이 그림에서 저는 마치 산을 옮기는 것처럼, 그다지 좋지 않은 사진에서 훌륭한 소재를 가져와 그림을 완성했습니다. 사진은 그림의 출발점이 되었지만, 제 의도는 그 사진을 저만의 것으로 만드는 것이었습니다. 이 사진은 12월 아침 8시경, 워싱턴주 시애틀 외곽에 있는 집 근처 계곡에서 찍은 것입니다. 그림을 그리는 첫 단계는 주제를 선택하는 것입니다. 이미지에서 시선을 사로잡는 요소가 무엇인지 결정하세요. 크기와 형식, 종이, 색상 팔레트, 그리고 중심이 될 부분(초점)을 정하세요. 그런 다음 한 단계 더 나아가세요. 스스로에게 질문해 보세요. 무엇을 바꿔야 할까? 어떤 이야기를 전달하고 싶을까? 장면의 어떤 부분을 유지하고 어디에 배치해야 조화롭고 흥미로운 구성을 만들 수 있을까? 내용을 추가하거나 빼야 할까, 아니면 단순히 위치를 바꿔야 할까?

저는 이 사진을 꼼꼼히 분석한 후 색상 팔레트를 결정했습니다. 수정된 팔레트는 새로운 선택지를 제공하며, 새로운 색상들을 실험해 보면서 즐거운 발견을 했습니다. 이러한 발견들은 색에 대한 제 생각을 더욱 풍부하게 해주고 그림에 생동감 넘치는 신선함을 더해줍니다. 또한, 사진 중앙에 있는 흥미롭지 않은 산과 균형이 맞지 않는 어두운 나무들, 그림 왼쪽 가장자리로 너무 치우친 나무들, 그리고 중앙에 너무 가까워 보이는 나무들을 비판적으로 살펴보았습니다. 항상 참고 자료를 검토하여 탄탄한 디자인 원칙을 확인하고 필요한 부분을 수정해야 합니다. 저에게 영감을 준 것은 전경의 길게 드리워진 보라색 그림자와 생기 넘치는 연두색 초원의 대비였습니다. 나뭇잎의 질감과 다양한 평면은 깊이감을 표현하고 색과 빛으로 이야기를 전달할 수 있는 흥미로운 기회를 제공했습니다. 저는 풍경화에서 너무 흔하게 사용되는 파란 하늘과 솜털 같은 흰 구름에 싫증이 났습니다. 하지만 이 날 제게 펼쳐진 하늘은 (기쁘게도) 바로 이런 모습이었습니다. 저는 색채와 반사광을 활용하여 그림에 색다른 메시지를 전달하고자 했습니다. 하늘의 색채가 전경의 도로까지 옅게 번지는 듯한 효과를 냈죠. 저는 원색 삼색을 사용하고, 각각 따로 밑칠을 하여 분위기와 느낌을 조성하는 작업을 즐깁니다. 이렇게 하면 그림의 시작부터 완전히 다른 느낌을 만들어낼 수 있습니다!

과정

저는 140# 콜드프레스 용지를 선택하고, 용지보다 약간 큰 1/2인치 두께의 판지를 덧대어 그림을 그리기 시작했습니다. 주요 요소들을 간단한 선으로 스케치하고 원하는 위치에 배치했습니다. 2인치 붓으로 용지 양면에 물을 넉넉하게 발랐습니다. 용지가 수분을 흡수하는 동안 물감을 섞었습니다. 로 시에나, 퀴나크리돈 산호, 그리고 코발트 블루, 각각 밝은 색에서 중간 색 사이의 명암을 사용했습니다. 1.5인치 브러시로 첫 번째 워시를 칠하기 직전에 표면을 재빨리 다시 적셔 윤기가 나도록 하고, 물감이 표면 위로 부드럽게 미끄러지듯 칠해져 경계선이 매끄럽게 이어지도록 했습니다.

그림 계획

하늘 부분과 땅 부분 모두에 워시 기법을 적용했는데, 먼저 로 시에나 색상을 사용한 후 바로 이어서 다른 색상을 사용했습니다. 퀴나크리돈 산호. 표면의 광택이 서서히 사라지도록 둔 다음, 넓은 붓을 사용하여 하늘 부분에 코발트 블루 혼합물을 왼쪽에서 오른쪽으로 대각선 방향으로 두세 번 빠르게 칠하고, 앞쪽 도로에도 대각선 방향으로 두세 번 더 칠합니다. 그런 다음 젖은 종이를 판에 스테이플러로 고정합니다. 이 워시 층이 스며들어 광택이 사라지도록 두되 완전히 마르지는 않도록 합니다. 다음 층은 산맥을 표현합니다. 프렌치 울트라마린 블루와 퀴나크리돈 번트 스칼렛, 청자색의 중간 톤을 사용하세요. 그림 뒤쪽에 위치하도록 다소 중립적인 색상을 유지하는 것이 좋습니다. #14 원형 붓을 사용하여 도형의 윗부분을 깔끔하게 그린 다음, 붓의 아랫면을 이용하여 산 모양의 아랫부분을 거칠게 표현하세요. 산의 아랫부분을 칠하면서 다음 도형의 윗부분도 함께 칠하게 됩니다. 종이가 약간 더 건조한 그림의 가장자리부터 시작하여 멀리 있는 언덕과 숲을 나타내는 여러 가지 모양을 그려 넣으세요.

저는 청록색을 선택했습니다. 프랑스 울트라마린 그리고 수액 녹색. 더 어두운 색을 원하시면 프탈로 블루를 사용해 보세요. 초록색이 너무 촌스러워 보이면 보색을 살짝 섞어주는 것도 좋습니다. 퀴나크리돈 번트 스칼렛 색상의 강도를 중화시키기 위해, 저는 중간 배경의 낙엽수들에 다양한 흙빛 계열 색상을 사용했습니다. 한번 시도해 보세요. 로 시에나, 번트 시에나, 퀴나크리돈 번트 오렌지, 수액 녹색 그리고 녹색 금, 물의 양을 다르게 하여 밝고 어두운 부분의 변화를 주고, 색이 종이 위에서 섞이도록 하세요. 종이는 여전히 약간 촉촉한 상태여야 합니다. 밝은 색에서 어두운 색으로, 뒤에서 앞으로, 큰 색에서 작은 색으로 칠하는 방식을 다시 한번 적용하여 형태를 계속 다듬고, 명암, 색상, 색온도, 형태의 변화를 통해 흥미를 더하세요. 중간 배경 전체는 하늘 높이 솟은 큰 활엽수를 그릴 준비가 된 것입니다. 사진 속 나무들은 잎이 거의 없지만, 여러분은 원하는 만큼 잎을 풍성하게 또는 드문드문 그려 넣을 수 있습니다. 저는 잎사귀를 먼저 그리고 나서 줄기와 가지를 그리는 방식으로 자연스러운 느낌을 표현하는 것을 좋아합니다. 나무를 그릴 때는 단순함이 더 효과적입니다. 바닷소모 스펀지에서 작은 조각을 찢어 물에 적신 후 물기를 짜내고, 세 가지 다른 나뭇잎 색상에 담그세요. 별도의 종이에 스펀지를 재빨리 찍어냅니다. 원하는 모양이 나오면 그림에 나뭇잎 모양을 몇 개 붙여 나가세요. 이렇게 하면 훨씬 부담이 적습니다!

이제 #6 브러시를 사용하여 나무줄기와 가지를 표현해 보세요. 원하는 크기, 모양, 명암을 파악하기 위해 붓질과 물감의 양을 다시 한번 테스트해 보세요. 그런 다음 스탬프로 찍은 나뭇잎 부분을 연결해 나가세요. 나뭇잎 표현이 다소 부자연스러워 보인다면, 물에 적신 작은 둥근 붓으로 나뭇잎 점 사이의 경계를 부드럽게 처리하여 입체감을 더해 보세요. 나뭇잎 덩어리의 가장자리는 섬세한 레이스처럼 남겨두세요.

어두운 상록수들을 중앙으로 옮기고 둥근 붓을 사용하여 중간 배경의 나무 덩어리 위에 나무 모양을 톡톡 두드려 그려 넣었습니다. 이제 전경으로 넘어가 보겠습니다.

#14 라운드를 사용하여 도로 좌우의 초원에 밝거나 중간 정도의 녹금색 워시를 칠합니다. 마르기 전에 로 시에나를 덧칠합니다. 니켈 아조 옐로우 변화무쌍함을 더하기 위해 개울 중앙 부분에 색을 칠한 다음, 목초지와 도로가 만나는 가장자리에 샙 그린과 퀴나크리돈 번트 오렌지를 붓질합니다. 표면의 광택이 사라지면 더 어두운 색을 흩뿌려 개울 표면에 변화를 주고 필요에 따라 조정합니다. 전경이 만족스러우면 완전히 말립니다.

이 그림의 마지막 단계는 그림에 강렬한 인상을 더하는 핵심입니다! 프렌치 울트라마린과 퀴나크리돈 번트 스칼렛을 넉넉히 섞어 중간에서 중간 정도의 어두운 색조를 가진 중성적인 청자색을 만드세요. 붓질 도중에 물감이 떨어지는 것보다 넉넉하게 만드는 것이 좋습니다. 크고 납작한 붓이나 큰 둥근 붓을 사용하여 그림자 형태를 자신감 있게 표현하세요. 그림 평면 밖의 나무에서 드리워진 그림자입니다. 그림자가 물체에서 멀어질수록 더 밝아지고 가장자리가 부드러워진다는 점에 유의하세요. 왼쪽 초원으로 뻗어 나가는 그림자 부분의 가장자리는 약간 흐릿하게 표현해도 좋습니다. 이 부분을 완전히 말리세요. 마지막 단계는 울타리 기둥을 칠하는 것입니다. 저는 나무줄기에 사용한 것과 비슷한 어두운 색조인 프렌치 울트라마린과 퀴나크리돈 번트 오렌지를 사용했습니다. 가볍고 빠른 붓질로 울타리 철사를 표현하세요. 뒤로 물러서서 그림을 감상하세요. 필요한 부분을 수정하되 완벽을 추구하지는 마세요. 만족스럽지 않다면 팔레트를 바꾸거나 요소들을 재배치하여 다시 그림을 그려보세요. 같은 콘셉트를 사용하되, 다른 시간대나 계절을 배경으로 시도해 보세요. 동물이나 사람을 추가하여 더욱 풍성한 이야기를 만들어 볼 수도 있습니다.

모든 화가는 개인적인 취향, 주제, 그리고 다양한 색 혼합 가능성에 대한 필요성을 바탕으로 팔레트를 선택합니다. 잘 계획된 양념통처럼, 모든 팔레트에는 다용도로 활용할 수 있는 기본 색상들이 포함되어야 합니다. 제 팔레트에는 32개의 색상 칸이 있지만, 가장 자주 사용하는 기본 색상들이 있습니다(한 그림에 6~8가지 색상 이상은 거의 사용하지 않습니다). 저는 색조뿐만 아니라 물감이 지닌 특성도 고려하여 색상을 선택합니다. 색상을 고를 때는 거의 모든 색조를 재현할 수 있지만, 원하는 특정한 색조 특성을 반드시 재현할 수 있는 것은 아니라는 점을 기억해야 합니다. 때로는 불투명하고 흙빛이 도는 물감을 원하고, 때로는 투명한 색상과 입자가 굵어 그림에 흥미로운 질감을 더하는 색상을 대비시키고 싶을 때도 있습니다.

더 나은 화가가 되는 것은 단순히 기술을 익히는 것만이 아니라, 탄탄한 디자인 원칙, 창의성, 혁신, 스타일, 시점, 그리고 때로는 훌륭한 스토리텔링까지 포함합니다! 수채화의 경이로운 세계에서 변화와 성장, 그리고 탐험에 열린 마음을 가져보세요!