Une chose que j'aime dans la vaste sélection de couleurs de DANIEL SMITH est la façon dont chaque artiste peut choisir précisément la palette qui convient le mieux à chaque pièce. Il y a toujours quelque chose de nouveau à essayer, une nouvelle expérience créative à découvrir - comme leur Aquarelles luminescentes, que j'ai exploré avec mon Tête dans les étoiles portrait. Cette peinture est basée sur une photo que j'ai prise d'un ami danseur et acrobate. L'éclat rétro de son costume était une inspiration parfaite pour utiliser les luminescents pour créer une peinture nostalgique et rêveuse.

J'aime travailler avec une référence photographique car je peux capturer des expressions fugaces, des mouvements uniques, ainsi que les souvenirs d'un moment et d'un lieu particuliers. J'aime aussi peindre le modèle de la vie (cette pratique informe toutes mes autres œuvres d'art), mais un modèle vivant est limité par la pose qui peut être maintenue pendant une période prolongée. J'adore photographier les danseurs, acteurs et autres performeurs car ils sont à l'aise devant un appareil photo. J'ai peut-être un concept particulier en tête lorsque je commence à prendre des photos ou je peux simplement classer les photos pour plus tard.

Dessin préliminaire:

J'ai utilisé du papier pressé à froid (rugueux) de 300 lb sur un bloc d'aquarelle, afin de pouvoir déplacer les pigments luminescents uniformément sur la page, sans qu'ils ne s'accumulent en ondulations formées par une feuille de papier ordinaire qui se déforme en séchant.

Je commence par un dessin assez bien défini, ce qui me permet d'être plus lâche et plus détendu avec le processus de peinture. Pour éviter de trop travailler le papier, je reporte les traits de base de l'image à partir d'un brouillon de ma photographie, puis j'affine le dessin à l'aide d'un porte-mine HB (#2). J'essaie d'éviter un effacement excessif.

Fond atmosphérique :

je commence par Lampe Noir comme base, je peux donc m'amuser avec la façon dont les luminescents changent sur un fond sombre par rapport à un fond clair. J'ai choisi Lamp Black spécifiquement en raison de ses hautes qualités de coloration. Je veux que cette sous-couche reste aussi enfermée que possible dans le papier lorsque je construis dessus. Cette atmosphère de « ciel nocturne » recouvrira juste le haut de la tête du modèle – sombre en haut, s'estompant jusqu'au blanc du papier. J'utilise un flacon pulvérisateur avec de l'eau claire et de gros pinceaux doux pour créer cette gradation. Je fais pivoter et incliner le bloc aquarelle pour déplacer la peinture humide. Je ne me soucie pas de rendre les choses parfaitement fluides. J'apprécie les textures inattendues qui peuvent survenir dans un lavage humide, qui ajoutent à l'atmosphère générale.

Sous-peinture :

Poursuivant avec Lamp Black, je peins le portrait en niveaux de gris sur le fond atmosphérique sec. Cela ajoutera de la structure sous les couleurs luminescentes. Cela donnera également à la peinture une sensation vintage et nostalgique, comme si le résultat final était une photographie colorée à la main ; ainsi que fournir un contraste neutre et ancré au chatoiement des couleurs luminescentes.

Dans l'ensemble, j'ai tendance à penser en formes de valeur, laissant des bords assez durs à mes formes. Je pourrais adoucir le bord d'une transition dans un visage avec juste un peu d'eau claire ou avec une texture de pinceau sec ; ou peignez certaines zones, comme la ligne de la mâchoire et les ombres des joues, mouillées sur mouillées pour un effet plus doux. Cependant, la « douceur » n'est pas quelque chose qui me préoccupe trop – je ne la considère pas comme une caractéristique fondamentale de l'aquarelle. Les relations majeures sont plus fondamentales pour créer l'illusion de réalisme. Et toutes les fleurs ou textures organiques qui apparaissent au cours de la peinture sont embrassées et appréciées.

Valeurs lumineuses :

Une fois que la couche précédente est complètement sèche (j'utilise un sèche-cheveux pour accélérer les choses), je commence à construire les zones les plus grandes et les plus claires avec les couleurs luminescentes de ma palette. A ce stade, j'utilise principalement Or Irisé et Hibiscus duochrome, assez dilué pour la chair, et Duochrome Violet Perle pour les cheveux. Les zones que j'ai identifiées comme des reflets blancs dans ma photo de référence, je les laisse vides et non peintes. Ces zones seraient normalement le blanc du papier, mais à cause de mon arrière-plan atmosphérique Lamp Black, à certains endroits, elles sont en fait grises - c'est un peu un casse-tête, mais j'essaie de l'ignorer et de faire comme si j'étais peinture sur papier blanc. J'aime mes pinceaux en faux écureuil pour cette étape car leur douceur est moins susceptible de perturber la sous-couche noire et grise en dessous lorsque je superpose les couleurs luminescentes sur le dessus.

Tons moyens et détails :

Je laisse la couche précédente sécher complètement à l'aide d'un sèche-cheveux. Maintenant, je superpose mes couleurs chair chaudes en demi-tons sur les lumières les plus claires, laissant certaines de ces zones claires précédentes non peintes. je rajoute Bronze Duochrome Désert comme un ton chair plus foncé, et en ajoutant des zones plus concentrées de l'or irisé et de l'hibiscus Duochrome. J'ajoute également plus de détails aux cheveux avec une brosse plus petite et plus rigide.

Points forts:

Vient maintenant une étape vraiment amusante, propre à mes portraits réalisés avec des couleurs luminescentes. Normalement, les rehauts blancs de mes portraits sont le blanc du papier. Ici, en raison du fond noir de lampe atmosphérique, certaines zones de rehauts sont grises ou noires. Les propriétés semi-transparentes et réfléchissantes des couleurs luminescentes me permettent de les utiliser pour réintroduire des reflets scintillants dans ces zones. J'utilise Argent antique irisé et Chatoyant Nacré pour ajouter les zones de surbrillance sur le visage et les yeux de Krystal, et pour créer ses étoiles scintillantes et son casque de lune. Je crée une éclaboussure d'étoiles dans le ciel sombre en tenant un pinceau chargé de peinture aqueuse à quelques centimètres au-dessus de la page et en le tapotant contre le doigt de ma main opposée.

Définition:

Pour donner au visage plus de définition et de contraste, je reviens au noir de lampe et j'ajoute sélectivement quelques détails et de petites ombres superposées sur les couleurs luminescentes sèches. Je reviens également et adoucis sélectivement certaines zones de surbrillance avec un pinceau humide, comme les étoiles de la couronne, pour leur donner une sensation plus éclatante.

Plus de conseils pour travailler avec DANIEL SMITH Aquarelles luminescentes:

• N'ayez pas peur d'essayer quelque chose de nouveau en studio, même si vous avez un processus éprouvé. L'ajout d'un nouvel élément dans le mélange peut déclencher de nouvelles découvertes. N'oubliez pas de prendre le temps de jouer et d'explorer.
• Essayez une palette de plusieurs luminescents ensemble ou essayez d'en ajouter un seul à votre palette standard comme accent.
• Créez des échantillons de vos luminescents sur du papier blanc et un lavis foncé pour connaître leurs propriétés.
• Pearlescent Shimmer fait un excellent reflet blanc brillant - c'est l'un des plus brillants et des plus réfléchissants.
• Essayez de compenser ou d'ancrer les qualités audacieuses et éblouissantes des luminescents avec des tons foncés et neutres non réfléchissants.
• Quelles que soient les couleurs que vous choisissez, adoptez le caractère fondamental de l'aquarelle. Permettez-lui d'être vivant et de faire ce qu'il veut faire. Acceptez les fleurs, les lignes de marée et les autres textures organiques qui apparaissent naturellement pendant le processus de peinture comme une belle partie naturelle du processus, plutôt que de les combattre ou d'essayer de les corriger. Un accident organique est plus beau que de surmener une zone en essayant de la forcer à se comporter d'une certaine manière.