Cosa possono dipingere gli artisti quando amano sia il realismo che l'astrazione? Karlyn Holman (1940-2019) ha suggerito di fondere questi due stili per creare dipinti semi-astratti.

Quando questa artista del Wisconsin ha visto la sua pittura svilupparsi troppo vicino al realismo, si è concentrata maggiormente sugli elementi del design, usando forma, colore, valore, trama e linea. Anche il movimento ha svolto un ruolo importante nel suo lavoro. E quando la sua pittura sembrava troppo astratta, cercava forme riconoscibili per riportarla a un equilibrio confortevole. “La semi-astrazione mi attrae più del realismo assoluto o della pittura totale non oggettiva. Uno dei modi più semplici per vedere in modo astratto è vedere il soggetto a fuoco ravvicinato", ha affermato Karlyn. "Il lavoro di Georgia O'Keefe è un eccezionale esempio dell'uso di questa tecnica."

il dipinto di Karlyn, Aspettative sull'uva è un esempio di dipinto semi-astratto che utilizza gli elementi del design per creare una composizione ben bilanciata. Ciò si ottiene con successo omettendo molti dettagli e semplificando l'argomento. Una sensazione di leggerezza prevarrà lasciando aree bianche della carta.

Durante i suoi viaggi per il mondo insegnando Acquerello: divertente e gratuito laboratori, Holman si fermava spesso a fotografare e dipingere argomenti affascinanti. Mentre dipingeva scene di villaggio nei vigneti della regione francese dell'Alsazia-Lorena, ha notato che uva succulenta stava maturando alla luce screziata del sole. "Un giorno, abbiamo effettivamente fatto fermare il nostro autista dell'autobus in modo da poter fotografare i vigneti e raccogliere alcune foglie", ha ricordato. Più tardi, mentre era al chiuso, Karlyn ha creato un dipinto ad acquerello semi-astratto stampando, stencil e ritagliando forme. Artisti di tutti i livelli possono esprimersi utilizzando questi metodi giocosi.

Se desideri provare questo metodo ma non hai l'uva che cresce sulle viti, prova a dipingere tutto ciò che è disponibile nelle tue vicinanze. Usa piante o fiori da giardino come felci, malvarosa o persino denti di leone, usando diverse foglie della pianta per la fase di stampaggio. Prima di dipingere in questo modo, scegli un soggetto in primo piano. Sebbene lavorare da una foto possa essere più semplice, dipingere direttamente dalla natura può essere divertente e stimolante. Studia il tuo soggetto per decidere le forme, i colori e le trame da usare.

Uno schizzo preliminare non è sempre necessario. A volte, saltare dentro può essere l'approccio migliore, pieno di sorprese. "Tutto ciò di cui hai veramente bisogno è uno spirito di avventura", ha detto Holman.

Il candore della carta per acquerelli bianco brillante (stampa a freddo – 140 libbre) fa apparire i colori vivaci. Holman ha suggerito di bagnare entrambi i lati della carta in modo che rimanga piatto e ti dia un tempo di lavoro più lungo. Invece di immergere e allungare la carta, usa semplicemente un pennello per questo passaggio. La tavolozza di Karlyn includeva molti colori vivaci e trasparenti: questi erano alcuni dei suoi preferiti:  Quinacridone Oro, Quinacridone Arancione Bruciato e Turchese oltremare. Amava anche sperimentare con i metalli e Acquerelli luminescenti. "Sebbene gli artisti abbiano molte scelte di strumenti e materiali da utilizzare, lo strumento più importante è l'occhio della tua mente", ha detto.

La seguente dimostrazione passo passo illustra un approccio semplice e diretto per progettare lo spazio e creare trame che catturano l'essenza dell'uva appesa alle viti. "Questa lezione è un'ottima pratica per affinare le tue abilità di pittura negativa", ha detto Karlyn.

Passo 1

Karlyn ha abbozzato uno studio del valore utilizzando pennarelli di due diverse tonalità di grigio, lasciando il bianco della carta come valore più chiaro. Sebbene i pennarelli siano un modo rapido per ottenere toni piacevoli e uniformi, potresti preferire usare una matita o un pastello per questo passaggio, usando gradazioni diverse.

Passo 2

Dopo aver bagnato la carta su entrambi i lati, cattura l'essenza dei valori di luce applicando colori chiari e puri direttamente sulla carta invece di mescolarli sulla tavolozza. Mentre muovi il pennello sulla carta bagnata, tieni a mente il movimento direzionale.

Anche se non stai ancora dipingendo il soggetto, seleziona i colori di base facendo riferimento al tuo studio del valore. Ad esempio, interpreta l'uva viola dipingendo prima un rosa-rosso e poi aggiungendo un blu caldo sopra la parte superiore. Ricordati di salvare il tuo bianco!

Dopo che i colori armonici hanno familiarizzato, Karlyn si è concentrata sulla creazione di contrasto. Usando il retro di vere foglie d'uva, ha applicato il giallo e il blu, aggiungendo un tocco di colore complementare. Quando si stampano le foglie sulla carta, i colori si mescolano in modi sorprendenti. Tenendo le foglie in posizione sulla carta, le usava come maschere dipingendole intorno. Tagliando cerchi grandi come un acino dalla carta oleata e posizionandoli a grappoli su aree di colore bagnato, queste forme aiuteranno a creare un punto focale.

Posizionando colori complementari o freddi sullo sfondo, il dipinto apparirà vivo ed eccitante. Dipinse alcuni rampicanti, scuri di tono medio, quindi aspettò che la vernice si asciugasse.

Passaggio 3

Questo è il passaggio più eccitante: rimuovi le foglie e la carta oleata per rivelare le trame che hai creato.

Passaggio 4

Metti insieme il tuo dipinto aggiungendo alcuni scuri e alcune forme negative: usa il tuo intuito per completare il dipinto. Tieni presente che alcune parti del soggetto potrebbero essere dipinte in modo più realistico e altre potrebbero essere più astratte. Cerca di ottenere una varietà di trame e forme, bordi perduti e ritrovati e il maggior contrasto possibile per ottenere un dipinto delizioso e semi-astratto che sia unico per il tuo stile.