¿Qué pueden pintar los artistas cuando aman tanto el realismo como la abstracción? Karlyn Holman (1940-2019) sugirió combinar estos dos estilos para crear pinturas semiabstractas.
Cuando esta artista de Wisconsin notaba que su pintura se acercaba demasiado al realismo, se centraba en los elementos del diseño: la forma, el color, el valor, la textura y la línea. El movimiento también desempeñaba un papel importante en su obra. Y cuando su pintura le parecía demasiado abstracta, buscaba formas reconocibles para recuperar un equilibrio armonioso. “La semiabstracción me atrae más que el realismo absoluto o la pintura totalmente no figurativa. Una de las maneras más fáciles de ver de forma abstracta es observar el sujeto con detenimiento”, dijo Karlyn. “La obra de Georgia O'Keeffe es un ejemplo excepcional del uso de esta técnica”.”
La pintura de Karlyn, Expectativas de la uva Es un ejemplo de pintura semiabstracta que utiliza elementos de diseño para crear una composición equilibrada. Esto se logra omitiendo muchos detalles y simplificando el tema. Al dejar áreas blancas en el papel, se genera una sensación de ligereza.
Durante sus viajes por el mundo enseñando Acuarela: divertida y gratuita. Durante sus talleres, Holman solía detenerse para fotografiar y pintar temas fascinantes. Mientras pintaba escenas de pueblos en los viñedos de la región francesa de Alsacia-Lorena, observó cómo las uvas maduraban bajo la luz del sol. “Un día, incluso conseguimos que el conductor del autobús parara para poder fotografiar los viñedos y recoger algunas hojas”, recordó. Más tarde, en casa, Karlyn creó una acuarela semiabstracta mediante la técnica de estampar, usar plantillas y recortar formas. Artistas de todos los niveles pueden expresarse utilizando estos métodos lúdicos.
Si quieres probar este método pero no tienes vides, intenta pintar con lo que tengas a mano. Usa plantas o flores de jardín como helechos, malvas o incluso dientes de león, utilizando varias hojas para estampar. Antes de pintar, elige un sujeto en primer plano. Aunque trabajar a partir de una foto puede ser más fácil, pintar directamente de la naturaleza puede ser divertido y estimulante. Observa bien el sujeto para decidir las formas, los colores y las texturas que vas a usar.
No siempre es necesario un boceto preliminar. A veces, lanzarse de lleno puede ser la mejor opción, llena de sorpresas. “Lo único que se necesita es espíritu aventurero”, dijo Holman.
La blancura del papel de acuarela blanco brillante (prensado en frío – 140 lb) hace que los colores se vean vibrantes. Holman sugirió humedecer ambos lados del papel para que quede plano y se disponga de más tiempo para trabajar. En lugar de empapar y estirar el papel, simplemente usa un pincel para este paso. La paleta de Karlyn incluía muchos colores vibrantes y transparentes; estos eran algunos de sus favoritos: Oro de quinacridona, Naranja quemada de quinacridona y Turquesa ultramar. También le encantaba experimentar con tonos metálicos y Acuarelas luminiscentes. “Aunque los artistas tienen muchas opciones de herramientas y materiales para usar, la herramienta más importante es la imaginación”, ha dicho.
La siguiente demostración paso a paso ilustra un método sencillo y directo para diseñar espacios y crear texturas que capturen la esencia de las uvas en las vides. “Esta lección es una excelente práctica para perfeccionar tus habilidades de pintura negativa”, comentó Karlyn.
Paso 1
Karlyn realizó un estudio de valores tonales utilizando marcadores de dos tonos de gris diferentes, dejando el blanco del papel como el tono más claro. Si bien los marcadores son una forma rápida de lograr tonos uniformes y armoniosos, quizás prefieras usar lápiz o crayón para este paso, empleando diferentes gradaciones.
Paso 2
Tras humedecer el papel por ambos lados, captura la esencia de los tonos claros aplicando colores puros y luminosos directamente sobre el papel, en lugar de mezclarlos en la paleta. Al deslizar el pincel sobre el papel húmedo, ten presente la dirección del movimiento.
Aunque aún no estés pintando el sujeto, selecciona los colores base consultando tu estudio de valores. Por ejemplo, para representar las uvas moradas, pinta primero un rosa rojizo y luego añade un azul cálido encima. ¡No olvides guardar el blanco!
Tras familiarizarse con los colores armónicos, Karlyn se centró en crear contraste. Utilizando el reverso de hojas de vid reales, aplicó amarillo y azul, añadiendo un toque de color complementario. Al estampar las hojas sobre el papel, los colores se mezclaron de forma sorprendente. Manteniendo las hojas fijas, las usó como máscaras pintando a su alrededor. Recortando círculos del tamaño de una uva en papel encerado y colocándolos en grupos sobre zonas de color húmedo, estas formas ayudarán a crear un punto focal.
Al colocar colores complementarios o fríos en el fondo, la pintura se verá viva y vibrante. Pintó algunas enredaderas, tonos oscuros medios y luego esperó a que se secara la pintura.
Paso 3
Este es el paso más emocionante: retira las hojas y el papel encerado para revelar las texturas que has creado.
Paso 4
Completa tu cuadro añadiendo algunos tonos oscuros y formas negativas; usa tu intuición para terminarlo. Ten en cuenta que algunas partes del sujeto pueden pintarse de forma más realista y otras de forma más abstracta. Intenta lograr una variedad de texturas y formas, bordes difuminados y definidos, y el mayor contraste posible para obtener una pintura semiabstracta encantadora y con un estilo propio.
