Gonzalo Vargas Il nous a rejoint en direct du Chili le vendredi 22 juillet pour partager ses techniques d'aquarelle et sa palette de couleurs préférée.

Pourquoi créez-vous de l'art ?
L'art m'offre un espace d'exploration, de découverte et de connaissance, comme dans un jeu continu de rencontre et de rapprochement. Il est très enrichissant d'étudier le monde qui nous entoure à travers un langage visuel, et à partir d'un point de départ qui transcende l'évidence. Par ailleurs, l'art permet de s'exprimer et de créer un monde nouveau, un besoin profond et réconfortant qui émane des profondeurs de l'âme. L'art est, par essence, une abstraction – la nécessité de synthétiser la réalité. Je crois que c'est la voie à suivre pour mieux comprendre le monde dans lequel nous vivons et peut-être répondre à certaines grandes questions existentielles.

Depuis combien de temps peignez-vous ?
Depuis mon enfance, j'étais fascinée par les images des magazines. J'ai commencé par découper de petites images, puis j'ai créé les miennes. L'aquarelle m'a toujours attirée ; dès l'âge de 12 ans, j'ai commencé à l'utiliser. Vers 15 ans, j'ai rencontré un aquarelliste de ma ville, avec qui j'ai convenu d'aller peindre en plein air dans les zones urbaines. Je n'ai jamais abandonné l'aquarelle, mais il y a eu des périodes où je n'ai pas peint pendant un certain temps. Finalement, en 2010, j'ai renoué avec ma passion pour la peinture de manière plus régulière et assidue.

Avez-vous suivi une formation artistique formelle ?
Je suis principalement autodidacte. J'ai étudié le dessin pendant environ un an à l'école des beaux-arts de ma ville, vers l'âge de vingt ans. En tant qu'architecte, j'ai été formé au croquis urbain durant mes études. Plus récemment, j'ai participé à un atelier animé par le maître aquarelliste renommé Victor Hugo Arevalo, qui a fait partie intégrante de ma formation artistique.

Êtes-vous un artiste professionnel ou un amateur ?
En tant que responsable d'IWS et représentante de Fabriano à Acquarello, je consacre une part importante de mon temps à la gestion et à l'administration des activités artistiques liées à ces organisations. De ce fait, mon engagement personnel dans la peinture doit s'équilibrer avec d'autres activités ; je me considère donc comme une artiste semi-professionnelle.

Qu'est-ce qui vous inspire ?
Je pense que lorsqu'on débute en aquarelle, on a tendance à chercher des références directes qui nous apportent des réponses et des solutions. Mais avec le temps, le cheminement artistique devient de plus en plus personnel. Les références peuvent provenir de sources multiples, même de la musique. De l'expérience quotidienne de la lumière, du paysage, à la contemplation des grands maîtres de la peinture, quel que soit leur thème, tout peut finalement être source d'inspiration. Cependant, je reconnais que le paysage naturel et la lumière restent parmi mes plus grandes sources d'inspiration.

Quel genre de musique écoutez-vous en peignant ?
J'aime peindre en musique, même si parfois je m'en passe. J'ai beaucoup peint en écoutant de la musique classique, notamment des œuvres de Schubert, Vivaldi et Verdi. J'aime aussi écouter de la musique contemporaine, à condition de la choisir à l'avance et de sélectionner ce qui m'intéresse. J'aime explorer la musique et me laisser surprendre par de nouveaux artistes ou styles, en quête d'inspiration.

Avez-vous eu un mentor ?
Je pense que c'est formidable d'avoir un mentor, mais je n'en ai pas. Pouvoir parler à quelqu'un et obtenir des conseils avisés serait un atout précieux ; je crois que c'est quelque chose que nous aimerions tous avoir.

Vous peignez tous les jours ?
J'essaie de peindre quotidiennement, mais ce n'est pas toujours possible. Souvent, faute de temps, je choisis de faire quelque chose de rapide pour ne pas me déconnecter de la peinture. Sur le plan mental, je peux dire que je “ peins ” chaque jour avec mes yeux et que je crée des œuvres potentielles en observant le paysage.

Peignez-vous une toile à la fois ou travaillez-vous sur plusieurs simultanément ?
En général, je peins une œuvre à la fois et la termine en une seule séance. Cependant, il m'arrive de réaliser l'esquisse d'une œuvre et de la reporter à un autre jour. Souvent, mon attention se porte sur plusieurs sujets ; ainsi, à tout moment, j'ai généralement plusieurs thèmes ou problèmes que je souhaite aborder.

Créez-vous d'abord une esquisse conceptuelle ?
La plupart du temps, je me plonge directement dans un sujet, et cette première approche me permet de mieux comprendre et de progresser dans mes travaux suivants. Si quelque chose ne fonctionne pas ou me laisse perplexe, je tente de l'améliorer ou de le corriger dans une seconde version. Parfois, je concrétise des idées plus simples dans un format réduit, ou je travaille sur des parties spécifiques d'une œuvre, des détails ou des domaines qui m'intéressent particulièrement.

Préférez-vous peindre en atelier ou en plein air ?
J'apprécie les deux situations. Peindre en plein air procure une grande excitation et un plaisir intense ; c'est une aventure, un panorama à part entière, très apaisant. Mais travailler en atelier est plus quotidien, ce qui est parfois très agréable, car c'est un espace à part qui invite à un état de calme et de concentration exceptionnel. Je crois que les deux situations ont leur beauté et leurs particularités, mais il est évident que le confort et la praticité sont plus présents en atelier.

Combien de couleurs principales utilisez-vous ?
Cela dépend du thème. En général, j'utilise différentes nuances de bleu, avec des tons bruns ou terre de Sienne. J'utilise aussi quelques couleurs comme le jaune ou le rouge. On pourrait dire que j'utilise une dizaine de couleurs de base, mais selon le sujet abordé, j'ajoute des couleurs plus spécifiques.

Tubes, casseroles ou bâtonnets ?
J'utilise généralement des tubes, mais je possède de bons coffrets de pinceaux de qualité, parfaits pour les voyages et les petits formats. Quant aux bâtonnets, je les ai peu utilisés, mais ils me semblent être un bon outil pour une plus grande expressivité, même avec des œuvres rapides.

À quel moment sait-on que son œuvre est terminée ?
À l'approche de la fin d'un travail, il est inévitable de vérifier ce qui fonctionne, si le message est clair et s'il y a des points faibles. Je procède alors à quelques ajustements et retouches finales. Si, après cela, je ne vois rien à modifier, je m'arrête. De toute façon, il m'est plus facile de décider des retouches à apporter pendant le processus lui-même. Si je prévois de commencer les modifications le lendemain, je ne me sens pas suffisamment en phase pour proposer de nouvelles interventions.