Ich war in der Nebensaison damit beschäftigt, in meinem Studio zu arbeiten und einige der neuen (für mich) DANIEL SMITH-Farben auszuprobieren und zu entscheiden, ob ich ein paar Änderungen an meiner Palette vornehmen soll oder nicht. Wie immer bei diesen neuen Farben teste ich gerne, wie sie sich mit ähnlichen Farben vergleichen, die ich bereits verwende, und kombiniere sie auf neue und interessante Weise. Die neuen Farben, die den größten Teil des folgenden Gemäldes ausmachen, sind Sodalith Original (ein PrimaTek) Rohes Siena Light, und Chinacridon Rose. Wenn ich neue Farben teste, möchte ich sehen, wie sie sich miteinander vermischen und wie sie bei früheren Waschungen glasieren. Ich habe viel mehr Trockenbürstenarbeit gemacht, was ein wenig einschüchternd sein kann, aber sobald Sie den Dreh raus haben, wie viel Wasser / Pigment in Ihrem Pinsel im Vergleich zur Feuchtigkeit oder wie trocken das Papier ist, können die Ergebnisse sein Fantastisch. Diese Fähigkeiten sind äußerst nützlich, wenn Sie sie zuerst auf einem leeren Blatt Papier ohne Zeichnung üben. Ich finde, dass das Experimentieren mit etwas, für das Sie sich Zeit zum Zeichnen genommen haben, dazu führt, dass man sich eher zurückhält und das Bild schützt. Wenn es nichts zu schützen gibt, können Sie nach Herzenslust experimentieren und neue Wege finden, sich auszudrücken. In diesem Fall hatten die drei von mir gewählten Farben einen direkten Einfluss darauf, wie ich mir die Atmosphäre des Gemäldes vorstellte und, wie Sie auf den Schritt-für-Schritt-Fotos sehen können, das Bild sehr gut zusammenfügen.

Ich male mit hochwertigen, synthetischen Pinseln, insbesondere einem Nr. 12 rund, 14 Mopp, einem Mottler 18 Pinsel und einem kleinen Spachtel für feine Linien. Der Mottler ist meistens für meinen trockenen Pinsel in großen Flächen und die Runde macht das Detail. Der Mopp ist ein Alleskönner und ermöglicht es mir, viel Wasser auf das Papier zu bringen und in nassen Situationen mit Nass zu spielen.

Das Papier, das ich für dieses Gemälde verwendet habe, ist 140# grobes Aquarellpapier. Das Originalgemälde ist größer als ich es erwartet habe, damit ich es bei Bedarf zuschneiden kann. Das endgültige Bild ist 18 x 12 Zoll groß.

Iain Stewart mit seinem Aquarell von Sebil Bufe - Istanbul.

Bevor wir einsteigen und aussteigen, erlauben Sie mir bitte einen Moment, um mit Ihnen darüber zu sprechen, wie ich an meine Arbeit herangehe. Wenn ich ein Meisterwerk schaffen will, werde ich normalerweise an diesem Versuch scheitern. Wenn ich arbeite, versuche ich, so viel wie möglich vom Bild im Kopf zu haben, dh, welche Schritte ich unternehmen werde und in welcher Reihenfolge. Wo ich meine Lichter speichern werde. Die Farbgebung und schließlich das unglaublich befreiende Gefühl von „Nun mal sehen, wohin mich das führt“. Nachdem ich nachts ein wenig gelesen habe und ich langsam einschlafe, male ich es normalerweise in meinem Kopf. Es ist eine schöne Art einzuschlafen, aber seien Sie gewarnt, eine gute Idee ist, dass ich aufrecht sitze und ins Studio renne, um Notizen zu machen.

Ich arbeite mit dem Verständnis, dass ich scheitern darf und zu meinem Vergnügen male. Ich finde, wenn ich diese Regeln befolge, bin ich im Moment verloren und das ist für mich der beste Ort, um zu sein.

Schritt 1. Die Zeichnung.

Schritt 1 – Die Zeichnung

Ok, das sieht ziemlich kompliziert aus und ist es bis zu einem gewissen Grad. Ich habe einen Hintergrund in Architektur und bin immer noch Architekturillustrator. Das Detailtier fällt mir manchmal auf, und ich habe gelernt, mit dem umzugehen, was ich malen möchte und wie locker oder detailliert es sein kann. Das nächste Thema ist ein echter Aufbruch. Wie ich diese Zeichnungen fertigstelle, ist für manche eine mühsame Übung. Ich beginne mit einigen kleinen Miniaturskizzen und wenn ich mich für eine Komposition entschieden habe, fange ich an zu zeichnen. Die Technik wurde mir in der Architekturschule beigebracht. und wenn ich Details will, bin ich immer noch meine Anlaufstelle. Ich zeichne das Bild auf Müll- / Spurenpapier und decke es dann mit einer weiteren Spur von Spuren ab, damit ich hier und da anfangen kann, Dinge aufzuräumen / zu ändern. Dieser Vorgang kann eine Weile dauern, bis er richtig ist. Es ist im Grunde das Enthäuten von Zwiebeln. Das bedeutet, dass ich die Zeichnungen darunter sehen und sie währenddessen massieren kann. Sobald die Zeichnung zu meiner Zufriedenheit fertig ist, übertrage ich sie auf Aquarellpapier, indem ich eine weiche Mine 2B verwende und die von mir gezeichneten Linien rückwärts nachzeichne. Dann drehe ich die Spur um und verwende ein härteres Blei F, um die Originallinien auf das Papier zu übertragen. Es gibt keine Lightbox oder Tracing, es ist nur Zeit und Geduld. Ich schlage für diesen Schritt ein gutes Buch auf Band vor.

Schritt 2. Die Unterwäsche.

Schritt 2 – Die Unterwäsche

Der erste Schritt bei allen meinen Bildern ist die Unterwäsche, mit der ich die Farben des Bildes setze und meine Highlights reserviere. Ich bin ein Botschafter von Daniel Smith und sie haben mir großzügig viele Farben zum Ausprobieren gegeben. In den letzten Monaten oder so habe ich für jede Arbeit neue Farben getestet und ausgewählt. Diesmal ist es DANIEL SMITH Rohes Siena Light, und Chinacridon Rose mit Sodalith Original für die Dunkelheit. Ich male mit viel Wasser und tropfe dabei Farben ein. Dies erfordert, dass Sie wissen, wie viel Feuchtigkeit Ihr Papier hat und wie viel Wasser / Pigment Sie in Ihrem Pinsel haben. Ich verwende sehr selten Maskierungsflüssigkeit, sondern versuche die Highlights von Anfang an mit dem Pinsel zu speichern und am Ende zu schrubben oder etwas Gouache zu verwenden. Ich verwende jetzt immer weniger Opaker und genieße die kleinen Fehler, die passieren. Wie Sie unten sehen können, verwende ich einen steifen 2″-Mischpinsel, um eine Textur durch Trockenbürsten und Kreuzschraffieren zu erzeugen.

Schritt 3. Das herrliche Durcheinander.

Schritt 3 – Das herrliche Durcheinander

Wie Sie hier sehen können, fange ich an, das Licht herauszuschneiden und die Zeichnung dunkler zu machen. Ich genieße es, etwas ganz Ordentliches zu nehmen und alles zu geben, was ich kann, um das steife Gefühl einer sehr detaillierten Zeichnung zu stören. Ich sage immer, in jedem Gemälde sind zwei Zeichnungen. Eine mit dem Bleistift, die am Ende niemand sieht, und die wichtigste mit dem Pinsel, die für alle sichtbar ist. Diese Werte mögen am Anfang sehr dunkel erscheinen, aber seien Sie versichert, dass ich mit dem Wissen male, dass mein Werteplan funktioniert. Es macht mir auch nichts aus, hier und da einen zu ruinieren, und die Energie in dieser frühen Phase überträgt sich sicherlich auf das Finale. Viel trockener Pinsel, Sprühflasche, nass in nass, verlorene und gefundene Kanten.

Schritt 4. Ausblenden und Hinzufügen des Hauptfarbschemas.

Schritt 4 – Hauptfarbschema ausblenden und hinzufügen

Dies ist im Grunde ein weiterer Schritt im letzten Schritt, aber ich fange an, einige der wichtigsten Details zu integrieren und zu bearbeiten. Ich tue dies, damit ich sehen kann, wohin das Gemälde farbig geht, und um zu beginnen, das Licht dorthin zu bringen, wo ich den Brennpunkt haben möchte. Ein bisschen Kobalttürkis für die Kuppel und das Einsetzen der Hauptformen der Hintergrundgebäude und -figuren. Sie können sehen, wie sich all die Blüten und Tropfen bilden, und ich finde, dass hier viele Leute ihre ursprüngliche Idee aus den Augen verlieren. Im Vertrauen darauf, dass wir uns noch in der Anfangsphase des Gemäldes befinden und der Tonwert funktionieren wird, male ich die Details, damit ich den Rest des Gemäldes beurteilen kann, wenn ich mich im Hintergrund lockere.

Schritt 5. Drücken Sie das Licht.

Schritt 5 – Drücken Sie das Licht

Ah mein Lieblingsteil. Mit einem trockenen Pinsel und einer tieferen Mischung für den Himmel aus Sodalite Genuine, Quinacridone Rose und Light Raw Sienna beginne ich, den Hintergrund wegzuschieben, um ein Gefühl von Distanz im Bild zu erzeugen. Viel trockener Pinsel mit schwereren Mischungen. (Beachten Sie, dass die Gebäude im Hintergrund zu verblassen beginnen, als sie im letzten Schritt ziemlich ausgeprägt waren.) Ich habe auch einige der letzten Dunkelheiten wieder eingefügt, um zu beurteilen, wie weit der Himmel und die Gebäude in den Hintergrund geschoben werden müssen. Ich brauche einen letzten Ton, um von hier aus zu arbeiten, damit ich nicht zu weit gehe. Der schraffierte Himmel beginnt zu wirken, aber die Wolke, die links von der Sonne beleuchtet wird, ist noch zu stark ausgeprägt. Keine Sorge, ich kümmere mich später um Sie. Beachten Sie auch die Form der Wolke. Es folgt der gebauten Form auf der linken Seite fast perfekt. Ich muss etwas dagegen tun. Hier lasse ich Noelle auch mal nachsehen. Ihre Grimasse sagt mir alles, was ich wissen muss. Nach 15 Jahren Praxis ist sie jetzt Kunstkritikerin.

Schritt 6. Nahaufnahme von Details.

Schritt 6 – Detailaufnahme

Nur eine kurze Detailaufnahme, um Ihnen die Auswirkungen des trockenen Pinsels auf das Gebäude zu zeigen und zu beginnen, Formen zusammenzufügen.

Schritt 7. Das wunderbare Durcheinander.

Schritt 7 – Das wunderbare Durcheinander

Ah mein Lieblingsteil. Habe ich das schon gesagt? Hmm. Bringt das letzte Dunkel mit Neutraler Farbton und den Himmel vertiefen. Hier beginnt mein interner Timer leicht zu summen. Ich weiß, dass ich nah dran bin, aber zu viel des Guten kann sehr schnell böse werden. Rechts neben dem Gebäude Dunkelheit werfen und die letzten Details zum Thema einfügen. Dies ist ein sehr schmaler Grat, den ich gerne laufe. Es sieht gut aus, aber ich kann nicht zulassen, dass es kostbar wird. Wenn es einen sicheren Weg gibt, etwas zu ruinieren, ist es wichtig, es wichtig werden zu lassen, bevor es sich lohnt. Sie werden Ihre Bilder verhätscheln und wollen sie „bemuttern“. Gemälde in diesem Stil funktionieren immer besser, wenn Sie die kleinen Vögel aus dem Nest werfen und sehen, ob sie fliegen können. Ich trete viel zurück. Betrachten Sie es rückwärts mit dem Spiegel über meinem Schreibtisch und gehen Sie einfach ein bisschen weg, damit sich meine Augen neu einstellen können. Es wird immer etwas geben, das du verpasst hast. Ich fange auch an, einige der Dunkelheiten aufzuheben, damit sie ein wenig atmen können. Ich finde Dunkelheiten am interessantesten, wenn sie ihren Wert ändern dürfen. Auch in diesem Malstil finde ich, dass eine große Fläche von fast im Siebdruck gedruckten Dunkeltönen ihn sehr schnell töten wird. Dies ist auch der Moment, in dem ich ein Gemälde oft in eine „Auszeit“ lege und es einen Tag, eine Woche, einen Monat lang nicht anschaue…. es hängt davon ab, wie unartig es war.

Sebil Bufe – Istanbul, von Iain Stewart

Der endgültige. Sebil Bufe – Istanbul

Der schwierigste Teil davon ist, zu wissen, wann man weggehen soll. Ich schreibe mir selbst Notizen, nachdem ich mir die letzte Phase angeschaut habe und schaue mir sehr kritisch an, was das Bild vermitteln möchte und wo ich bin. Ich suche auch nach Mustern oder Stellen, an denen große Formen mit trockenem Pinsel oder verdeckten Bereichen angepasst werden müssen. Ich entschied, dass der Himmel dunkler werden musste, also führte ich eine Mischung aus Quin Rose und Sodalith ein. Ich habe auch die Form der Wolke geändert und den Leitkegeln etwas Orange hinzugefügt. Alles sehr geringfügige Änderungen, aber notwendig. Zuletzt lasse ich es ein paar Minuten ziehen und scanne es. Dann beginnt der wahre Spaß. Ich glaube immer daran, egal wie viel ich plane, Ich muss mir anhören, was das Gemälde mir zu sagen versucht. Ich spiele mit verschiedenen Crops und passe die Tonhierarchie an, bis ich zufrieden bin. Wenn ich mehr lackieren und erneut scannen muss, soll es so sein. Um Eddie Murphy zu zitieren – „so einfach ist das!“ Jetzt geht es in die Ecke zu sitzen und auszuruhen. Ich werde es mir in einer Woche oder so noch einmal ansehen und sehen, ob ich etwas ändern möchte, aber im Moment bin ich glücklich genug.

Ich hoffe, Sie haben dieses etwas abschweifende Schritt für Schritt genossen und möglicherweise ein paar Ideen gesammelt. Wenn es etwas gibt, von dem ich denke, dass ich es betonen sollte, ist, dass man das meiner Meinung nach während der mittleren Phasen eines Gemäldes wissen muss, es wird flach aussehen. Ich nenne das die Flaute. Alle Ihre Werte sind ziemlich ähnlich und nur ein mutiger Zug mit einigen Dunkelheiten wird etwas Wind in Ihre Segel bringen. Glaube daran. Aquarelle gehen normalerweise von schön zu ziemlich hässlich und hoffentlich wieder schön. Zu wissen, dass man in diesen hässlichen Phasen etwas mit Potenzial hat, das es aus dem Schlamm zieht, ist der Schlüssel. Sie werden viele Gemälde mit dieser Methode ruinieren, aber ich finde, ruinierte Gemälde lehren mich besser als jedes gute. Gute Bilder sind, wie ich schon sagte, wie Trinkfreunde. Sie sagen nur "Hey Mann, das ist einfach toller Typ ... ähm gib die Erdnüsse." Schlechte Gemälde, ruinierte Gemälde, lehren. Sie sind das Sprungbrett zu helleren Dingen. Grübeln Sie über Ihre Arbeit nach. Ich schlage vor, dass Sie sich, nachdem Sie ein Gemälde geplant und nicht die erhofften Ergebnisse erzielt haben, etwas Zeit nehmen und Ihren Plan für das erneute Malen aufschreiben. Das führt dazu, dass beide Gehirnhälften zusammenarbeiten und die Ergebnisse können sehr mächtig sein. Vielen Dank, dass Sie sich die Zeit genommen haben, dies zu lesen, und ich hoffe, es macht Ihnen Spaß.