Dipingere con successo dal vero o dalle foto è in gran parte un processo per decidere cosa NON includere. Qualunque sia il tuo soggetto, quando ti prepari a dipingere, ci sono molte più informazioni di fronte a te di quante dovresti cercare di inserire nell'immagine. I nostri occhi possono rilevare una gamma infinitamente sottile di valori, colori e texture, ma includere anche solo la metà di tutto ciò che possiamo vedere risulterebbe in un'immagine sovra-dipinta che non lascia nulla da fare allo spettatore.

I dipinti che ammiro di più impiegano una reale economia di mezzi. Mi hanno fatto sentire la presenza del soggetto senza essere eccessivamente specifico. Se un'immagine mi mostra più di quello che devo sapere, comincio a sentirmi esclusa, come se potessi non far parte del pubblico previsto da quell'artista. Nel miglior lavoro, c'è una collaborazione tra l'artista, il mezzo e lo spettatore che si basa sulla nostra esperienza condivisa come persone visivamente sensibili. Presumo che il mio ipotetico pubblico provi la stessa cosa, quindi cerco di offrire loro il tipo di esperienza che cerco per me stesso.

Semplifica concentrandoti sugli elementi essenziali

Solo perché posso vedere qualcosa non significa che devo inserirlo nel dipinto. Troppe informazioni tendono a sovvertire l'illusione dello spazio in un dipinto. Il compito è trovare modi per semplificare il flusso di informazioni, specialmente nelle aree dell'immagine che non devono attirare l'attenzione dello spettatore. Guardare direttamente la fonte dell'immagine (la foto o la vista reale) non è la stessa cosa che guardare un dipinto. Mentre il tuo occhio si sposta da un punto all'altro nella sorgente, puoi spesso vedere molti dettagli ovunque guardi. Bianchi luminosi e scuri molto scuri possono essere visibili in lontananza, ma dipingere l'intera gamma di valori sullo sfondo darebbe a quella parte della scena la stessa importanza visiva del punto focale previsto. Lo sfondo si farebbe avanti nel piano dell'immagine, confondendo il senso dello spazio.

Come, allora, scegliamo cosa mostrare in modo specifico e cosa semplicemente dedurre? Trovare gli elementi essenziali di un soggetto dipende, ovviamente, dalle preferenze del singolo artista, ma per motivi di generalizzazione, assumiamo di voler mostrare un senso convincente della sostanza del soggetto, un'illusione dello spazio reale e una coerenza sensazione di luce.

Valore: la variabile più importante

Di tutte le variabili in gioco nel processo di pittura di un'immagine realistica, la più importante è di gran lunga il valore. Il tuo uso del colore può essere fantasioso o lunatico e il tuo disegno può vagare lontano dall'accuratezza, ma finché le relazioni di valore sono vere l'immagine sarà solida. Iniziare con uno schizzo monocromatico del soggetto a cinque valori è un buon modo per scoprire la struttura di base del dipinto. Limitare l'immagine a bianco, grigio chiaro, grigio medio, grigio scuro e nero mi costringe a semplificare il flusso di informazioni. Ho scelto Viola Carbazolo per il mio schizzo di Porte blu — un colore che può diventare abbastanza scuro da rappresentare il nero. Per quanto semplice, lo schizzo rapido serve come punto di riferimento per le decisioni su dove potrebbe essere necessaria una maggiore sottigliezza e dove è sufficiente un trattamento molto generale.

Rivedendo questo schizzo, diverse cose diventano chiare. Prima di tutto, questa è un'immagine affollata. Quasi tutta l'attività si svolge all'interno di uno spazio relativamente poco profondo. La serie di rettangoli, ovali, linee e cilindri fluttua separatamente sulla superficie della pagina, tenuti insieme dalla matrice del muro. Per questo motivo, non mi concentrerò sulla complicata trama del muro stesso: c'è già abbastanza da fare su quel piano. Troverò un modo per suggerire la ricchezza della trama senza competere con la chiarezza delle forme principali.

Successivamente, gli oscuri più scuri sono scarsi, ma molto importanti. Pochi tratti sottili distribuiti sulla superficie forniscono profondità e solidità significative. Dal momento che sono così potenti, so che sarò tentato di farne molti. Sarebbe facile esagerare. Quando dipingo lo strato finale, di solito devo ricordarmi di fare un passo indietro dopo i primi tratti e chiedere se è abbastanza.

Un'immagine convincente in cinque valori

È sempre affascinante scoprire che solo cinque valori di un singolo colore possono arrivare così lontano nella realizzazione di un'immagine convincente. In questo caso, ci sono solo pochi posti in cui sento il bisogno di essere più sottile o specifico. Le porte, che in primo luogo mi hanno attratto verso la scena, vogliono maggiore profondità e sostanza. Qui ho dipinto la porta centrale con soli tre strati: grigio medio, grigio scuro e nero. La versione finale beneficerebbe di un primo strato del valore di luce, con alcune aree lasciate come "buchi" nel secondo strato medio. Le porte dovrebbero anche essere un po' più scure rispetto al muro per accentuare il poco spazio che c'è nell'immagine.

Le fasce orizzontali del cielo e della strada possono fungere da cornice per l'intera immagine. Conterranno tutte quelle forme separate, soprattutto perché i lati dell'immagine sono ritagliati in modo disinvolto. Il cielo è abbastanza ampio da reggere il confronto, ma quello stretto nastro di strada lungo il fondo dovrà essere più ovviamente orizzontale. Devo ricordarmi di lasciare che i tratti sciolti che lo definiscono rimangano piacevoli e piatti.

Da chiaro a scuro, da generale a specifico

La natura fluida e trasparente dell'acquarello suggerisce una logica progressione pittorica che va dal chiaro allo scuro e dal generale allo specifico. Prima di iniziare il dipinto finale cerco di capire il soggetto come una serie di strati che si conformano a questa progressione. Immagino una successione di pellicole trasparenti che andranno a sommarsi a tutta la complessità dell'immagine. Ogni livello ha aree non verniciate, o "buchi", che lasciano inalterato il livello precedente. Ancora una volta, lo schizzo a cinque valori serve a guidare le mie scelte su cosa fare prima.

Alcune domande di base aiutano a pianificare il dipinto

1. Qual è l'area più ampia del dipinto? In questo caso è chiaramente il muro, quindi comincerò da lì.

2. C'è un solo colore che posso stendere su quell'intera area? Il caldo tono color cuoio dello stucco è alla base della maggior parte della parte centrale del dipinto, ma prima di stendere quel bucato devo porre un'altra domanda.

3. C'è qualcosa che devo dipingere in giro? Sto cercando posti all'interno del modulo grande che non dovrebbero avere quel buff come primo livello. I pochi bianchi individuati nello schizzo del valore devono essere mantenuti. Voglio anche lasciare un punto culminante sulla piastrella interna, quindi per ora dipingerò attorno all'intero ovale. Voglio preservare la chiarezza del blu nelle porte, quindi anche se saranno molto più scure del muro, le lascerò anch'esse bianche. Ho mescolato l'ocra gialla con il titanio lucido e l'ho steso abbastanza bagnato, per darmi il tempo di considerare la prossima domanda.

4. C'è qualcosa che dovrei fare mentre è ancora bagnato? Ecco la mia occasione per suggerire la complessa trama del muro senza rendere la superficie troppo occupata. Toccando altri colori di alto valore, quasi neutri nel primo lavaggio si aggiunge tutta la varietà di cui ho bisogno e i bordi morbidi assicurano che non competano con le forme più distinte di porte e ombre che verranno in seguito. In generale, è una buona idea inserire la consistenza e la complessità complessive nel primo strato, mentre è ancora bagnato. Le macchie e le macchie sulla parete in stucco sono un buon esempio. Successivamente, quando uno strato più specifico, come le ombre dei segni, viene sovrapposto a quell'informazione generale, serve a riunire il tutto.

Strato 1

Consiglio di mettere giù il primo strato ovunque nel dipinto prima di passare al secondo e al terzo strato in un punto in particolare. Il blocco dell'intera immagine all'inizio del processo aiuta a mantenere l'intera immagine legata. Confesso che è qui che infrango le mie regole più spesso, dal momento che a volte non riesco a resistere a vedere come apparirà la parte che sto dipingendo in questo momento con il livello successivo. Dipingere le ombre intorno alle porte prima che le porte stesse abbiano un primo strato, ad esempio, rende molto difficile sentire la profondità dello spazio all'interno della scena. Non appena viene steso il primo strato di blu, tuttavia, il muro inizia a sembrare continuo e solido.

Livello 2

Una volta identificata l'importanza relativa delle diverse parti dell'immagine, puoi decidere quanti livelli utilizzare per ciascuna. Le montagne lontane, ad esempio, potrebbero richiedere solo un singolo lavaggio di luce, mentre un edificio a media distanza potrebbe richiedere l'intero intervallo di valori a quattro strati. Poiché le porte sono la parte più complessa di questo dipinto, consideriamo la progressione degli strati che le hanno create. Prima che ogni strato venga applicato, pongo di nuovo le mie domande di base. Guardando la porta a destra puoi vedere il primo strato azzurro più chiaro (1, 2). Nota che ho dipinto attorno ai quattro rettangoli che non potevano avere il blu come base (3). All'interno di quel primo lavaggio ci sono anche alcuni punti in cui ho scelto di aggiungere il colore mentre era ancora bagnato (4).

Nell'immagine successiva quella stessa porta ora ha un secondo strato di blu un po' più scuro. Qui ho voluto preservare di nuovo quei quattro rettangoli, più un po' del primo strato attorno a loro che diventerà i bordi dei pannelli in rilievo. Si noti che questo livello è più piccolo e più specifico del precedente. Le pennellate che lo compongono sono tutte collegate, ma il lavaggio inizia a spezzarsi in pennellate separate.

Strato 3

Osservando la stessa area nel dipinto finito sono visibili altri due livelli. L'ombra proiettata della sporgenza corrisponde al grigio scuro nello studio del valore. Ho anche aggiunto alcuni tratti molto specifici per rappresentare i lati in ombra dei pannelli in rilievo.

Non appena vedo che il livello corrente coinvolge piccoli tratti separati, so che mi sto avvicinando al punto giusto per fermarmi. Riconoscere questo momento può essere l'abilità più importante di tutte. Implica la possibilità di guardare il proprio dipinto come se fosse stato dipinto da qualcun altro. Ricorda, è meglio peccare per troppe poche informazioni che per troppe. Dopo che è passato del tempo e puoi essere più distaccato dal lavoro puoi sempre aggiungere i tratti che mancano.

Livello 4

Ora guarda la porta a destra nel dipinto finito e prova a vedere questo processo al contrario. Conto quattro strati, ognuno più piccolo e più scuro di quello precedente.

Impara guardando

È utile dare uno sguardo analitico ai dipinti che ammiri per vedere quanti livelli sono coinvolti. Vedi se riesci a dire cosa è stato fatto prima, poi e poi ancora. Potresti essere sorpreso di scoprire che raramente occorrono più di quattro o cinque strati per raggiungere una densità e una luce molto convincenti. Molte delle immagini apparentemente dettagliate di Sargent sono composte da soli tre livelli. Gran parte della sua acqua straordinariamente complessa e fluida è realizzata solo con un primo strato di lavaggi verticali attraversato da un secondo di tratti orizzontali.

Ci saranno, ovviamente, alcuni argomenti che si rifiutano di risolversi in una semplice serie di livelli, ma come approccio generale alla semplificazione del processo di pittura è un punto di partenza efficace. Avanti e verso l'alto!

Porte blu di Tom Hoffmann