Come tutti gli artisti, ovviamente, amo il colore. Dico spesso che non posso nemmeno varcare la soglia di un negozio di articoli per belle arti senza "la supervisione di un adulto", perché vorrei comprare quasi ogni tubetto di colore e ogni pennello che vedo! Ma in realtà, sebbene il colore sia fondamentale nei miei dipinti, è secondario rispetto al valore tonale. Entrambi questi fattori devono passare in secondo piano rispetto a un'idea, una storia o una visione complessiva avvincente. Il valore tonale e il colore, presi singolarmente, sono strumenti che aiutano l'artista a creare arte, ma raramente costituiscono arte in sé.

Ecco la mia tavolozza di carte a pois:

Terra di Siena bruciata
Terra di Siena bruciata
Rosso cadmio, tonalità media
Tonalità di luce giallo cadmio
Blu cobalto
Blu cobalto turchese
Ocra francese
Marina francese ultramarina
Viola imperiale
Giada autentica
Lavanda
Violetta Lunare
Tonalità blu manganese
New Gamboge
Rosso Alizarina Permanente
Arancione permanente
Terra d'ombra grezza
serpentino autentico

Quanto al desiderio di possedere ogni singolo colore sullo scaffale... per quanto allettante possa sembrare, non è affatto necessario. Una delle qualità che più amo della pittura ad acquerello è la sua immediatezza e il fatto che bastino pochissimi strumenti per creare qualcosa di veramente valido. Carta, pigmenti, qualche pennello e, naturalmente, acqua: e il gioco è fatto! Ma proprio perché gli strumenti necessari sono pochi, la loro qualità assume un'importanza ancora maggiore. Potreste non averne bisogno di molti, ma la scelta della carta, dei pennelli e dei pigmenti su cui investire i vostri sudati risparmi è fondamentale.

Spesso, sia durante le mie lezioni che online, mi viene posta una domanda simile: "Quale blu (o rosso o giallo) hai usato?". È una domanda comprensibile e non priva di fondamento, ma è quasi impossibile dare una risposta precisa. Raramente pre-miscelo i colori nella mia tavolozza; preferisco invece lasciarli mescolarsi sulla superficie e tra le fibre stesse della carta. Quindi, ad esempio, il blu che potreste vedere in uno qualsiasi dei miei dipinti è unico e si è amalgamato con altre tonalità presenti sulla carta.

Ma probabilmente la caratteristica più distintiva del mio stile pittorico è la tendenza a lavorare quasi esclusivamente con colori complementari, che contribuiscono a raccontare la storia della luce che spero caratterizzi gran parte delle mie opere. Naturalmente, quando due colori complementari (qualsiasi variante dei primari – blu, giallo o rosso) si incontrano, si crea un grigio o una tonalità intermedia. È un'infinita varietà di tonalità intermedie uniche, tutte da scoprire. Ma è la potenza di questi grigi e di queste tonalità intermedie, giustapposte alla vivacità dei colori più puri, che può dare tanta vita a un'opera. Il modo in cui i blu vibrano e cantano fondendosi con gli arancioni sulla carta può essere molto intenso e vibrante. I viola, se mescolati con varie sfumature di giallo, possono trasmettere vibrazioni molto diverse, spesso più sommesse. E i caldi toni della terra, ottenuti fondendo i rossi con i verdi, possono creare un'infinità di tonalità intermedie vivaci e trasparenti che non smettono mai di stupirmi.

Nel corso del tempo, ho sperimentato molto con la mia tavolozza, cercando di ridurre al minimo il numero di pigmenti "essenziali" e di trovare i colori più affidabili e versatili che consentissero la più ampia gamma di possibilità creative ed espressive. Sono arrivato a preferire pigmenti con una base più sedimentaria che a base di colorante. Questo perché, a mio avviso, tendono a creare valori tonali in modo più convincente e a dare vita a velature che fanno galleggiare il pigmento sulle asperità della superficie della mia carta preferita, permettendogli al contempo di penetrare nelle depressioni. Il risultato è spesso un dipinto che, una volta asciutto, appare più brillante e vibrante di uno che realizzerei su una superficie più liscia. Tali velature sembrano inoltre avere maggiore profondità e trasparenza, pur mantenendo quell'aspetto "ancora bagnato" che cerco di ottenere. .

DANIEL SMITH ha creato per me una tavolozza di pigmenti essenziali, tutti selezionati con cura per le tonalità complementari che amo e dotati di tutta la resistenza alla luce, la sedimentazione e la trasparenza che potrei desiderare. Come tutti i loro pigmenti, anche questi sono di altissima qualità e consistenza. La loro intensità e la capacità di sfumarsi sulla carta sono semplicemente straordinarie; è una vera gioia usarli. Con solo pochi di questi pigmenti, il dipinto può davvero iniziare a vibrare e risuonare. Per dirla con le parole della grande Jeanne Dobie (la mia prima insegnante di acquerello e probabilmente la migliore colorista che abbia mai conosciuto), inizia davvero a cantare.