Comme tous les artistes bien sûr, j'aime la couleur. Je dis souvent que je ne peux même pas franchir la porte d'un magasin de fournitures d'art sans la « supervision d'un adulte » parce que je veux presque tous les tubes de peinture et tous les pinceaux que je vois ! Mais en vérité, alors que la couleur dans mes peintures est cruciale, elle est secondaire par rapport à la valeur. Ces deux facteurs doivent passer au second plan par rapport à une idée, une histoire ou une vision globale convaincante. La valeur et la couleur seules sont des moyens d'aider l'artiste à faire de l'art, mais sont rarement de l'art en soi.

Voici ma palette de cartes à points :

Sienne brûlée
Lumière de Sienne brûlée
Teinte moyenne rouge de cadmium
Teinte claire jaune de cadmium
Bleu cobalt
Bleu sarcelle de cobalt
Ocre de France
Outremer français
Violet impérial
Jadéite Authentique
Lavande
Violet lunaire
Teinte bleu manganèse
Nouveau Gamboge
Alizarine permanente pourpre
Orange permanente
Terre d'ombre brute
Serpentine Authentique

Quant à vouloir toutes les couleurs sur l'étagère… aussi convaincant que cela puisse paraître, ce n'est tout simplement pas nécessaire. L'une des qualités que j'aime le plus dans la peinture à l'aquarelle est son immédiateté et le fait qu'il faut si peu d'outils pour créer quelque chose de vraiment bon. Du papier, des pigments, quelques pinceaux et bien sûr de l'eau – et le tour est joué ! Mais parce que les outils requis sont si peu nombreux, la qualité de ces outils prend une importance supplémentaire. Vous n'en aurez peut-être pas besoin de beaucoup, mais quel papier, quels pinceaux et quels pigments vous choisissez pour dépenser votre argent durement gagné sont très importants.

Si souvent dans mon enseignement et en ligne, on me pose une version de cette question : « Quel bleu (ou rouge ou jaune) avez-vous utilisé ? C'est une question compréhensible, et non invalide, mais une réponse claire est presque impossible à obtenir. Je pré-mélange rarement les couleurs dans ma palette, je préfère plutôt les laisser se mélanger à la surface et à l'intérieur des fibres du papier lui-même. Ainsi, par exemple, le bleu que vous pourriez voir dans n'importe laquelle de mes peintures est unique et tempéré par d'autres tons avec lesquels il s'est mélangé sur le papier.

Mais la qualité la plus caractéristique de mon style de peinture est probablement ma tendance à travailler presque uniquement avec des couleurs complémentaires, qui aident à raconter l'histoire de la lumière qui, je l'espère, caractérise une grande partie de mon travail. Naturellement, lorsque deux compléments (toute variation des primaires - bleu, jaune ou rouge) se rencontrent, un gris ou un ton décalé sera créé. C'est une variété infinie de demi-tons uniques qui n'attendent qu'à être découverts. Mais c'est la puissance de ces gris et demi-tons, juxtaposés à l'éclat de couleurs plus pures, qui peut donner tant de vie à une œuvre. La façon dont le blues vibre et chante lorsqu'il se mélange avec les oranges sur le papier peut être très puissante et très claire. Les violets qui se mélangent avec diverses nuances de jaune peuvent transmettre des vibrations très différentes, souvent à un ton plus bas. Et les tons chauds de la terre fabriqués à partir de la fusion des rouges dans les verts peuvent créer une infinité de demi-tons vifs et transparents qui ne cessent de m'étonner.

Au fil du temps, j'ai beaucoup bricolé ma palette, en essayant de minimiser le nombre de pigments « essentiels » et en essayant de trouver les couleurs les plus fiables et les plus polyvalentes qui permettent le plus large éventail de possibilités créatives et expressives. J'en suis venu à préférer les pigments un peu plus à base de sédiments que de teinture. En effet, pour moi, ils ont tendance à créer de la valeur de manière plus convaincante et ils ont tendance à donner lieu à des lavis qui font flotter le pigment sur les pics de la surface de mon papier texturé préféré, tout en lui permettant de s'enfoncer dans les vallées. Le résultat peut souvent être une peinture qui, une fois sèche, semble plus chatoyante et vivante que celle que je ferais sur une surface plus lisse. De tels lavis semblent également avoir plus de profondeur et de transparence, tout en ayant cet aspect «encore humide» que je m'efforce d'obtenir.

DANIEL SMITH a créé pour moi une palette de pigments essentiels – le tout avec un œil pour les tons complémentaires que j'aime et avec toute la résistance à la lumière, les qualités sédimentaires et la transparence que je pouvais espérer trouver. Comme pour tous leurs pigments, ceux-ci sont de qualité et de consistance supérieure. Leur intensité et leur capacité à se fondre sur la surface du papier sont tout simplement incroyables ; ils sont une telle joie à utiliser. Avec seulement quelques-uns de ces pigments, votre peinture peut vraiment commencer à vibrer et à résonner. Pour reprendre les mots de la grande Jeanne Dobie (ma première professeure d'aquarelle et probablement la meilleure coloriste que j'ai jamais rencontrée) – ça commence vraiment à chanter.