Cosa possono dipingere gli artisti che amano sia il realismo che l'astrazione? Karlyn Holman (1940-2019) ha suggerito di fondere questi due stili per creare dipinti semi-astratti.

Quando quest'artista del Wisconsin si accorgeva che i suoi dipinti si avvicinavano troppo al realismo, si concentrava maggiormente sugli elementi del design, utilizzando forma, colore, valore, texture e linea. Anche il movimento giocava un ruolo importante nel suo lavoro. E quando i suoi dipinti le sembravano troppo astratti, cercava forme riconoscibili per riportarli a un equilibrio armonioso. "La semi-astrazione mi attrae più del realismo assoluto o della pittura totalmente non oggettiva. Uno dei modi più semplici per vedere in modo astratto è osservare il soggetto da vicino", ha affermato Karlyn. "L'opera di Georgia O'Keeffe è un esempio straordinario dell'uso di questa tecnica."“

Il dipinto di Karlyn, Aspettative sull'uva È un esempio di pittura semi-astratta che utilizza elementi di design per creare una composizione ben bilanciata. Questo risultato è ottenuto con successo omettendo molti dettagli e semplificando il soggetto. Lasciando delle aree bianche sulla carta, prevarrà una sensazione di leggerezza.

Durante i suoi viaggi in giro per il mondo ha insegnato Acquerello: divertente e gratuito Durante i workshop, Holman si fermava spesso a fotografare e dipingere soggetti affascinanti. Mentre dipingeva scene di villaggio tra i vigneti nella regione francese dell'Alsazia-Lorena, notò che succosi grappoli d'uva stavano maturando sotto la luce filtrata dagli alberi. "Un giorno, abbiamo addirittura chiesto all'autista dell'autobus di fermarsi per fotografare i vigneti e raccogliere qualche foglia", ha ricordato. Più tardi, al chiuso, Karlyn ha creato un acquerello semi-astratto utilizzando timbri, stencil e ritagli di forme. Artisti di tutti i livelli possono esprimersi attraverso questi metodi ludici.

Se desiderate provare questo metodo ma non avete viti, potete dipingere ciò che trovate nelle vicinanze. Utilizzate piante o fiori da giardino come felci, malvarose o persino denti di leone, usando diverse foglie della pianta per la fase di stampaggio. Prima di dipingere in questo modo, scegliete un soggetto ravvicinato. Sebbene lavorare da una foto possa essere più semplice, dipingere direttamente dal vero può essere divertente e stimolante. Studiate il soggetto per decidere le forme, i colori e le texture da utilizzare.

Uno schizzo preliminare non è sempre necessario. A volte, buttarsi a capofitto può essere l'approccio migliore, ricco di sorprese. "Tutto ciò che serve davvero è uno spirito d'avventura", ha affermato Holman.

Il candore della carta per acquerello bianca brillante (grana pressata a freddo – 140 lb.) fa sì che i colori appaiano vibranti. Holman ha suggerito di inumidire entrambi i lati della carta in modo che rimanga piatta e consenta un tempo di lavorazione più lungo. Invece di immergere e tendere la carta, per questo passaggio usa semplicemente un pennello. La tavolozza di Karlyn includeva molti colori vivaci e trasparenti: questi erano alcuni dei suoi preferiti:  Oro chinacridato, Chinacridone Arancia Bruciata E turchese oltremare. Amava anche sperimentare con i metalli e acquerelli luminescenti. “Sebbene gli artisti abbiano a disposizione molti strumenti e materiali da utilizzare, lo strumento più importante è la propria immaginazione”, ha affermato.

La seguente dimostrazione passo passo illustra un approccio semplice e diretto per progettare lo spazio e creare texture che catturino l'essenza dell'uva che pende dai tralci. "Questa lezione è un ottimo esercizio per affinare le proprie capacità di pittura in negativo", ha affermato Karlyn.

Passo 1

Karlyn ha realizzato uno studio di valori tonali utilizzando pennarelli di due diverse tonalità di grigio, lasciando il bianco della carta come valore più chiaro. Sebbene i pennarelli siano un metodo rapido per ottenere tonalità uniformi e gradevoli, per questa fase si può preferire l'uso di matita o pastello, utilizzando diverse gradazioni.

Passo 2

Dopo aver inumidito la carta su entrambi i lati, cattura l'essenza dei valori di luce applicando colori puri e chiari direttamente sulla carta anziché mescolarli sulla tavolozza. Mentre muovi il pennello sulla carta bagnata, tieni presente la direzione del movimento.

Anche se non hai ancora iniziato a dipingere il soggetto, scegli i colori di base facendo riferimento al tuo studio dei valori tonali. Ad esempio, per rappresentare l'uva viola, dipingi prima con un rosa-rosso e poi aggiungi un blu caldo sopra. Ricorda di conservare il bianco!

Dopo aver armonizzato i colori, Karlyn si è concentrata sulla creazione di contrasti. Utilizzando il retro di vere foglie di vite, ha applicato il giallo e il blu, aggiungendo un tocco di colore complementare. Quando le foglie vengono impresse sulla carta, i colori si mescolano in modi sorprendenti. Mantenendo le foglie ferme sulla carta, le ha usate come maschere dipingendo intorno ad esse. Ritagliando cerchi di carta cerata delle dimensioni di un acino d'uva e disponendoli a gruppi su aree di colore ancora fresco, queste forme contribuiranno a creare un punto focale.

Utilizzando colori complementari o freddi per lo sfondo, il dipinto apparirà vivo ed emozionante. Ha dipinto dei rampicanti, tonalità scure intermedie, poi ha aspettato che la pittura si asciugasse.

Passo 3

Questo è il passaggio più emozionante: rimuovete le foglie e la carta da forno per rivelare le texture che avete creato.

Passo 4

Completa il tuo dipinto aggiungendo alcune zone scure e alcune forme negative: affidati all'intuito per terminarlo. Tieni presente che alcune parti del soggetto possono essere dipinte in modo più realistico, mentre altre in modo più astratto. Cerca di ottenere una varietà di texture e forme, contorni sfumati e definiti, e il maggior contrasto possibile per realizzare un dipinto piacevole e semi-astratto, unico nel suo genere e che rispecchi il tuo stile personale.