische Weiß im Hintergrund, um den Himmel und Haystack Rock weicher zu machen.

Ich kam zu dem Gemälde zurück, nachdem ich es über Nacht stehen gelassen hatte. Ich beschloss, Haystack Rock mehr Reflexion hinzuzufügen, um den Hintergrund mit dem Mittelgrund zu verbinden, und spülte erneut mit klarem Wasser durch den Himmel, um das Gefühl einer atmosphärischen Perspektive zu verstärken. Diese Bilder gehen bei mir schnell weg. Ich bezweifle, dass ich mehr als anderthalb Stunden von Anfang bis Ende verbracht habe, was bei spontanen Pinselstrichen und einem lockereren Gefühl für das gesamte Gemälde hilft. Ich sage meinen Schülern, dass eine lockere Zeichnung dabei hilft, ein lockeres Gemälde zu produzieren; aber eine enge wird sicherlich zu einer viel kontrollierteren Arbeit führen. Egal, ob Sie sich für Details oder Gesten interessieren, diese Übungen machen äußerst viel Spaß und vermitteln wertvolle Lektionen über Waschungen, Pinselstriche und Wert. Je weniger wir klar sagen, desto mehr laden unsere Bilder den Betrachter ein, eigene Schlüsse über das Werk zu ziehen und eigene Geschichten dazu zu schreiben. Je mehr ich male, desto mehr finde ich, dass diese Arbeitsweise für mich die angenehmste ist.

Iain Stewart AWS/NWS