J'ai été occupé hors saison à travailler dans mon studio et à essayer certaines des nouvelles couleurs (pour moi) de DANIEL SMITH et à décider d'apporter ou non quelques modifications à ma palette.. Comme toujours avec ces nouvelles peintures, j'aime tester leur comparaison avec des couleurs similaires que j'utilise déjà et les combiner de manière nouvelle et intéressante. Les nouvelles couleurs qui composent la plupart de la peinture suivante sont Sodalite Authentique (une PrimaTek) Lumière de Sienne brute, et Quinacridone Rose. Lorsque je teste de nouvelles couleurs, j'aime voir comment elles vont se mélanger et aussi comment elles se verrouillent sur les lavages précédents. J'ai fait beaucoup plus de travail au pinceau sec, ce qui peut être un peu intimidant, mais une fois que vous maîtrisez le contrôle de la quantité d'eau / de pigment dans votre pinceau par rapport à l'humidité ou à la sécheresse du papier, les résultats peuvent être fantastique. Ces compétences sont extrêmement utiles si vous les pratiquez d'abord sur une feuille de papier vierge sans dessin. Je trouve qu'expérimenter sur quelque chose que vous avez pris le temps de dessiner rend plus susceptible de se retenir et de devenir protecteur de l'image. S'il n'y a rien à protéger, vous pouvez expérimenter selon vos désirs et trouver de nouvelles façons de vous exprimer. Dans ce cas, les trois couleurs que j'ai choisies ont eu un effet direct sur la façon dont j'ai imaginé l'atmosphère de la peinture et, comme vous pouvez le voir sur les photos étape par étape, reliez l'image assez bien.

Je peins avec des pinceaux synthétiques de haute qualité, et en particulier un rond n° 12, une vadrouille 14, un pinceau Mottler 18 et un petit couteau à palette pour les lignes fines.. Le Mottler est principalement destiné à mon pinceau sec dans de grandes surfaces et le rond fait le détail. La vadrouille est un touche-à-tout et me permet de mettre beaucoup d'eau sur le papier et de jouer avec le mouillé dans les situations humides.

Le papier que j'ai utilisé pour cette peinture est du papier aquarelle rugueux 140#. La peinture originale est plus grande que ce à quoi je m'attends afin que je puisse recadrer si nécessaire. L'image finale mesure 18" x 12".

Iain Stewart avec son aquarelle Sebil Bufe-Istanbul.

Avant de nous lancer et de sortir, s'il vous plaît, laissez-moi un moment pour vous parler de la façon dont j'aborde mon travail. Si j'entreprends de créer un chef-d'œuvre, j'échouerai généralement dans cette tentative. Quand je travaille, j'essaie d'avoir le plus d'images possible dans ma tête, c'est-à-dire les étapes que je vais suivre et dans quel ordre. Où je garderai mes lumières. La palette de couleurs et enfin, le sentiment incroyablement libérateur de "bien voyons juste où cela me mène". Après un peu de lecture le soir et alors que je commence à m'endormir, je vais généralement le peindre dans ma tête. C'est une belle façon de s'endormir, mais soyez prévenu, une bonne idée me fera m'asseoir tout droit et courir au studio pour prendre des notes.

Je travaille avec la compréhension que j'ai le droit d'échouer et que je peins pour mon plaisir. Je trouve que lorsque je suis ces règles, je suis perdu dans le moment et, pour moi, c'est le meilleur endroit où être.

Étape 1. Le dessin.

Etape 1 – Le dessin

Ok donc ça a l'air assez compliqué et c'est dans une certaine mesure. J'ai une formation en architecture et je suis toujours un illustrateur d'architecture. Donc, la bête de détail me frappe parfois, et j'ai appris à aller avec ce que je veux peindre et à quel point cela peut être lâche ou détaillé. Le sujet suivant est un vrai départ. La façon dont je complète ces dessins est pour certains un exercice fastidieux. Je commence par quelques petites esquisses et quand j'ai choisi une composition, je commence à dessiner. La technique est celle que j'ai apprise à l'école d'architecture. et quand je veux des détails, c'est toujours mon choix. Je dessine l'image sur du papier poubelle / trace, puis je la recouvre d'une autre couche de trace afin que je puisse commencer à nettoyer / changer des choses ici et là. Ce processus peut prendre un certain temps pour bien se dérouler. C'est essentiellement de la pelure d'oignon. Cela signifie que je peux voir les dessins en dessous et les masser au fur et à mesure. Une fois le dessin terminé à ma satisfaction, je le transfère sur du papier aquarelle en utilisant une mine douce 2B et en traçant les lignes que j'ai dessinées à l'envers. Je retourne ensuite la trace et utilise une mine F plus dure pour transférer les lignes d'origine sur le papier. Il n'y a pas de boîte à lumière ou de traçage en cours, c'est juste du temps et de la patience. Je suggère un bon livre sur bande pour cette étape.

Étape 2. Le sous-lavage.

Étape 2 – Le sous-lavage

La première étape de toutes mes toiles est le sous lavis qui me sert à fixer les couleurs de l'image et réserver mes reflets. Je suis ambassadeur de Daniel Smith et ils m'ont généreusement donné de nombreuses peintures à essayer. Depuis environ un mois, je teste et choisis de nouvelles couleurs pour chaque œuvre. Cette fois c'est DANIEL SMITH Lumière de Sienne brute, et Quinacridone Rose avec Sodalite Authentique pour les noirs. Je peins avec beaucoup d'eau et je baisse les couleurs au fur et à mesure. Cela nécessite de savoir quelle est l'humidité de votre papier par rapport à la quantité d'eau / de pigment que vous avez dans votre pinceau. J'utilise très rarement du liquide de masquage préférant essayer de conserver les reflets dès le début avec le pinceau, et frotter ou utiliser un peu de gouache à la fin. J'utilise de moins en moins d'opaques maintenant et j'apprécie les petites erreurs qui se produisent. Comme vous pouvez le voir en bas, j'utilise un pinceau mélangeur rigide de 2″ pour créer une texture par brossage à sec et hachures croisées.

Étape 3. Le désordre glorieux.

Étape 3 - Le désordre glorieux

Comme vous pouvez le voir ici, je commence à tailler la lumière et à permettre au dessin de devenir plus obscur. J'aime prendre quelque chose d'assez soigné et y jeter ce que je peux pour perturber la sensation raide d'un dessin très détaillé. Je dis toujours qu'il y a deux dessins dans chaque tableau. L'une réalisée au crayon que personne ne voit à la fin, et la plus importante réalisée au pinceau visible de tous. Ces valeurs peuvent sembler très sombres au début, mais soyez assuré que je peins en sachant que mon plan de valeurs fonctionnera. Cela ne me dérange pas non plus d'en gâcher un ici et là, et l'énergie de ces premières étapes est certainement transférée à la finale. Beaucoup de pinceaux secs, de vaporisateurs, de bords humides, perdus et trouvés.

Étape 4. Blocage et ajout de la palette de couleurs principale.

Étape 4 - Blocage et ajout de la palette de couleurs principale

C'est fondamentalement un autre essai à la dernière étape, mais je commence à incorporer et à travailler certains des principaux détails. Je fais cela pour voir où la peinture se dirige en termes de couleur et pour commencer à pousser la lumière là où je veux le point focal. Un peu Cobalt Turquoise pour le dôme et en mettant les formes principales des bâtiments et des personnages en arrière-plan. Vous pouvez voir toutes les fleurs et les gouttes se former, et je trouve que c'est là que beaucoup de gens perdent de vue leur idée originale. Croyant que nous en sommes encore aux premiers stades de la peinture et que la valeur tonale fonctionnera, je peins les détails afin de pouvoir avoir quelque chose pour juger le reste de la peinture au fur et à mesure que je m'éloigne de l'arrière-plan.

Étape 5. Pousser la lumière.

Étape 5 - Pousser la lumière

Ah ma partie préférée. À l'aide d'un pinceau sec et d'un mélange plus profond pour le ciel de Sodalite Genuine, Quinacridone Rose et Light Raw Sienna, je commence à repousser l'arrière-plan pour créer une impression de distance dans l'image. Brosse beaucoup plus sèche avec des mélanges plus lourds. (Notez que les bâtiments en arrière-plan commencent à s'estomper alors qu'ils étaient assez prononcés lors de la dernière étape.) J'ai également remis quelques-uns des derniers obscurs pour juger jusqu'où pousser le ciel et les bâtiments en arrière-plan. J'ai besoin d'un ton final pour travailler à partir d'ici afin de ne pas aller trop loin. Le ciel hachuré commence à fonctionner mais le nuage éclairé par le soleil à gauche est encore trop prononcé. Ne vous inquiétez pas, je m'occuperai de vous plus tard. Notez également la forme du nuage. Il suit presque parfaitement la forme bâtie à gauche. Je vais devoir faire quelque chose à ce sujet. C'est aussi là que je laisserai Noelle jeter un œil. Sa grimace me dit tout ce que j'ai besoin de savoir. Elle est aujourd'hui critique d'art après 15 ans de pratique.

Étape 6. Gros plan sur les détails.

Étape 6 - Gros plan sur les détails

Juste un coup de détail rapide pour vous montrer les effets de la brosse sèche sur le bâtiment et commencer à rassembler les formes.

Étape 7. Le désordre merveilleux.

Étape 7 - Le merveilleux gâchis

Ah ma partie préférée. Est-ce que j'ai déjà dit ça ? Hmm. Apporter les ténèbres finales avec Teinte neutre et approfondissant le ciel. C'est là que mon minuteur interne commence à bourdonner légèrement. Je sais que je suis proche, mais trop d'une bonne chose peut devenir très vite désagréable. Lancer des darks à droite du bâtiment et mettre les derniers détails sur le sujet. C'est une ligne très fine que j'aime parcourir. Ça a l'air bien mais je ne peux pas laisser ça devenir précieux. S'il existe un moyen infaillible de gâcher quelque chose, c'est de le laisser devenir important avant que cela en vaille la peine. Vous dorloterez vos peintures et aurez envie de les « materner ». Les peintures réalisées dans ce style ont toujours tendance à mieux fonctionner lorsque vous commencez à jeter les petits oiseaux hors du nid et à voir s'ils peuvent voler. Je prends beaucoup de recul. Le regarder à l'envers avec le miroir au-dessus de mon bureau et m'éloigner un peu pour que mes yeux puissent se réajuster. Il y aura toujours quelque chose que vous aurez manqué. Je commence également à soulever certains des ténèbres pour leur permettre de respirer un peu. Je trouve que les darks sont plus intéressants quand on les laisse changer de valeur. Encore une fois dans ce style de peinture, je trouve qu'une grande zone de noir presque sérigraphié le tuera très rapidement. C'est aussi à ce moment-là que je mets souvent un tableau en « time out » et que je ne le regarde pas pendant un jour, une semaine, un mois…. cela dépend de la façon dont il a été méchant.

Sebil Bufe – Istanbul, de Iain Stewart

Le final. Sebil Bufe – Istanbul

La partie la plus difficile de chacune d'entre elles est de savoir quand s'éloigner. J'écris des notes pour moi-même après avoir regardé la dernière étape et regarde de manière très critique ce que je veux que la peinture transmette et où je me trouve. Je recherche également des motifs ou des endroits où les formes principales doivent être ajustées via une brosse sèche ou des zones d'obscurcissement. J'ai décidé que le ciel devait devenir plus sombre, alors j'ai introduit un mélange de Quin Rose et de Sodalite. J'ai également changé la forme du nuage et ajouté de l'orange aux cônes de signalisation. Tous les changements très légers mais nécessaires. Enfin, je laisse infuser quelques minutes et je scanne. Ensuite, le vrai plaisir commence. Je crois toujours que peu importe combien de planification je fais, Je dois écouter ce que la peinture essaie de me dire. Je joue avec différentes cultures et j'ajuste la hiérarchie tonale jusqu'à ce que je sois satisfait. Si je dois peindre plus et re-scanner, qu'il en soit ainsi. Donc, pour citer Eddie Murphy - "c'est aussi simple que ça!" Maintenant, il va s'asseoir dans le coin et se reposer. Je vais le regarder à nouveau dans une semaine environ et voir si je veux changer quelque chose, mais pour l'instant je suis assez content.

J'espère que vous avez apprécié ce pas à pas un peu décousu et que vous avez peut-être glané quelques idées. S'il y a quelque chose que je pense que je devrais souligner, c'est que j'ai l'impression qu'il faut savoir que pendant les étapes intermédiaires d'une peinture, ça va avoir l'air plat. J'appelle cela le marasme. Toutes vos valeurs sont assez similaires et seul un mouvement audacieux avec quelques darks mettra du vent dans vos voiles. Crois y. Les aquarelles vont généralement de belles à assez laide et, espérons-le, à nouveau belles. Savoir que vous avez quelque chose de potentiel dans ces phases laides qui le sortira de la boue est la clé. Vous ruinerez de nombreuses peintures en utilisant cette méthode, mais je trouve que les peintures en ruine m'apprennent mieux que n'importe quelle bonne. Les bons tableaux, comme je l'ai dit dans le passé, sont comme des copains de beuverie. Ils disent juste "hé mec, c'est juste un mec génial... euh passe les cacahuètes." Mauvaises peintures, peintures ruinées, enseignez. Ils sont les tremplins vers des choses plus brillantes. Réfléchissez à votre travail. Je suggère qu'après avoir planifié une peinture et n'ayant pas atteint les résultats que vous espérez, prenez un peu de temps et écrivez votre plan sur la façon de la peindre à nouveau. Cela a tendance à faire travailler les deux côtés de votre cerveau et les résultats peuvent être assez puissants. Merci d'avoir pris le temps de lire ceci et j'espère que vous le trouverez agréable.