Que peuvent peindre les artistes qui aiment à la fois le réalisme et l'abstraction ? Karlyn Holman (1940-2019) propose de mélanger ces deux styles pour créer des peintures semi-abstraites.

Lorsque cette artiste du Wisconsin a vu sa peinture se développer trop étroitement vers le réalisme, elle se concentrait davantage sur les éléments de conception - en utilisant la forme, la couleur, la valeur, la texture et la ligne. Le mouvement a également joué un rôle important dans son travail. Et lorsque sa peinture se sentait trop abstraite, elle cherchait des formes reconnaissables pour la ramener à un équilibre confortable. « La semi-abstraction m'attire plus que le réalisme absolu ou la peinture totalement non objective. L'un des moyens les plus simples de voir de manière abstraite est de voir votre sujet de près », a déclaré Karlyn. "Le travail de Georgia O'Keefe est un exemple remarquable de l'utilisation de cette technique."

la peinture de Karlyn, Attentes du raisin est un exemple de peinture semi-abstraite utilisant les éléments de conception pour créer une composition bien équilibrée. Ceci est réalisé avec succès en omettant beaucoup de détails et en simplifiant le sujet. Une sensation de légèreté prévaudra en laissant des zones blanches sur le papier.

Au cours de ses voyages dans le monde, enseignant Aquarelle : amusante et gratuite ateliers, Holman s'arrêtait souvent pour photographier et peindre des sujets fascinants. En peignant des scènes de village dans les vignobles de la région Alsace-Lorraine en France, elle a remarqué que des raisins succulents mûrissaient sous la lumière du soleil tachetée. "Un jour, nous avons fait arrêter notre chauffeur de bus pour pouvoir photographier les vignes et cueillir des feuilles", se souvient-elle. Plus tard, alors qu'elle était à l'intérieur, Karlyn a créé une aquarelle semi-abstraite en estampant, en découpant et en découpant des formes. Les artistes de tous niveaux peuvent s'exprimer en utilisant ces méthodes ludiques.

Si vous souhaitez essayer cette méthode mais que vous n'avez pas de raisins sur les vignes, essayez de peindre tout ce qui est disponible dans votre voisinage. Utilisez des plantes ou des fleurs de jardin comme des fougères, des roses trémières ou encore des pissenlits, en utilisant plusieurs feuilles de la plante pour l'étape de tamponnage. Avant de peindre de cette manière, choisissez un sujet en gros plan. Bien que travailler à partir d'une photo puisse être plus facile, peindre directement à partir de la nature peut être amusant et stimulant. Étudiez votre sujet pour décider des formes, des couleurs et des textures à utiliser.

Un croquis préliminaire n'est pas toujours nécessaire. Parfois, sauter directement peut être la meilleure approche, pleine de surprises. "Tout ce dont vous avez vraiment besoin, c'est d'un esprit d'aventure", a déclaré Holman.

La blancheur du papier aquarelle blanc brillant (presse à froid - 140 lb) laisse les couleurs apparaître éclatantes. Holman a suggéré de mouiller les deux côtés du papier afin qu'il reste à plat et vous donnera un temps de travail plus long. Au lieu de tremper et d'étirer le papier, elle utilise simplement un pinceau pour cette étape. La palette de Karlyn comprenait de nombreuses couleurs vives et transparentes - voici quelques-unes de ses préférées :  Or quinacridone, Orange Brûlée Quinacridone et Turquoise Outremer. Elle aimait aussi expérimenter les métaux et Aquarelles luminescentes. "Bien que les artistes aient de nombreux choix d'outils et de matériaux à utiliser, l'outil le plus important est l'œil de votre esprit", a-t-elle déclaré.

La démonstration étape par étape suivante illustre une approche simple et directe pour concevoir l'espace et créer des textures qui capturent l'essence des raisins accrochés aux vignes. "Cette leçon est une excellente pratique pour affiner vos compétences en peinture négative", a déclaré Karlyn.

Étape 1

Karlyn a esquissé une étude de valeur en utilisant des marqueurs de deux tons de gris différents, laissant le blanc du papier comme valeur la plus claire. Bien que les marqueurs soient un moyen rapide d'obtenir de jolis tons uniformes, vous préférerez peut-être utiliser un crayon ou un crayon pour cette étape, en utilisant différentes gradations.

Étape 2

Après avoir mouillé le papier des deux côtés, capturez l'essence des valeurs lumineuses en appliquant des couleurs pures et claires directement sur le papier au lieu de les mélanger sur votre palette. Lorsque vous déplacez votre pinceau sur le papier humide, gardez à l'esprit le mouvement directionnel.

Même si vous ne peignez pas encore le sujet, sélectionnez les couleurs de base en vous référant à votre étude de valeur. Par exemple, interprétez les raisins violets en peignant d'abord un rose-rouge, puis en ajoutant un bleu chaud par-dessus. N'oubliez pas de sauvegarder votre blanc!

Après que les couleurs harmoniques se soient familiarisées, Karlyn s'est concentrée sur la création de contrastes. En utilisant le dos de vraies feuilles de vigne, elle a appliqué du jaune et du bleu, ajoutant une touche de couleur complémentaire. Lors de l'estampage des feuilles sur le papier, les couleurs se mélangent de façon surprenante. Gardant les feuilles en place sur le papier, elle les utilisait comme des masques en peignant autour d'elles. En découpant des cercles de la taille d'un raisin dans du papier ciré et en les plaçant en grappes sur des zones de couleur humide, ces formes aideront à créer un point focal.

En plaçant des couleurs complémentaires ou froides en arrière-plan, la peinture apparaîtra vivante et excitante. Elle a peint des vignes traînantes, des tons foncés moyens, puis a attendu que la peinture sèche.

Étape 3

C'est l'étape la plus excitante - retirez les feuilles et le papier ciré pour révéler les textures que vous avez créées.

Étape 4

Rassemblez votre peinture en ajoutant quelques ombres et quelques formes négatives - utilisez votre intuition pour compléter la peinture. Gardez à l'esprit que certaines parties du sujet peuvent être peintes de manière plus réaliste et d'autres peuvent être plus abstraites. Essayez d'obtenir une variété de textures et de formes, des bords perdus et trouvés et autant de contraste que possible pour obtenir une peinture ravissante et semi-abstraite qui est unique à votre propre style.