En este paso a paso les mostraré una de las muchas maneras diferentes de pintar textura con acuarela que empleo cuando trabajo. He experimentado con la acuarela de forma intermitente durante 37 años, pero realmente solo en “enojo”Durante 22 años. Fue entonces cuando descubrí cuánto podía manipular y moldear este medio increíblemente versátil, pero sus secretos solo se revelaron cuando ya estaba completamente exasperado por él.
En 1996, después de haber ganado una beca de viaje en Escocia, me encontraba de viaje por China, lo que significó que, debido a la necesidad de viajar, me vi obligado a trabajar con acuarela.. Un día, mientras pintaba en mi habitación de hotel, me sentí increíblemente insatisfecho con la calidad de la pintura. Frustrado, mezclé acuarela blanca y cubrí el cuadro por completo, sin importarme la imagen que había debajo. Esto borró por completo la obra original y el color del cuadro, mezclado con el blanco, le dio a la capa final un tono verdoso pálido.
Mientras paseaba por la habitación del hotel bastante enfadado, pensé en cómo iba a superar este último revés cuando me di cuenta de que la pintura, La pintura, que se secaba en un rincón de la habitación, para mi sorpresa, volvía a emerger lentamente. Era suave, tenue y muy atmosférica, y empecé a vislumbrar el potencial que no tenía antes de intentar borrarla. Comencé a tratarla con agua limpia para revelar zonas más claras debajo, creando así una pintura mucho más interesante.
Este fue mi momento Eureka. Y es algo que me permite perseverar en una pintura mucho más allá del punto en que la mayoría de los artistas la darían por perdida. También significa que mis pinturas pueden tardar bastante tiempo en desarrollarse.
En esta demostración de pintura, podrás beneficiarte de ese momento de inspiración, ya que lo utilizo en una técnica bastante peculiar.
El cuadro representa un tema que se ha convertido en sinónimo de mi obra: una puerta con una cerradura oxidada.. Experimenté con tres versiones diferentes de esta pintura al mismo tiempo. También comencé con un boceto rápido usando solo Cazul verdoso obalto y Naranja quemada de quinacridona. Me encanta pintar con diversas texturas, por lo que las puertas antiguas son el vehículo perfecto para explorar mis técnicas. No recuerdo mi primer cuadro de una puerta antigua, pero desde que me gradué de la escuela de arte en 1987/88, he estado pintando texturas a través de superficies de pintura descascarada, madera y óxido. Mis primeras pinturas eran de naturaleza metafísica, pero también se centraban en el detalle y la textura de la superficie.
Pintura en acuarela "Shadow Watcher II" en el estudio.
Boceto de Shadow Watcher
Este boceto se realizó sobre papel hecho a mano para considerar la composición y la paleta de colores.. Cuando trabajo en mis bocetos, mi objetivo principal es plasmar la idea en mi cabeza, por lo que suelen ser rápidos y espontáneos. Ni siquiera me fijo en los detalles superficiales, a menos que sean muy específicos e inusuales. El boceto busca crear una impresión y siempre estará inacabado, e incluso podría abandonarlo rápidamente una vez que sepa cuál es mi objetivo. Este no es la excepción.
1. Cinta adhesiva cubriendo la parte posterior del papel de acuarela. Papel de acuarela grapado.
1. Comencé con un trozo de papel hecho a mano de 300 g/m² (140 lb) que había sido "estirado" aplicando cinta adhesiva., doblado, por toda la parte posterior de la superficie del papel.. Luego, grapo las esquinas para darles un punto de anclaje y un poco de resistencia. Utilizo este método para poder pintar hasta el borde del papel, ya que me encanta el borde irregular de los papeles hechos a mano.
Consejo Utilizo cinta adhesiva de 5 cm de ancho y la doblo por la mitad formando rectángulos de 5 cm por toda la superficie. Este método lleva tiempo, pero puedes empezar a trabajar de inmediato, ya que no requiere tiempo de secado como el estirado tradicional con cinta adhesiva.
2. Después de aplicar una capa gruesa de pintura de acuarela y rociar con agua.
2. Primero aplico la pintura al papel de acuarela pintando una capa gruesa de pintura de acuarela sobre un trozo de cartón y presionándolo sobre el papel.. Para ello, utilicé Tonalidad azul manganeso, Azul verdoso cobalto y Blanco chino Apliqué la acuarela directamente del tubo sobre la superficie de cartón. Luego mezclé la pintura con un pincel y presioné el cartón sobre mi papel de acuarela. A continuación, usé un pulverizador de plantas para rociar agua y suavizar la pintura, permitiendo que se escurriera por el cartón. Trabajo verticalmente con acuarelas, lo que evita que se formen charcos en mi obra.
3. Después de rociar con acuarela de quinacridona color naranja quemado.
3. Luego procedí a rociar la superficie con Naranja quemada de quinacridona y mezcla de agua. Debe tener la fluidez suficiente para no obstruir el mecanismo del pulverizador, pero no tanta como para que no se note. Déjelo fluir y luego séquelo con un secador de pelo. Ahora podrá apreciar algunas texturas interesantes en la superficie.
Consejo – Es posible que se ensucie un poco el suelo del estudio, así que suelo poner una lámina de plástico debajo del caballete y toallas de papel en la parte inferior del tablero de dibujo para recoger el exceso de pintura.
4. Trazar las formas básicas con un lápiz 8B.
4. Una vez que esta superficie se haya secado, trazo las formas básicas con un lápiz 8B. para asegurarme de que puedo ver las líneas fácilmente sobre la superficie pintada.. A continuación, lavo las zonas más claras con un cepillo de cerdas duras y agua limpia, secando continuamente con papel de cocina.
Consejo – Intenta no quitar toda la pintura de esta zona. Prefiero dejar algunos restos para que ayuden con la textura más adelante.
5. Después de rellenar las zonas oscuras/de sombra con azul de Prusia y naranja quemado de quinacridona.
5. Usando Azul de Prusia lavados y Naranja quemada de quinacridona lavados (por separado) Bloqueo las zonas oscuras/de sombra. Tenga mucho cuidado de no dañar la superficie aplicando pintura repetidamente sobre la misma zona. Esto provocará que la superficie se desprenda de la imagen al intentar añadir color.
6. Después de levantar un poco la superficie de la pintura para aclararla y añadirle más textura.
6. Después de añadir algunas capas de color, decidí que los tonos oscuros se habían vuelto demasiado oscuros y un poco planos., Decidí retirar un poco la pintura para aclararla. Empecé a rociar el cuadro con agua limpia y lo dejé actuar un momento antes de colocar papel absorbente sobre la superficie y comenzar a retirar la pintura. Esto no solo aclara la imagen, sino que también le añade una textura interesante.
7. Añadir salpicaduras. También detalles con un pincel fino y pintura marrón Van Dyck.
7. Una vez que he aplicado varias capas planas y texturizadas, empiezo a añadir pintura con algunas salpicaduras.. Esto crea textura y me permite añadir más pintura sin tocar físicamente el cuadro con un pincel. También he empezado a usar un pincel del número 2/0 o cualquier pincel de punta fina para empezar a desarrollar los detalles. Comienzo a hacer marcas en la zona clara donde quiero sugerir que la pintura se ha descascarillado y agrietado. Es el detalle por el que mi trabajo es conocido, y es esto lo que eleva la pintura a otro nivel.
Consejo – Empiezo a dibujar con Van Dyck Brown y un pincel pequeño, para empezar a definirlo todo. Si no cuido el dibujo en algún momento del proceso, la pintura no tendrá el refinamiento y la calidad que busco. Normalmente, si una pintura no funciona, se soluciona revisando el dibujo, y esto se puede hacer en cualquier momento.
Pintura terminada – “Observador de sombras II”, acuarela sobre papel hecho a mano, 22 x 31,5 cm
Se intensifican los tonos, se fortalece el color y se añaden detalles; la pintura ya está terminada.. Como pueden ver, el detalle se ha intensificado y realmente disfruto esta parte de la pintura, aunque puede llevar bastante tiempo lograrlo. Usando un pincel pequeño con una mezcla de Van Dyck Brown y Azul de Prusia Comienzo a trabajar sobre la superficie del cuadro, prestando atención a las diferentes texturas que cabría esperar de distintos materiales. Por eso mis cuadros tardan tanto, porque realmente me familiarizo con lo que constituye óxido o madera, etc. La mayor parte de este detalle superficial proviene de mi imaginación, ya que he pasado muchos años observando mi tema y sé instintivamente lo que necesito hacer para que funcione. También he añadido una capa de tinte, hecha de Azul verdoso cobalto y Blanco chino, a la zona más clara.
Título
La pintura se llama “El observador de las sombras II” porque es la segunda pintura sobre este tema, lo cual es muy inusual para mí.. No suelo pintar dos cuadros del mismo tamaño y composición, pero en esta ocasión los hice al mismo tiempo a modo de experimento, empleando dos enfoques ligeramente diferentes.
También he desarrollado una pieza ligeramente más grande con una composición más cercana al boceto original.. Esto no se ha completado al momento de escribir esto. El título se refiere a mí, soy el observador de sombras porque presto mucha atención al movimiento y las formas de las sombras cuando estoy trabajando. Cuando pinto al aire libre, tomo fotos constantemente del sujeto mientras trabajo, ya que la luz cambia todo el tiempo y me gusta tener un registro de su movimiento mientras trabajo. La sombra describe el objeto del que se proyecta, la dirección y la intensidad de la luz que incide sobre él. Por eso disfruto particularmente viajar al extranjero, ya que el sol es fuerte y constante. La luz en Escocia fluctúa todo el tiempo debido a la cantidad de nubes que tenemos en el cielo y la luz en sí no es tan intensa porque rara vez está muy alta en el cielo, y generalmente hay un velo delgado de nubes tenues que oscurecen el brillo.
Bandera
Los colores utilizados por Daniel Smith en la pintura; Lavanda, Van Dyck Brown, Naranja quemada de quinacridona, Azul de Prusia, Tonalidad azul manganeso, Tierra de Siena tostada, Amarillo indio, Azul verdoso cobalto, Violeta de quinacridona y Blanco chino acuarela. Para mí, esta es una paleta limitada; me encanta usar una amplia gama de colores y emplear la mayoría de ellos como aguadas puras, mezclándolos directamente sobre el papel. En este caso, no utilicé ninguno de los Barras de acuarela de Daniel Smith.
Angus McEwan combina sus paletas con acuarelas de Daniel Smith.
Hay cuatro colores que siempre están presentes en mis pinturas: Azul verdoso cobalto, Tonalidad azul manganeso, Lavanda y Naranja quemada de quinacridona. Esta pintura contiene los cuatro colores, pero los dos predominantes son el Azul verdoso cobalto y el Naranja quemada de quinacridona. En la pintura se utilizan otros colores, principalmente para aclarar u oscurecer los colores principales.
Mis tarjetas de puntos de acuarela DANIEL SMITH tienen una pequeña selección de pinturas imprescindibles de mi paleta..
Contienen colores sin los que no podría vivir y suelen estar compuestos de colores difíciles de reproducir a partir de una gama de colores básica debido a su intensidad y fuerza de pigmento. El último color de la gama DANIEL SMITH es Lavanda Y es un color que ahora utilizo en todos mis cuadros. Azul verdoso cobalto y Tonalidad azul manganeso También son imprescindibles, y casi siempre se utilizan colores.
Lavanda
Azul verdoso cobalto
Azul de cobalto
Tonalidad azul manganeso
Azul cobalto violeta
Azul de Prusia
Violeta de quinacridona
Resplandor de la luna
Verde ftalo (BS)
Verde oliva
turquesa ftalocianina
Amarillo indio
Naranja quemada de quinacridona
Tonalidad naranja cadmio
Bermellón orgánico
Siena tostada
Tierra de Siena tostada
Van Dyck Brown
Por qué elijo las acuarelas de DANIEL SMITH
“Me encanta la intensidad, la facilidad de uso, la increíble variedad de colores y la excelente calidad de la gama DANIEL SMITH.. Siempre responden de la misma manera, una y otra vez, independientemente del soporte. Esto es importante para mí, ya que hay muchas variables al pintar, y poder confiar en la calidad de la pintura es un componente fundamental para una obra de arte exitosa. En resumen, DANIEL SMITH logra la calidad y la constancia perfectas en cada ocasión.”
