Sono stato impegnato in bassa stagione lavorando nel mio studio e provando alcuni dei nuovi (per me) colori DANIEL SMITH e decidendo se apportare o meno alcune modifiche alla mia tavolozza. Come sempre con queste nuove vernici mi piace testare come si confrontano con colori simili che già utilizzo e combinarli in modi nuovi e interessanti. I nuovi colori che compongono la maggior parte del dipinto seguente sono Sodalite Genuine (un PrimaTek) Terra di Siena Chiaro, e Quinacridone Rosa. Quando si testano nuovi colori, mi piace vedere come si mescoleranno tra loro e anche come si velano sui lavaggi precedenti. Ho lavorato molto di più con il pennello asciutto, il che può essere un po' intimidatorio, ma una volta che hai imparato a controllare quanta acqua/pigmento c'è nel tuo pennello rispetto all'umidità o quanto è asciutta la carta, i risultati possono essere fantastico. Queste abilità sono estremamente utili se le pratichi per la prima volta su un pezzo di carta bianco senza disegno. Trovo che sperimentare su qualcosa che ti sei preso del tempo per disegnare renda più propensi a trattenersi e diventare protettivi nei confronti dell'immagine. Se non c'è niente da proteggere puoi sperimentare il desiderio del tuo cuore e trovare nuovi modi per esprimerti. In questo caso i tre colori che ho scelto hanno avuto un effetto diretto su come immaginavo l'atmosfera del dipinto e, come puoi vedere dalle foto passo passo, legano l'immagine abbastanza bene.

Dipingo usando pennelli sintetici di alta qualità, e in particolare un n. 12 tondo, 14 mop, un pennello Mottler 18 e una piccola spatola per le linee sottili. Il Mottler è principalmente per il mio pennello asciutto in grandi aree e il tondo fa i dettagli. Il mocio è un tuttofare e mi permette di mettere molta acqua sulla carta e giocare con il bagnato in situazioni di bagnato.

La carta che ho usato per questo dipinto è carta ruvida per acquerello 140#. Il dipinto originale è più grande di quanto mi aspetto, quindi posso ritagliare se necessario. L'immagine finale è 18 "x 12".

Iain Stewart con il suo acquerello Sebil Bufe-Istanbul.

Prima di entrare e smanettare, per favore concedimi un momento per parlarti di come mi avvicino al mio lavoro. Se ho deciso di creare un capolavoro, in genere fallirò in quel tentativo. Quando lavoro cerco di avere nella mia testa quanta più immagine possibile, ovvero quali passi farò e in quale ordine. Dove salverò le mie luci. La combinazione di colori e, infine, la sensazione incredibilmente liberatoria di "beh, vediamo solo dove mi porta". Dopo un po' di lettura di notte e quando comincio ad addormentarmi, di solito lo dipingo nella mia testa. È un bel modo per addormentarsi, ma attenzione, una buona idea mi farà sedere in posizione eretta e correre in studio per prendere appunti.

Lavoro con la consapevolezza che mi è permesso fallire e che dipingo per il mio divertimento. Trovo che quando seguo queste regole mi perdo nel momento e, per me, quello è il posto migliore dove stare.

Passaggio 1. Il disegno.

Passaggio 1 – Il disegno

Ok, quindi questo sembra abbastanza complicato ed è in una certa misura. Ho una formazione in architettura e sono ancora un illustratore di architettura. Quindi la bestia dei dettagli a volte mi colpisce e ho imparato ad andare con ciò che voglio dipingere e quanto possa essere sciolto o dettagliato. Il prossimo argomento è una vera partenza. Il modo in cui completi questi disegni è per alcuni un esercizio noioso. Comincio con alcuni piccoli schizzi in miniatura e quando ho scelto una composizione comincio a disegnare. La tecnica è quella che mi è stata insegnata alla scuola di architettura. e quando voglio i dettagli, è ancora il mio punto di riferimento. Disegno l'immagine su carta spazzatura/traccia e poi la copro con un altro strato di traccia in modo da poter iniziare a pulire/cambiare le cose qua e là. Questo processo può richiedere del tempo per essere corretto. Fondamentalmente è buccia di cipolla. Significa che posso vedere i disegni sotto e massaggiarli mentre procedo. Una volta completato il disegno con mia soddisfazione lo trasferisco su carta da acquerello utilizzando una mina morbida 2B e tracciando le linee che ho disegnato al contrario. Quindi capovolgo la traccia e uso una mina F più dura per trasferire le linee originali sulla carta. Non c'è light box o traccia in corso, è solo tempo e pazienza. Suggerisco un buon libro su nastro per questo passaggio.

Passaggio 2. Il lavaggio.

Passaggio 2 – Il lavaggio in sottofondo

Il primo passo in tutti i miei dipinti è il sottolavaggio che uso per impostare i colori dell'immagine e riservare i miei punti salienti. Sono un ambasciatore di Daniel Smith e mi hanno generosamente dato molti colori da provare. Nell'ultimo mese ho testato e scelto nuovi colori per ogni lavoro. Questa volta lo è DANIEL SMITH Terra di Siena Chiaro, e Quinacridone Rosa con Sodalite Genuine per le tenebre. Dipingo con molta acqua e faccio cadere i colori mentre procedo. Ciò richiede di sapere qual è l'umidità della carta rispetto a quanta acqua/pigmento hai nel pennello. Uso molto raramente il liquido per mascheratura preferendo provare a salvare le luci dall'inizio con il pennello e strofinare o usare un po' di guazzo alla fine. Ora sto usando sempre meno opachi e mi godo i piccoli errori che accadono. Come puoi vedere in basso, uso un pennello da sfumatura rigido da 2 "per creare texture mediante spazzolatura a secco e tratteggio incrociato.

Passaggio 3. Il pasticcio glorioso.

Passaggio 3: il pasticcio glorioso

Come puoi vedere qui sto iniziando a ritagliare la luce e permettere al disegno di diventare più oscurato. Mi piace prendere qualcosa di abbastanza ordinato e lanciarci quello che posso per disturbare la sensazione rigida di un disegno altamente dettagliato. Dico sempre che ci sono due disegni in ogni dipinto. Quello fatto con la matita che nessuno vede alla fine, e quello più importante fatto con il pennello che è visibile a tutti. Questi valori possono sembrare molto oscuri all'inizio, ma ti assicuro che dipingo con la consapevolezza che il mio piano di valori funzionerà. Inoltre non mi dispiace rovinarne uno qua e là, e l'energia in queste prime fasi si trasferirà sicuramente alla finale. Un sacco di pennello asciutto, flacone spray, bagnato su bagnato, bordi persi e ritrovati.

Passaggio 4. Blocco e aggiunta della combinazione di colori principale.

Passaggio 4: blocco e aggiunta della combinazione di colori principale

Questo è fondamentalmente un altro passaggio all'ultimo passaggio, ma comincio a incorporare e lavorare alcuni dei dettagli principali. Lo faccio in modo da poter vedere dove è diretto il dipinto dal punto di vista cromatico e iniziare a spingere la luce dove voglio il punto focale. Un po Turchese Cobalto per la cupola e inserendo le forme maggiori degli edifici e delle figure sullo sfondo. Puoi vedere tutte le fioriture e le gocce che si formano, e trovo che questo sia il punto in cui molte persone perdono di vista la loro idea originale. Confidando che siamo ancora nelle prime fasi del dipinto e che il valore tonale funzionerà, dipingo i dettagli in modo da poter avere qualcosa con cui giudicare il resto del dipinto mentre mi libero sullo sfondo.

Passaggio 5. Spingere la luce.

Passaggio 5: spingere la luce

Ah la mia parte preferita. Usando un pennello asciutto e una miscela più profonda per il cielo di Sodalite Genuine, Quinacridone Rose e Light Raw Sienna, inizio a spingere via lo sfondo per creare un senso di distanza all'interno dell'immagine. Spazzola molto più asciutta con miscele più pesanti. (Nota che gli edifici sullo sfondo stanno iniziando a sbiadire quando erano abbastanza pronunciati nell'ultimo passaggio.) Ho anche inserito di nuovo alcuni degli scuri finali per giudicare fino a che punto spingere il cielo e gli edifici sullo sfondo. Ho bisogno di un tono finale per lavorare da qui in modo da non andare troppo lontano. Il cielo tratteggiato a croce inizia a funzionare ma la nuvola illuminata dal sole a sinistra è ancora troppo pronunciata. Non preoccuparti, mi occuperò di te più tardi. Nota anche la forma della nuvola. Segue quasi perfettamente la forma costruita a sinistra. dovrò fare qualcosa al riguardo. È anche qui che lascerò dare un'occhiata a Noelle. La sua smorfia mi dice tutto quello che devo sapere. È una critica d'arte ora dopo 15 anni di pratica.

Passaggio 6. Primo piano dei dettagli.

Passaggio 6: primo piano dei dettagli

Solo un rapido scatto di dettaglio per mostrarti gli effetti del pennello asciutto sull'edificio e iniziare a mettere insieme le forme.

Passaggio 7. Il meraviglioso pasticcio.

Passaggio 7: il meraviglioso pasticcio

Ah la mia parte preferita. L'ho già detto? Hmm. Portare le tenebre finali con Tinta Neutra e approfondendo il cielo. È qui che il mio timer interno inizia a ronzare leggermente. So di essere vicino, ma una cosa troppo buona può diventare cattiva molto rapidamente. Lanciando scuri sulla destra dell'edificio e inserendo gli ultimi dettagli sull'argomento. Questa è una linea molto sottile che mi piace camminare. Ha un bell'aspetto, ma non posso lasciare che diventi prezioso. Se c'è un modo sicuro per rovinare qualcosa, è lasciare che diventi importante prima che ne valga la pena. Coccolerai i tuoi dipinti e vorrai "mamma portarli". I dipinti realizzati in questo stile tendono sempre a funzionare meglio quando inizi a lanciare gli uccellini fuori dal nido e vedere se possono volare. Faccio molti passi indietro. Guardandolo all'indietro con lo specchio sopra la mia scrivania e allontanandomi per un po' così i miei occhi possono riadattarsi. Ci sarà sempre qualcosa che ti sei perso. Comincio anche a sollevare alcune delle tenebre per consentire loro di respirare un po'. Trovo che gli scuri siano più interessanti quando possono cambiare di valore. Anche in questo stile di pittura trovo che una vasta area di scuri quasi serigrafati lo ucciderà molto rapidamente. Questo è anche il momento in cui metto spesso un dipinto in "time out" e non lo guardo per un giorno, una settimana, un mese…. dipende da quanto è stato cattivo.

Sebil Bufe – Istanbul, di Iain Stewart

Il finale. Sebil Bufe – Istanbul

La parte più difficile di ognuno di questi è come sapere quando andarsene. Scrivo appunti per me stesso dopo aver esaminato l'ultima fase e guardo in modo molto critico a ciò che voglio che il dipinto trasmetta e dove mi trovo. Cerco anche motivi o luoghi in cui le forme principali devono essere regolate tramite pennello asciutto o aree oscuranti. Ho deciso che il cielo doveva diventare più scuro, quindi ho introdotto una miscela di Quin Rose e Sodalite. Ho anche cambiato la forma della nuvola e aggiunto dell'arancione ai coni stradali. Tutte modifiche molto lievi ma necessarie. Infine lo lascio in infusione per qualche minuto e lo scannerizzo. Poi inizia il vero divertimento. Credo sempre che non importa quanta pianificazione faccio, Devo ascoltare quello che il dipinto sta cercando di dirmi. Suono con diverse colture e regolo la gerarchia tonale finché non sono soddisfatto. Se devo dipingere di più e ripetere la scansione, così sia. Quindi, per citare Eddie Murphy: "è così semplice!" Ora va a sedersi in un angolo e riposare. Lo guarderò di nuovo tra una settimana circa e vedrò se voglio cambiare qualcosa, ma per ora sono abbastanza felice.

Spero che questo passo dopo passo vi sia piaciuto un po' e che possiate aver raccolto alcune idee. Se c'è qualcosa penso che dovrei sottolineare, è che sento che devi saperlo durante le fasi intermedie di un dipinto, sembrerà piatto. Lo chiamo stasi. Tutti i tuoi valori sono abbastanza simili e solo una mossa audace con alcune tenebre metterà un po' di vento nelle tue vele. Credici. Gli acquerelli in genere passano da belli a piuttosto brutti e, si spera, di nuovo belli. Sapere di avere qualcosa con del potenziale in queste brutte fasi che lo tirerà fuori dal fango è la chiave. Rovinerai molti dipinti usando questo metodo, ma trovo che i dipinti rovinati mi insegnino meglio di chiunque altro. I buoni dipinti, come ho detto in passato, sono come compagni di bevute. Dicono solo "ehi amico, è semplicemente fantastico... uh passa le noccioline". Dipinti brutti, dipinti rovinati, insegna. Sono i trampolini di lancio verso cose più luminose. Rimugina sul tuo lavoro. Suggerisco che dopo aver pianificato un dipinto e non aver ottenuto i risultati che speri per te, prenditi del tempo e scrivi il tuo piano su come dipingerlo di nuovo. Ciò tende a far lavorare insieme entrambi i lati del cervello e i risultati possono essere piuttosto potenti. Grazie per aver dedicato del tempo a leggere questo e spero che lo troviate piacevole.