Dans cette étape par étape, je vais vous montrer l'une des nombreuses manières différentes de peindre la texture à l'aquarelle que j'emploie lorsque je travaille.. J'ai expérimenté l'aquarelle par intermittence pendant 37 ans, mais vraiment seulement dans "colère" depuis 22 ans. C'est alors que j'ai découvert à quel point je pouvais manipuler et modeler ce support incroyablement polyvalent, mais ses secrets n'ont été révélés que lorsque j'en ai été complètement exaspéré.

Je voyageais à travers la Chine en 1996 après avoir remporté une bourse de voyage en Écosse, cela signifiait que par nécessité de voyager, j'étais obligé de travailler avec l'aquarelle. Je travaillais un jour sur une peinture dans ma chambre d'hôtel quand je suis devenu incroyablement insatisfait de la qualité de ma manipulation de peinture. Frustré par l'image, j'ai mélangé de l'aquarelle blanche et j'ai recouvert la peinture complètement de blanc sans tenir compte de l'image en dessous. Il a complètement effacé la pièce initiale et la couleur de la peinture mélangée au blanc rendant le lavis final une teinte verdâtre pâle.

En arpentant la chambre d'hôtel avec une certaine colère, j'ai réfléchi à la façon dont j'allais surmonter ce dernier revers lorsque j'ai remarqué que la peinture, qui séchait dans un coin de la pièce, à ma grande surprise remontait lentement à la surface. C'était doux et sourd et très atmosphérique, et j'ai commencé à voir le potentiel qu'il n'avait pas avant d'avoir essayé de l'effacer. J'ai commencé à l'attaquer avec de l'eau propre pour révéler des taches plus claires en dessous créant une peinture beaucoup plus intéressante.

C'était mon moment Eurêka et un qui me permet de m'en tenir à une peinture bien au-delà du point où la plupart des artistes abandonneraient une peinture comme cause perdue. Cela signifie aussi que mes peintures peuvent prendre un temps considérable à se développer.

Dans cette démo de peinture, vous profiterez de ce moment Eureka car je l'utilise dans une technique assez idiosyncratique.

La peinture est d'un sujet qui est devenu synonyme de mon travail, une porte avec une serrure rouillée. J'ai expérimenté trois versions différentes de cette peinture en même temps. J'ai aussi commencé avec un croquis rapide en utilisant juste Cobalt bleu sarcelle et Orange Brûlée Quinacridone. J'aime beaucoup peindre avec une gamme de textures et les vieilles portes sont donc un véhicule parfait pour explorer mes techniques. Je ne me souviens pas de ma première peinture de porte ancienne, mais je peins de la texture à travers des surfaces de peinture écaillées, du bois et de la rouille depuis que j'ai obtenu mon diplôme de l'école des beaux-arts en 1987/88. Mes premières peintures étaient de nature métaphysique, mais elles reposaient également sur les détails et la texture de la surface.

Peinture à l'aquarelle Shadow Watcher II en studio.

Croquis de l'observateur des ombres

Ce croquis a été réalisé sur du papier fait main pour tenir compte de la composition et de la palette de couleurs. Quand je travaille sur mes croquis, ils sont vraiment pour fixer l'idée dans ma tête et peuvent être très rapides et lâches. Je ne ferai même pas référence au détail de la surface à moins qu'il ne soit très spécifique et inhabituel. Le croquis a pour but de créer une impression et sera toujours inachevé et peut-être abandonné assez rapidement une fois que je saurai quel sera mon objectif. Ce n'est pas une exception.

1. Du ruban adhésif recouvrant le dos du papier aquarelle. Papier aquarelle agrafé.

1. J'ai commencé avec un morceau de papier fait main de 300 g/m² (140 lb) qui a été « étiré » en appliquant du ruban adhésif, doublé sur tout le dos de la surface du papier. J'agrafe ensuite dans les coins pour donner un ancrage et un peu de solidité. J'utilise cette méthode pour pouvoir peindre jusqu'au bord du papier car j'aime le bord frangé sur les papiers faits à la main.

Pointe - J'utilise du ruban adhésif de 2 pouces et le double en rectangles de 2 pouces sur toute la surface. Cette méthode prend du temps, mais vous pouvez commencer à travailler tout de suite car il n'y a pas de temps de séchage comme l'étirement traditionnel avec une bande de gomme.

2. Après avoir appliqué de la peinture à l'aquarelle épaisse et aspergé d'eau.

2. J'applique d'abord de la peinture sur le papier aquarelle en peignant de la peinture aquarelle épaisse sur un morceau de carton et en l'appuyant sur mon papier. Pour cela, j'ai utilisé Teinte bleu manganèse, Bleu sarcelle de cobalt et Blanc de Chine aquarelle directement du tube sur la surface du carton. J'ai ensuite mélangé la peinture avec un pinceau et pressé le carton sur mon papier aquarelle. Ensuite, j'ai utilisé un pulvérisateur pour plantes pour pulvériser de l'eau pour ramollir la peinture et lui permettre de « couler » sur la planche. Je travaille à la verticale avec des aquarelles et cela m'empêche de créer des flaques d'eau dans mon travail.

3. Après pulvérisation avec Quinacridone Burnt Orange Watercolour.

3. J'ai ensuite procédé à la pulvérisation de la surface avec Orange Brûlée Quinacridone et mélange d'eau. Celui-ci doit être suffisamment fluide pour ne pas obstruer le mécanisme des pulvérisateurs de plantes mais pas trop fluide pour qu'il n'ait pas de présence. Laissez couler puis séchez avec un sèche-cheveux. Vous pouvez maintenant percevoir des textures de surface intéressantes.

Pointe – vous pouvez créer un peu de désordre sur le sol de votre studio, donc je mets généralement une feuille de plastique sous mon chevalet et des serviettes en papier au bas de la planche à dessin pour attraper l'excès de peinture.

4. Tracer les formes de base avec un crayon 8B

4. Une fois cette surface sèche, je trace les formes de base avec un crayon 8B pour m'assurer que je peux voir les lignes facilement contre la surface peinte. Je lave ensuite les zones les plus claires avec une brosse dure et de l'eau propre, en tamponnant continuellement avec du papier absorbant.

Pointe – Essayez de ne pas enlever toute la peinture dans cette zone. Je préfère laisser des résidus pour aider à la texture plus tard.

5. Après blocage dans les zones d'ombre/sombre avec du bleu de Prusse et de l'orange brûlée de quinacridone.

5. Utilisant Bleu de Prusse lave et Orange Brûlée Quinacridone lave (séparément) Je bloque dans les zones d'ombre/sombre. Faites très attention à ne pas agiter la surface en passant à plusieurs reprises sur une zone avec de la peinture. Cela aura pour effet de retirer votre surface de l'image lorsque vous essayez d'ajouter de la couleur.

6. Après avoir soulevé un peu de la surface de la peinture pour l'éclaircir et ajouter plus de texture.

6. Après avoir ajouté quelques couches de couleur, j'ai décidé que les noirs étaient devenus trop sombres et un peu plats, j'ai décidé de soulever un peu la surface de la peinture pour l'éclaircir. J'ai commencé à vaporiser la peinture avec de l'eau propre, puis je l'ai laissée pendant un moment ou deux avant de poser une serviette en papier sur la surface et de commencer à retirer une partie de la peinture. Non seulement cela a pour effet de rendre l'image un peu plus claire, mais cela ajoute en même temps une texture intéressante.

7. Ajout d'éclaboussures. Détails aussi avec un pinceau fin et Van Dyck Brown.

7. Une fois que j'ai posé plusieurs lavis plats et texturés, je commence à ajouter de la peinture avec quelques éclaboussures. Cela crée de la texture et me permet d'ajouter plus de peinture sans toucher physiquement la peinture avec un pinceau. J'ai également commencé à utiliser un pinceau 2/0 ou n'importe quel pinceau à pointe fine pour commencer à développer les détails. Je commence à faire des marques sur la zone claire où je veux suggérer de la peinture qui s'est écaillée et craquelée. C'est le détail qui fait la renommée de mon travail, et c'est ce qui élève la peinture au niveau supérieur

Pointe – Je commence à dessiner avec Van Dyck Marron et un petit pinceau, commençant vraiment à tout affûter. Si je ne m'occupe pas du dessin à un moment donné de la peinture, il n'aura pas le raffinement et la qualité que je recherche. Habituellement, si une peinture ne fonctionne pas, elle est résolue en réévaluant le dessin et cela peut être fait à tout moment.

Peinture finie – « Shadow watcher II », aquarelle sur papier fait main, 22 x 31,5cm

Les tons sont approfondis, la couleur est renforcée et les détails sont appliqués, la peinture est maintenant terminée. Comme vous pouvez le voir, les détails ont été intensifiés et j'apprécie vraiment cette partie de la peinture, même si cela peut prendre un certain temps pour que cela se produise. A l'aide d'un petit pinceau avec un mélange de Van Dyck Marron et Bleu de Prusse Je commence à travailler sur toute la surface de la peinture en faisant attention aux différentes textures que l'on s'attend à voir avec différents matériaux. C'est la raison pour laquelle mes peintures prennent du temps car j'arrive vraiment à comprendre ce qui constitue de la rouille ou du bois, etc. La plupart de ces détails de surface viennent de mon imagination car j'ai passé de nombreuses années à observer mon sujet et je sais instinctivement ce que je besoin de faire pour que cela fonctionne. J'ai également ajouté une couche de teinte, faite de Bleu sarcelle de cobalt et Blanc de Chine, à la zone plus claire.

Titre

La peinture s'appelle "Shadow Watcher II" car c'est la deuxième peinture de ce sujet, ce qui est très inhabituel pour moi. J'ai tendance à ne pas faire deux peintures de la même taille et de la même composition, mais dans ce cas, je les ai faites en même temps à titre expérimental, en utilisant deux approches légèrement différentes.

J'ai également développé une pièce légèrement plus grande avec une composition plus proche du croquis original. Ceci n'était pas terminé au moment de la rédaction. Le titre fait référence à moi, je suis l'observateur des ombres car je fais très attention au mouvement et aux formes des ombres lorsque je travaille. Pendant que je peins à l'extérieur, je prends constamment des photos du sujet pendant que je travaille car la lumière changera tout le temps et j'aime avoir un enregistrement de son mouvement pendant que je travaille. L'ombre décrit l'objet à partir duquel il est projeté, la direction et l'intensité de la lumière qui le traverse. C'est pourquoi j'aime particulièrement partir à l'étranger car le soleil est fort et constant. La lumière en Écosse fluctue tout le temps en raison de la quantité de nuages que nous avons dans le ciel et la lumière elle-même n'est pas aussi intense qu'elle est très rarement haute dans le ciel, et il y a généralement un mince voile de nuages vaporeux obscurcissant la luminosité .

Couleurs

Les couleurs de DANIEL SMITH utilisées dans la peinture ; Lavande, Van Dyck Marron, Orange Brûlée Quinacridone, Bleu de Prusse, Teinte bleu manganèse, Terre d'ombre brûlée, Jaune indien, Bleu sarcelle de cobalt, Violette de Quinacridone et Blanc de Chine aquarelle. Pour moi, c'est une palette limitée, j'aime utiliser une large gamme de couleurs et utiliser la plupart d'entre elles comme de purs lavis se mélangeant directement sur le papier. Dans ce cas, je n'ai utilisé aucun des DANIEL SMITH Bâtons d'aquarelle.

Palettes Angus McEwan avec les aquarelles DANIEL SMITH.

Il y a quatre couleurs qui sont toujours présentes dans mes peintures - Bleu sarcelle de cobalt, Teinte bleu manganèse, Lavande et Orange Brûlée Quinacridone. Ce tableau contient ces quatre couleurs, mais les deux prédominantes sont les Bleu sarcelle de cobalt et le Orange Brûlée Quinacridone. Il existe d'autres couleurs utilisées tout au long de la peinture, elles sont principalement utilisées pour éclaircir ou assombrir les couleurs clés.

Mes cartes de points d'aquarelle DANIEL SMITH ont une petite sélection de peintures incontournables de ma palette.

Ils contiennent des couleurs dont je ne pourrais pas me passer et comprennent généralement des couleurs difficiles à reproduire à partir d'une gamme de couleurs de base en raison de leur intensité et de la force de leur pigment. La dernière couleur de la gamme DANIEL SMITH est Lavande et c'est une couleur que j'utilise maintenant dans toutes mes peintures. Bleu sarcelle de cobalt et Teinte bleu manganèse sont aussi des incontournables, et presque toujours des couleurs utilisées.

Lavande
Bleu sarcelle de cobalt
Bleu cobalt
Teinte bleu manganèse
Bleu Cobalt Violet
Bleu de Prusse
Violette de Quinacridone
Lune lunaire
Vert Phtalo (BS)
Olive verte
Phtalo Turquoise
Jaune indien
Orange Brûlée Quinacridone
Nuance d'orange de cadmium
Vermillon Bio
Sienne brûlée
Terre d'ombre brûlée
Van Dyck Marron

Pourquoi j'ai choisi les aquarelles DANIEL SMITH
"J'aime l'intensité, la facilité d'utilisation, l'incroyable variété de couleurs et l'excellente qualité de la gamme DANIEL SMITH. Ils réagissent toujours de la même manière, à chaque fois, quel que soit le substrat. C'est important pour moi car il y a tellement de variables lors de la peinture, pouvoir se fier à la qualité de la peinture est un élément majeur d'une œuvre d'art réussie. En termes simples, DANIEL SMITH obtient la qualité et la constance à chaque fois.