Ich bin vor Kurzem von einer Workshop-Reise zurückgekehrt, die mich unter anderem nach Alaska und Oregon führte. In meinen Workshops stelle ich immer wieder fest, dass die Verwendung von verbundenen Formen und Tonwerten zu den schwierigsten Techniken gehört. Vor einigen Jahren begann ich alle meine Workshops mit einer Tonwertstudie in neutraler Tönung, woraus sich nach und nach meine Graphit-Tonwert- und Kompositionsstudien entwickelten, die ich den meisten meiner Gemälde vorziehe.
In Oregon entschied ich mich, wieder eine Demonstration mit halbmonochromer Aquarellmalerei zu geben, damit die Teilnehmer den direkten Zusammenhang zwischen der Skizze und den mentalen und schriftlichen Notizen zur Reduzierung des Motivs auf das Wesentliche ohne die zusätzliche Verlockung der Farbe erkennen konnten. In meinen Gemälden lasse ich selten Genauigkeit über eine gute Komposition stellen und gebe mir die Freiheit, Objekte nach Belieben zu bearbeiten und zu verschieben. Mein einziges Ziel ist es, das Gefühl einzufangen, das ein Ort in mir auslöst. Ich finde diese Art von Szene in einem Workshop sehr hilfreich, da wir uns mit Formen und deren Verbindungen beschäftigen. Wir verwenden außerdem verschiedene Lasuren und Pinselstriche, um Atmosphäre und Interesse zu erzeugen. Letztendlich ist ein Gemälde nur so schwierig, wie man es sich selbst gestaltet.
Meine erste Frage beim Betrachten einer Szene, egal ob ich draußen male oder nach Referenzfotos und Skizzen, lautet: Wie kann ich das Bild bearbeiten? Was ist das eigentliche Motiv? Indem ich mir diese Fragen stelle, beginne ich, unnötige Details zu eliminieren und meine Ziele zu präzisieren. Bei diesem Gemälde waren es das Gefühl von Tiefe, die Größe der Felsen am Strand und schließlich die Aussichtsplattform, die mich faszinierten. Ich entschied mich, den Strand bei Ebbe darzustellen, um mit den Spiegelungen in den Gezeitentümpeln zu spielen und die Brandung nicht zu überbetonen. Für diese Entscheidungen nutze ich Erinnerungen an die Bedingungen vom Vormittag oder an anderen Orten mit ähnlichen Landschaftsformen.
Eine einleitende Skizze vor dem eigentlichen Malen ist unerlässlich, um das Motiv und seine Herangehensweise zu verstehen. Diese Skizzen sind meist sehr locker, und ich trete zurück, um die größeren Formen und ihre Wirkung zu betrachten. Ich mache mir Notizen, wie ich die Zeichnung verändern kann, und gehe die einzelnen Schritte des Malprozesses gedanklich durch. Ich sage meinen Schülern, dass ein guter Maler einige Schritte vorausdenken muss und wissen sollte, dass der Aufbau von hell nach dunkel sehr verzeihend ist, wenn man bedenkt, dass dunklere Töne Fehler beim ersten Farbauftrag kaschieren. Je mehr sie den nuancierten Farbauftrag üben und die gesamte Seite anstatt einzelner Abschnitte bearbeiten, desto besser gelingt es ihnen, eine harmonische Komposition zu schaffen, anstatt sie fragmentiert wirken zu lassen.
Ausgewählte Aquarellpalette
- DANIEL SMITH Gebrannte Umbra,
- DANIEL SMITH Rohsiena,
- DANIEL SMITH Französisch Ultramarin,
- DANIEL SMITH Chinacridon Gebrannte Orange,
- DANIEL SMITH Chinesisches Weiß, und
- DANIEL SMITH Neutraler Farbton
Der erste Durchgang dient lediglich dazu, die Stimmung festzulegen und eine Untermalung zu schaffen, die das Werk zusammenhält. Als Malgrund verwendete ich raues Fabriano Artistico 300lb-Papier sowie eine runde Escoda Versatil 14-Zoll- und eine flache Versatil 3/4-Zoll-Pinsel.
Die Farben sind DANIEL SMITH Gebrannte Umbra, Rohe Siena, Französisch Ultramarin, Chinacridon Gebranntes Orange, Chinesischweiß und Neutraltinte. Ich habe mit verschiedenen Lasuren und schnell trocknenden Pinselstrichen das Licht auf dem Wasser angedeutet und schließlich mit dem Gebrannten Orange hohes Gras und Bereiche in warmen Tönen angelegt. Um Stimmung zu erzeugen, habe ich eine Mischung aus Französisch Ultramarin und Gebranntem Orange in den Himmel getropft und, solange diese noch feucht war, mit Chinesischweiß die ersten Wolkenschichten aufgetragen.
Die nächsten Einstellungen entstehen alle in einem Zug mit unterschiedlicher Farbintensität, während wir uns im Bild nach vorne bewegen. Ich habe den Haystack Rock an seinem Fuß etwas kräftiger wirken lassen und den Wasserflächen immer wieder etwas mehr Farbe hinzugefügt, je näher ich dem Vordergrund kam, wo ich etwas rohe Siena einarbeitete, um das trockene Gras auf dem Steilhang nachzuahmen. Dies ist die grundlegende Skizze. Ich beurteile die Helligkeitswerte und die Ausdruckskraft der Formen der Felsen und anderer Elemente und erinnere mich daran, dass die nächsten Farbschichten alle Korrekturen überdecken werden, falls mir etwas nicht gefällt. Das hilft mir, nicht zu zögerlich zu werden und ermöglicht mir, mit breitem Pinselstrich und vollem Einsatz zu malen.
Im letzten Schritt verlieh ich dem Vordergrund mit einer Mischung aus Neutral Tint, Gebranntem Orange und einem Hauch Französisch Ultramarin kräftige dunkle Töne. Mit dem flachen Pinsel tupfte ich Geländer und Personen trocken auf und mischte anschließend in einer sehr nassen Lasur Neutral Tint in flachen Strichen für die dunklen Stellen im Gras. Ich fügte die Laternenmasten hinzu, um den Vordergrund mit dem Mittelgrund zu verbinden, und sprühte mit meiner Sprühflasche ein paar Spritzer auf, um die Textur zu verstärken. Während die Farbe trocknete, verwendete ich Chinesischweiß im Hintergrund, um Himmel und Haystack Rock weicher zu gestalten.
Nachdem ich das Gemälde über Nacht ruhen ließ, nahm ich es wieder in die Hand. Ich entschied mich, Haystack Rock mehr Spiegelungen zu verleihen, um den Hintergrund mit dem Mittelgrund zu verbinden, und übermalte den Himmel erneut mit klarem Wasser, um die atmosphärische Perspektive zu verstärken. Diese Gemälde entstehen bei mir meist recht schnell. Ich schätze, ich habe von Anfang bis Ende nicht länger als anderthalb Stunden gebraucht, was spontane Pinselstriche und eine lockere Gesamtwirkung begünstigt. Ich sage meinen Schülern immer, dass eine lockere Zeichnung zu einem lockeren Gemälde führt, eine präzise Zeichnung hingegen zu einem deutlich kontrollierteren Ergebnis. Ob man nun Details oder Gesten bevorzugt – diese Übungen machen nicht nur großen Spaß, sondern vermitteln auch wertvolle Lektionen über Lavierung, Pinselstriche und Tonwerte. Je weniger wir explizit aussagen, desto mehr regen unsere Gemälde den Betrachter dazu an, eigene Schlüsse zu ziehen und eigene Geschichten dazu zu erfinden. Je mehr ich male, desto mehr merke ich, dass mir diese Arbeitsweise am meisten Freude bereitet.
Iain Stewart AWS/NWS
