L'interpretazione del nostro complesso mondo visibile coinvolge più di semplici occhi innocenti; richiede un approccio ponderato e diretto che smentisce la semplice copia. Un giudizio estetico su un oggetto che non sarebbe considerato bello nel senso tradizionale, richiede allo spettatore di contemplare una combinazione di qualità, tra cui forma, colore e forma. È con la sensibilità estetica di un artista che perseguo gli oggetti del mio fascino. Considero tutto mentre inseguo il mio soggetto come una preda, cercando il minimo accenno di colore o eleganza materica che suggerirebbe un argomento degno di renderizzare. La luce con cui vengono visualizzati questi oggetti di soggetto può fare la differenza tra ulteriori esami e interrogatori, o quella di un semplice sguardo.

Una volta che il mio sguardo ha incontrato un tema su cui vale la pena dedicare del tempo, dedicherò qualsiasi cosa tra 5 minuti e 2 anni scoprendone il potenziale. La maggior parte del mio argomento è seduto lì in bella vista, ignorato, trascurato, condannato e, soprattutto per me, invisibile ai passanti. Camminiamo per le strade guardando ma non vedendo, visibile ma invisibile, se ne sta seduto in silenzio, passivamente indifferente.

"Bloccato e caricato II"

“Crisi globale”

Questi momenti di scoperta sono rari e la loro rivelazione è come trovare l'Arca dell'Alleanza, ma non tutte le scoperte possono diventare un argomento. Può essere mentre si disegna in loco che il pieno potenziale di un'idea può rivelarsi o essere scartato come un pensiero fugace. L'atto della creazione è per me un lungo processo che ha un punto di partenza in alcuni rapidissimi disegni che, a loro volta, possono diventare un'ossessione che può richiedere molti mesi per risolversi.

L'idea della bellezza nel mondano non è un concetto nuovo, ma mi spinge ad aiutare a illuminare coloro che non hanno considerato il piacere di trovarsi in una vecchia porta con la sua vernice sbiadita e sbiadita. È una superficie di legno scheggiato o arrugginita che si erode lentamente con il tempo e le intemperie. La pietra o l'intonaco che ora assomiglia alla superficie della luna con le sue trame craterizzate, butterate e il colore sbiadito. Hai mai notato le macchie di ruggine da una grata di ferro che circonda un'antica finestra come un angelo piangente? È un bellissimo pigmento di ossido di ferro che macchia la superficie sottostante senza che nessuno se ne accorga o se ne accorga.

Il mio processo di pittura è vario e talvolta piuttosto lungo, ma cerco, ove possibile, di renderlo interessante e non ripetitivo poiché non c'è niente di peggio della routine o della noia per uccidere l'ispirazione. Il mio argomento è anche piuttosto vario e può essere un camion all'angolo di una strada, un pedone che passa accanto a un bel muro, una vecchia porta consumata e sbiadita. La maggior parte delle mie immagini e idee provengono dai miei viaggi e per me è il brusio che provo vedendo posti nuovi e interessanti, l'esplorazione di strade sconosciute, volti nuovi e la sorpresa che provi quando giri un angolo e vieni accolto con un'immagine che ti emoziona davvero.

"Selezione naturale"

Normalmente mi porto dietro un quaderno da disegno, piccoli acquerelli, un paio di pennelli e matite (colorate e grafite) e una macchina fotografica. Tutto dipende dal tempo e dalla situazione, se ho fretta posso solo scattare qualche foto con la mia macchina fotografica. Se ho tempo farò un disegno veloce, ma se il soggetto è sicuramente uno che riutilizzerò in seguito, allora investo un po' di tempo e realizzo un piccolo dipinto in loco. Dipende molto da cosa cerco nell'immagine. È solo un rapido studio compositivo o, come spesso accade, mi colpisce immediatamente un flusso di idee e potenziali composizioni su come affrontare un determinato argomento. Se l'immagine mi piace molto, tornerò spesso in diversi momenti della giornata per vedere come la luce solare influisce sul soggetto poiché le ombre e i colori possono essere modificati in modo abbastanza drammatico con gli elementi. Se colgo l'occasione per lavorare su un argomento interessante, trovo che devo lavorare molto velocemente poiché le forme di luce e ombra cambiano molto rapidamente. Quel brusio iniziale di eccitazione quando vedo per la prima volta un'ombra, sollevata dal sole, può cambiare molto rapidamente e in modo drammatico, quindi normalmente fotografo il soggetto continuamente mentre lavoro. Pertanto, avrò una selezione di immagini in diverse fasi che mi aiutano a informarmi su ciò che sto facendo.

“Piegati di Forma”

Quando alla fine ritorno in studio, raccolgo i miei disegni, dipinti e fotografie e li porto nello spazio di lavoro, insieme agli oggetti trovati, insieme mi aiutano a sviluppare i miei acquerelli. Molto spesso un dipinto è la somma di un numero di elementi diversi messi insieme, per produrre un'immagine finale che potrebbe essere esistita o meno. C'è un tentativo deliberato non solo di riprodurre fedelmente una superficie, una fotografia o un oggetto, ma di reinterpretarlo in un modo che produca un pezzo finale forte che si spera sia davvero unico.

Nel corso degli anni tendo ad essere attratto da argomenti molto simili, anche se cerco di essere di mentalità aperta su ciò che dipingo. Certamente non esco dal mio modo di cercare qualcosa in particolare, ma alcuni temi continuano indubbiamente a ripresentarsi. Tutto ciò che ha carattere, che sembra un po' insolito ma, non forzato, attirerà la mia attenzione. La composizione è un elemento molto importante per me e tutto viene considerato prima di essere messo da parte, ancora una volta cerco di non avere alcun pensiero prestabilito su come dovrebbero apparire le cose o come voglio che siano. Invece, uso un istinto su come mi sento riguardo alla composizione, sono abbastanza abile nell'essere in grado di riconoscere come l'occhio viaggia su un'immagine o una superficie e di solito posso comandare quella parte del processo compositivo come un direttore d'orchestra . Nella mia giovinezza, ero molto preso dall'uso della sezione aurea e predeterminava come avrei impostato i miei dipinti e le mie immagini, e se non si adattava o funzionava senza cambiare le cose molto, allora andavo avanti e rifiutavo che come argomento. Ora sono molto meno restrittivo e seguirò il mio intuito e la mia esperienza per guidarmi.

"Ossa nude"

La maggior parte dei miei dipinti che sono esposti, sono lavorati in studio poiché la maggior parte dei miei schizzi e disegni completati in loco, sono interamente considerati da me materiale di supporto e non per il consumo dello spettatore. Lavoro spesso con un album da disegno aperto su un tavolo in studio, dove posso far rimbalzare idee, pensieri, studi compositivi e persino colorare mentre lavoro su un dipinto. Questo di solito significa che i miei taccuini sono un conglomerato di immagini e scritti senza un evidente senso della struttura, ma va bene perché non sono per nessun altro oltre a me, per aiutarmi a risolvere problemi visivi e per catturare idee.

“Colore del tempo”

Quando sono in studio uso principalmente la pittura di DANIEL SMITH. La mia esperienza con le loro vernici suggerisce che hanno un'elevata pigmentazione e buone qualità resistenti alla luce e hanno molti colori che non hanno eguali da altri produttori. La mia tavolozza può essere abbastanza ampia e varia, ma c'è una selezione di base di colori che uso spesso. Il blu di Prussia e il marrone di Van Dyck per fare il nero, il blu ceruleo pallido e l'arancio pirrolo trasparente sono spesso usati all'inizio di ogni dipinto mentre stabilisco la forma. Uso anche una varietà di blu e marroni diversi, verde oliva e blu acqua cobalto, vermiglio organico, terra di Siena e giallo indiano sono allo stesso modo tra i miei colori più popolari e, naturalmente, bianco cinese per produrre una selezione di tinte.

Le mie carte a punti acquerello DANIEL SMITH hanno una piccola selezione di colori indispensabili dalla mia tavolozza. Contengono colori di cui non potrei fare a meno e di solito comprendono colori difficili da riprodurre da una gamma di colori di base a causa della loro intensità e forza del pigmento. L'ultimo colore della gamma DANIEL SMITH è Lavanda ed è un colore che uso sicuramente nella maggior parte, se non in tutti i miei dipinti. Verde Azzurro di Cobalto e Blu Manganese Hue sono anche colori indispensabili e quasi sempre usati.

L'ho anche usato di recente DANIEL SMITH Acquerelli in sticks, questi si sono rivelati indispensabili soprattutto quando ci si allena sul campo in quanto possono applicare colori solidi e forti sopra i lavaggi ad acquerello più scuri. Uso i bastoncini per acquerelli come e quando ne ho bisogno, ma prendono vita quando lavori su una superficie umida o aggiungi acqua a una linea disegnata. Mi piace particolarmente usare il Arancione Pirrolo, Vermiglio organico, Verde Chiaro Permanente e Verde Azzurro di Cobalto quando sono “secchi” perché hanno una bella intensità. Blu Cobalto, Rosso Pirrolo e Bismuto Vanadato Giallo sono molto forti quando si aggiunge acqua e mi piace il fatto di poter usare il Bianco Titanio e Camoscio sopra i colori scuri. Il tutto si aggiunge a una più ampia gamma di tecniche di acquerello e aiuta con lo sviluppo dell'esperienza artistica.

Uso anche le matite colorate e, sebbene ora non le usi molto, in passato le ho usate sopra gli acquerelli per aumentare i colori e per aiutare con il disegno. Questo è uno dei tanti motivi per cui mi piace lavorare con l'acquerello; è pulito, non odora, asciuga molto rapidamente, leggero e facile da trasportare e posso modificarli facilmente disegnando sopra, strofinando e lavando via, ma tutto questo si basa su una buona base solida.

Come con la mia pittura, ho sperimentato diverse superfici su cui lavorare. Questo mi ha portato a sperimentare anche con il collage utilizzando carte fatte a mano per creare diverse trame di superficie che verranno poi lavorate con l'acquerello. Ho trovato questo un modo molto interessante di lavorare, ma ha i suoi problemi soprattutto quando diversi pesi di carta assorbono più o meno del suo vicino e quindi alcune aree del dipinto possono impiegare più tempo ad asciugarsi rispetto ad altre.

Il supporto per l'acquerello è tradizionalmente carta e carta speciale per acquarello che utilizza cotone 100%, che è specificamente privo di acidi significa che le possibilità di longevità sono ora molto alte. Finché i colori ad acquerello sono di buona qualità e mantenuti in livelli di luce abbastanza bassi di circa 50 lux o meno, i dipinti dureranno per secoli, come si può vedere negli acquerelli di Albrecht Durer.

Personalmente uso prevalentemente carte fatte a mano per una serie di motivi; Trovo che ogni pezzo di carta sia unico, la mano e l'abilità del cartaio sono fondamentali nel processo di realizzazione di un foglio di carta per acquerello, un'opera d'arte in sé. In quanto tali, alcuni pezzi possono essere di forma irregolare, avere un bordo increspato che adoro e possono essere sotto o sovradimensionati, tutti contribuiscono a un'esperienza unica e l'abilità del pittore è gestire tutte le incongruenze e produrre un'opera d'arte degno della carta.

“Pausa tè”

“Angolo affollato”

Lavoro da oltre 30 anni con carta da acquerello di alta qualità, ma è stato un fenomeno relativamente recente per me lavorare sulla Carta fatta a mano prodotta nel Museo della Carta di Fabriano-Museo della Carta e della Filigrana. Preferisco usare “Rough” che è un termine per una superficie irregolare e irregolare al posto del liscio “Not” (ruvido) che si può ancora ottenere a seconda del feltro di lana su cui viene inizialmente stesa la carta. Mi piace la superficie più ruvida perché mi aiuta nella creazione di trame multiformi all'interno dei miei dipinti. Ho anche usato carta indiana fatta a mano che può essere di colore leggermente più giallo rispetto alla carta italiana, e più stropicciata nell'aspetto, ma la superficie è anche molto bella su cui lavorare. Ci sono ovviamente molte aziende diverse, e quindi molte varianti e tipi di carta, e di solito dipendono dalle preferenze individuali, queste si adattano semplicemente all'argomento che uso e al modo in cui lavoro.

Per me un buon pennello ha un valore inestimabile, ma uso molti tipi e varietà diversi di pennello a seconda di ciò che voglio fare: alcuni sono molto costosi e altri sono economici pennelli per hobby. Userò spazzole di lavaggio grandi da 1 a 2 pollici per grandi aree di lavaggi piatti compresi i cieli, userò spazzole per mocio per più segni calligrafici. Uso anche piccoli pennelli sintetici a un tratto da ¼ di pollice per eseguire aree più piccole e larghe di pittura piatta come le aree scure. Quando questi diventano sufficientemente usurati o divaricati, vengono quindi stipati per essere utilizzati per puntinatura, spazzolatura a secco e schizzi. Uso i "tondi" per disegnare e applicare la vernice usando la punta e i lati, rigger per le linee sottili; spazzole sintetiche perché sono resistenti ma zibellino perché trattengono molta acqua. In particolare, trovo più facili da usare le spazzole con manico piccolo in quanto posso controllarle meglio, le spazzole per hobby forniscono quella controllabilità, ma i peli non corrispondono alla qualità che normalmente mi aspetterei. Uso anche una serie di strumenti diversi per creare segni che mi aiutano nei miei dipinti. Spugne, carta accartocciata, carta velina, pellicola di plastica, sale, spray per piante e occasionalmente aerografi sono tutti a mia disposizione e li userò se sarà appropriato.

Cerco di maneggiare e prepotentemente i miei acquerelli e pennelli per descrivere senza le mille parole obbligatorie, lo splendore che trovo nell'ordinario. Ho trovato molti modi per piegare la pittura alla mia volontà in modo da onorare l'argomento in modo appropriato e con il tempo sono diventato più abile nel trovare soggetti che mi mettano alla prova al meglio. Spero che dopo aver visto il mio lavoro ti prenderai un momento mentre cammini lungo una strada familiare per considerare e apprezzare la magnificenza di tutto ciò che ti circonda, un mondo fantastico "Nascosto in bella vista".