¿Qué pueden pintar los artistas cuando aman tanto el realismo como la abstracción? Karlyn Holman (1940-2019) sugirió mezclar estos dos estilos para crear pinturas semi-abstractas.

Cuando esta artista de Wisconsin vio que su pintura se acercaba demasiado al realismo, se enfocaba más en los elementos del diseño, usando forma, color, valor, textura y línea. El movimiento también jugó un papel importante en su trabajo. Y cuando su pintura se sentía demasiado abstracta, buscaba formas reconocibles para devolverle un equilibrio cómodo. “La semiabstracción me atrae más que el realismo absoluto o la pintura total no objetiva. Una de las formas más fáciles de ver de forma abstracta es ver al sujeto de cerca”, dijo Karlyn. “El trabajo de Georgia O'Keefe es un ejemplo destacado del uso de esta técnica”.

la pintura de Karlyn, Expectativas de uva es un ejemplo de una pintura semiabstracta que utiliza los elementos del diseño para crear una composición bien equilibrada. Esto se logra con éxito omitiendo muchos detalles y simplificando el tema. Prevalecerá una sensación de ligereza al dejar zonas blancas del papel.

Durante sus viajes por el mundo enseñando Acuarela: Divertida y Gratis talleres, Holman se detenía a menudo para fotografiar y pintar temas fascinantes. Mientras pintaba escenas de aldeas en los viñedos de la región francesa de Alsacia-Lorena, notó que las deliciosas uvas maduraban bajo la luz del sol. “Un día, hicimos que nuestro conductor del autobús se detuviera para poder fotografiar los viñedos y recoger algunas hojas”, recordó. Más tarde, mientras estaba en el interior, Karlyn creó una pintura de acuarela semiabstracta al estampar, estarcir y recortar formas. Los artistas de todos los niveles pueden expresarse utilizando estos métodos lúdicos.

Si desea probar este método pero no tiene uvas creciendo en vides, intente pintar lo que esté disponible en su vecindad. Use plantas o flores de jardín como helechos, malvarrosas o incluso dientes de león, usando varias hojas de la planta para el paso de estampado. Antes de pintar de esta manera, elija un sujeto de primer plano. Aunque trabajar a partir de una foto puede ser más fácil, pintar directamente de la naturaleza puede ser divertido y desafiante. Estudie su tema para decidir las formas, colores y texturas a utilizar.

Un boceto preliminar no siempre es necesario. A veces, saltar de inmediato puede ser el mejor enfoque, lleno de sorpresas. “Todo lo que realmente necesitas es un espíritu de aventura”, dijo Holman.

La blancura del papel de acuarela blanco brillante (prensado en frío - 140 lb.) permite que los colores parezcan vibrantes. Holman sugirió humedecer ambos lados del papel para que quede plano y le dé más tiempo de trabajo. En lugar de remojar y estirar el papel, simplemente usa un cepillo para este paso. La paleta de Karlyn incluía muchos colores vibrantes y transparentes; estos eran algunos de sus favoritos:  Oro de quinacridona, Quinacridona naranja quemada y Turquesa Ultramar. También le encantaba experimentar con los metálicos y Acuarelas luminiscentes. “Aunque los artistas tienen muchas opciones de herramientas y materiales para usar, la herramienta más importante es el ojo de su propia mente”, dijo.

La siguiente demostración paso a paso ilustra un enfoque simple y directo para diseñar espacios y crear texturas que capturen la esencia de las uvas colgando de las vides. “Esta lección es una excelente práctica para mejorar sus habilidades de pintura negativa”, dijo Karlyn.

Paso 1

Karlyn dibujó un estudio de valor usando rotuladores de dos tonos de gris diferentes, dejando el blanco del papel como el valor más claro. Si bien los marcadores son una forma rápida de lograr tonos agradables y uniformes, es posible que prefiera usar lápiz o crayón para este paso, usando diferentes gradaciones.

Paso 2

Después de humedecer el papel por ambos lados, capture la esencia de los valores de luz aplicando colores puros y claros directamente sobre el papel en lugar de mezclarlos en su paleta. Mientras mueve la brocha sobre el papel húmedo, tenga en cuenta el movimiento direccional.

Aunque todavía no está pintando el tema, seleccione los colores base consultando su estudio de valor. Por ejemplo, interprete las uvas moradas pintando primero un rosa rojizo y luego agregando un azul cálido por encima. ¡Recuerda guardar tu blanco!

Después de familiarizarse con los colores armónicos, Karlyn se centró en crear contraste. Utilizando el dorso de hojas de parra reales, aplicó amarillo y azul, agregando un toque de color complementario. Al estampar las hojas en el papel, los colores se mezclan de manera sorprendente. Manteniendo las hojas en su lugar sobre el papel, las usó como máscaras pintando alrededor de ellas. Al cortar círculos del tamaño de una uva en papel encerado y colocarlos en grupos en áreas de color húmedo, estas formas ayudarán a crear un punto focal.

Al colocar colores complementarios o fríos en el fondo, la pintura parecerá viva y emocionante. Pintó algunas enredaderas colgantes, oscuros de tono medio, luego esperó a que la pintura se secara.

Paso 3

Este es el paso más emocionante: retire las hojas y el papel encerado para revelar las texturas que ha creado.

Etapa 4

Reúna su pintura agregando algunos oscuros y algunas formas negativas: use su intuición para completar la pintura. Tenga en cuenta que algunas partes del sujeto pueden pintarse de manera más realista y otras pueden ser más abstractas. Trate de lograr una variedad de texturas y formas, bordes perdidos y encontrados, y tanto contraste como sea posible para obtener una pintura encantadora y semi-abstracta que sea única para su propio estilo.