Il existe de nombreuses techniques pour conserver les zones claires du papier dans la peinture à l'aquarelle, y compris les fluides de masquage et les rubans adhésifs - mais je préfère préserver les lumières en peignant autour d'elles… en peignant l'espace négatif.

La peinture négative est une approche unique de la peinture autour d'un objet pour le définir dans une composition. Lorsque nous travaillons à l'aquarelle, nous avons le défi que les autres médiums n'ont pas - c'est ce que nous ne le faites pas peinture qui devient l'élément le plus important. Considérez-vous comme un tailleur de pierre, ébréchant, jusqu'à ce qu'il ne reste que les lumières les plus précieuses.

Je n'utilise pas de couleurs de peinture opaques pour la peinture négative. Les peintures opaques sont merveilleuses pour les marques d'accentuation à la fin, mais pas pour le vitrage (un lavis de couleur transparent posé sur une zone sèche préalablement peinte). La technique de la peinture en négatif nécessite de nombreux glacis qui deviendraient boueux avec des peintures opaques. Pour déterminer si vos peintures sont opaques ou transparentes, lisez l'étiquette du produit, consultez le nuancier ou faites ce simple test. Avec un marqueur permanent noir, tracez une ligne en gras sur un morceau de papier aquarelle. Badigeonner un peu de peinture avec la consistance de la crème à travers la ligne noire. Si la ligne est obscurcie, la peinture est opaque. Les couleurs de la ligne du haut au-dessus sont opaques et celles de la ligne du bas sont transparentes.

Lorsque je dessine pour une peinture négative, je suis particulièrement attentif à l'espace négatif - les formes entre les choses. Je veux avoir une variété de formes et de tailles. Je dessine suffisamment pour obtenir les formes générales, mais je ne suis pas lié par ce que je vois. En fait, il est important de comprendre que des formes supplémentaires seront développées au cours du processus de peinture, alors ne dessinez pas trop.

Pour déterminer quelles 3 couleurs j'utiliserai pour la sous-couche, je fais de nombreux échantillons. Les échantillons contiendront un rouge, un bleu et un jaune. Les couleurs n'ont pas besoin d'être de vraies primaires. Lorsque je mélange les couleurs, il est important que la peinture ait la même consistance pour favoriser un bon mélange sur le papier. Je recherche des couleurs qui ont le sentiment sous-jacent du sujet. Les 3 couleurs que j'ai sélectionnées ici sont Or quinacridone (QG), Bleu cobalt (CB), et Quinacridone Rose (QR).

Je mouille tout le papier avec de l'eau propre et j'introduis les 3 couleurs séparément sur le papier humide. Je peins en biais pour encourager le mélange, car la peinture coule sur le papier. Je ne travaille pas trop la surface avec un pinceau, mais j'encourage plutôt la peinture à se mélanger sur le papier. Laissez bien sécher.

J'utiliserai les 3 couleurs d'origine tout au long du processus de peinture. Je considère que ce sont mes «couleurs mères», mais j'ajouterai des couleurs supplémentaires au fur et à mesure que la peinture évolue. Je commence par peindre des bords durs contre la rose et certaines des feuilles, et j'adoucis les bords avec de l'eau au fur et à mesure que je m'éloigne du sujet. C'est ce que j'appelle l'adolescence d'un tableau, parce qu'il a souvent l'air et se sent mal à l'aise. Laissez bien sécher. Je me concentre sur l'espace et les formes intermédiaires.

Avec chaque glacis, je crée de nouvelles formes négatives et des valeurs plus sombres. J'adoucis parfois les bords avec une légère brume d'un flacon pulvérisateur pendant que la peinture est humide. Laissez bien sécher entre les glacis ou les couleurs deviendront boueuses.

Dans l'étape finale, je peins les ténèbres les plus sombres et les plus petites formes. J'utilise un vert profond riche fait avec Phtalo Turquoise et Sienne brûlée italienne. Alors que le mélange de peinture verte est encore humide sur le papier, je dépose une petite quantité de Alizarine permanente pourpre. L'ajout de ce rouge anime les verts. Vous pouvez en voir un exemple directement sous la rose de gauche. Je suis sélectif pour placer mes ombres les plus sombres près de mes lumières pour intensifier la zone focale. Je termine par quelques détails.